La historia del cine en 438 segundos

historia del cine

Un 22 de marzo de 1895, los hermanos Lumière presentaron en París la ya célebre ‘Salida de los obreros de la fábrica’. Desde entonces han pasado 120 años, y conmemorando estas doce décadas desde que el llamado séptimo arte nació oficialmente, el joven estudiante de cine francés Joris Faucon Grimaud, sumándose a otras iniciativas similares, ha montado un vídeo de algo más de 7 minutos donde plasma algunos momentos de las escenas más icónicas de la historia del cine. En concreto hay 300 planos memorables de películas que siempre recordaremos.

El vídeo comienza recordando el cine mudo al compás del tema Death is the Road to Awe compuesto por Clint Mansell para ‘La fuente de la vida’ (2006) de Darren Aronofsky. Luego, ‘Los 7 samuráis’, ‘La noche del cazador’. La banda sonora de Terence Blanchard para ‘La última noche’ (2002) nos introduce en el cine en color, en el de Kubrick o la Nouvelle Vague. También aparece Marilyn Monroe, películas como ‘Matar a un ruiseñor’, obras de Hitchcock, Godard o Martin Scorsese. Después, la inconfundible música de Ennio Morricone.

Hans Zimmer con el tema To Die For de ‘El rey León’ (por la que ganó el Oscar) nos acompañará en el tramo central para rememorar los grandes clásicos de la animación de Disney, sin olvidar Pixar, Tim Burton o a Hayao Miyazaki. Finalmente, la música electrónica nos transportará al cine de superhéroes, a los mundos de Star Wars, Star Trek, Matrix, James Bond y Harry Potter entre otros.

1001 películas que hay que ver antes de morirCada uno haríamos nuestra propia selección, pero la de Grimaud es realmente impecable. Nos invita a recordar y a soñar, y en definitiva a darnos cuenta de la razón por la que amamos todo esto del cine.

Asegura haberse basado en el libro ‘1001 películas que hay que ver antes de morir’, de Steven Jay Scheneider; también en las películas mejor valoradas en los rankings de IMDb y, naturalmente, en sus gustos personales, sobre todo destacando películas de animación.

El vídeo culmina con el final de una escena de ‘Cisne negro’ de Aronofsky y protagonizada por Natalie Portman, porque según las palabras del propio Grimaud: “A mis ojos, la escena evoca el alivio y el logro… ¡lo mismo que sentí cuando conseguí terminar el montaje de mi vídeo!”. ¡Que lo disfruten y no dejen de comentarlo por aquí!

Crítica: Una nueva amiga

Anaïs Demoustier y Romain Duris en Una nueva amiga

Anaïs Demoustier y Romain Duris en “Una nueva amiga”. Fuente: Golem

El director francés François Ozon estrena ‘Una nueva amiga’, película optimista sobre el travestismo. La idea de realizar este filme surgió en el director francés hace muchos años leyendo un relato de Ruth Rendell, ‘The New Girlfriend’. Se trata de una historia de una mujer que descubre que el marido de su amiga se trasviste a escondidas. Las ganas de convertir el relato en película no solo no se desvanecieron con el tiempo, sino que la actualidad hizo que el deseo creciera. El director escribió el guión en plena batalla del matrimonio homosexual en Francia, donde las manifestaciones en su contra estaban al orden del día en cualquier punto de la geografía gala. Es por ello que es una película intencionadamente más positiva, luminosa y pedagógica de lo que cabría esperar de una historia sobre esta temática.

El talentoso Ozon acierta de pleno al otorgarle el papel principal a Romain Duris. El actor francés, que comenzara su carrera por accidente, fue descubierto a la salida de clase por un director de casting. Ahora es uno de los actores más laureados de la interpretación gala. Da vida con nota al papel complicado de un hombre con el simple, pero complejo, deseo de vestirse de mujer. Consigue lo más difícil, parecer verosímil dandole el toque justo de feminidad y sofisticación a un personaje que descubre su nueva identidad simplemente travestido, pero que no abandona en ningún momento su verdadero yo.

Romain Duris y Raphaël Personnaz en Una nueva amiga

Romain Duris y Raphaël Personnaz en “Una nueva amiga”. Fuente: Golem

Siendo fan absoluto del mejor cine de Almodóvar, ‘Una nueva amiga’ me transporta, salvando las distancias, al universo del manchego. Es complicado no establecer paralelismos entre la película y escenas de ‘Tacones lejanos’, ‘Todo sobre mi madre’ o ‘Hable con ella’.  Estos destellos almodovarianos, con mucho menos arte pop y más sobriedad,  se respiran al encontrarnos con una performance, Una mujer contigo de Nicole Croisille, un atropello y hasta la estancia en coma en un hospital.

Estamos ante otra buena película de François Ozon, aunque muy diferente a lo que nos tiene acostumbrados. Desde luego no está a la altura de algunas de sus anteriores películas, como la excelente ‘En la casa’ o la inquietante ‘Jóven y bonita’, pero tiene pequeños detalles que la hacen muy recomendable. Por ejemplo, el flasback inicial que te cuenta en solo diez minutos de metraje 20 años de vida de los personajes. En definitiva, estamos ante una historia de amor en forma de caramelo envuelto en un alegato a la libertad y a la diferenciación. Una película respetuosa y pedagógica que siempre viene a cuento.

Los premios Principe de Asturias del séptimo arte

La Fundación Princesa de Asturias es una institución privada sin ánimo de lucro que tiene como objetivo el contribuir a la exaltación y promoción de cuantos valores científicos, culturales y humanísticos son patrimonio universal. El título que da nombre a estos premios tradicionalmente lo ostentan los herederos de la Corona de España. Es por ello que hasta la coronación como rey de Felipe VI  la Fundación y, por ende los premios, se llamaran Princesa de Asturias, título que ahora ostenta su hija Leonor.

Luis García Berlanga premio Principe de Asturias de las Artes 1986

Luis García Berlanga premio Principe de Asturias de las Artes 1986. Fuente: FPA

Entre las ocho categorías en las que se conceden los premios está la de las Artes, destinada a galardonar la labor cultural realizada por personas en el ámbito internacional. El cine como séptimo arte solo ha logrado este premio en siete ocasiones. Desde la creación de los premios en 1981, hemos visto como las profesiones de actor y director de cine han sido merecedoras del preciado galardón. Hubo que esperar a 1986 para que los premios Principe de Asturias reconocieran la labor en la categoría de Artes a un director de cine, el español Luis García Berlanga que ya fuera reconocido con varios premios y nominaciones en festivales internacionales como Cannes, Venecia o San Sebastián.

Años más tarde, en 1995, se le concede el galardón a Fernando Fernán-Gómez. Magnífico cómico español, que durante más de medio siglo de vida artística y profesional ha construido en España y América una increible biografía como actor de cine, teatro y televisión, director y autor. Dos años más tarde el cine volvía a ser protagonista de este premio, esta vez, reconociendo al genovés Vittorio Gassmann su labor como actor y productor cinematográfico y teatral, así como su faceta de escritor. Considerándolo además como uno de los más grandes innovadores de la creación artística de nuestro tiempo, y una referencia moral para todas las generaciones.

Después de Gassmasnn, ya en el siglo XXI, llegó el momento del reconocimiento total a los directores de cine. Fueron tres realizadores de amplio reconocimiento internacional e indudable talento quienes han recogido el Premio Príncipe de Asturias de las Artes. En 2002 al carismático y director fetiche de este blog, el neoyorkino Woody Allen; en 2006 al más transgresor de nuestra cinematografía reciente, el manchego Pedro Almodóvar; en 2013 al ecléctico austríaco Michael Haneke. Además, próximamente veremos a Francis Ford Coppola en el Teatro Campoamor de Oviedo recogiendo su premio Princesa de Asturias de las Artes 2015 por su indiscutible “lugar prominente en la historia del cine.

Ya va siendo hora de que los premios reconozcan otras profesiones del cine, que sin lugar a dudas también son creadoras y propulsoras del arte. Desde MacGuffin007 proponemos a tres españoles. El músico Alberto Iglesias, por su capacidad innata para captar la emoción de una historia en muchas de sus composiciones, al director artístico Gil Parrondo por su enorme talento para recrear espacios y transportarnos a cualquier época, y al director de fotografía Javier  Aguirresarobe, por renovar y  hacer crecer la imagen cinematográfica gracias a su habilidad para jugar con las luces y las sombras.

Sugerentes imágenes de lo nuevo de Paolo Sorrentino: ‘La giovinezza’

La giovinezza

Al comenzar el año siempre hablamos de los estrenos de cine que deseamos ver. Este año en dicha lista no podía faltar lo nuevo de Paolo Sorrentino, ‘La giovinezza’. Viendo el trailer de la película nos recuerda, por su estilo visual y por su banda sonora, a la sugerente ‘La gran belleza’, una de las producciones italianas más premiadas de los últimos años y ganadora del Oscar a la Mejor película de habla no inglesa en 2013.

El esperado regreso de Sorrentino con ‘La giovinezza’ (la juventud) tiene además un gran aliciente, ver nuevamente a otro gran protagonista de la interpretación. Porque esta vez,  Michael Caine será quien ocupe el lugar de Toni Servillo, ese dandee que repasa su vida, sus sentimientos y sus valores en medio de la bohemia decadente de la ciudad eterna. Caine encarnará a un compositor de 80 años retirado en un hotel de los Alpes que repasa su vida junto con un amigo (Harvey Keitel), un director de cine que, pese a su edad, intenta sacar adelante una película más. En su reparto cuenta también con Rachel Weisz, Jane Fonda o  Paul Dano.

achel Weisz y Paul Dano y Harvey Keitel en La giovinezza

Rachel Weisz, Paul Dano y Harvey Keitel en “La giovinezza” de Paolo Sorrentino

Sorrentino es de esos directores que cautiva, incluso con ‘Un lugar donde quedarse’, no tan bien recibida por la crítica especializada. Hace 7 años apuntaba maneras con el drama mafioso ‘Il divo’. Se trata de un director y guionista italiano que ha conseguido la madurez cinematográfica y es todo un referente a seguir para todos los que amamos el cine europeo y de autor. Sorrentino continua la saga de brillantes cineastas italianos y estamos seguros que volverá a demostrarnos cómo es capaz de embriagarnos con sus recuerdos, obsesiones y sentimientos sin ningún ápice de prejuicios y con toda la libertad y creatividad que esperamos siempre de una película.

Crítica: Mandarinas

Lembit Ulfsak en Mandarinas

Lembit Ulfsak en “Mandarinas” del director Zaza Urushadze. Fuente: Karma Films

El director georgiano Zaza Urushadze recrea con ‘Mandarinas’ los comienzos de la revuelta independentista en la provincia de Abjasia, al oeste de Georgia, a comienzos de los años noventa. Para tal fin aisla en la ficción a cuatro personajes de la intrahistoria de este conflicto bélico poniendo así al descubierto las personalidades de cada uno de los personajes, que combinados entre sí generan una energía que cala hondo en el espectador.

Esta coproducción estonio-georgiana se convierte en un ejemplo fascinante de integración de la ficción cinematográfica en el corazón de una realidad social, reflejo de una época convulsa en el plano público y no tanto en el íntimo. Porque el filme nos recuerda constantemente que a pesar de ser diferentes en nuestros orígenes y en nuestras creencias, hay algo que sobrevuela sobre el alma de todos nosotros y es nuestra propia humanidad. Como la de Ivo, un estonio que decide quedarse en Georgia para ayudar a su amigo Margus con la cosecha anual de mandarinas.

interpretes de Mandarina

Ivo y su amigo Margus (arriba). Ahmed y Niko, los dos soldados rivales. Fuente: Karma Films

La mirada de Urushadze se revela extraordinariamente sensible, sobre todo en su representación de la naturaleza humana y del propio paisaje caucásico. Una película repleta de hallazgos visuales que se aleja del género bélico para poner el foco en la relación humana entre personajes obligados a entenderse en un entorno idílico que contrasta con la sinrazón de la guerra que divide a las personas.

El filme evita en todo momento cruzar el territorio de los tópicos, tan temido para este tipo de películas, y realiza una profunda reflexión con tintes universales sobre lo que significa el honor y el deseo de defender nuestras raíces, no exento de un auténtico ambiente de tensión. Muestra de una cinematografía como la estonia que despunta en medio de las vicisitudes. También ejemplo de un tipo de cine que dialoga con un tono muy cercano con el espectador para deleite nuestro. Su reconocimiento internacional vino de la mano de su nominación a Mejor película de habla no inglesa en los Oscar. Ahora le toca el turno a los espectadores de darle una oportunidad a esta delicioso y cítrico alegato contra la guerra.

7 películas que nunca vieron la luz

peliculas que nunca se estrenaron

La historia del cine está llena de películas que nunca vieron la luz. Directores consagrados llevaron a cabo proyectos que, por una razón u otra, fracasaron antes de su estreno en las salas de cine. Desde Hitchcock hasta Welles pasando por Visconti y Kubrick. Aquí va una selecta lista con siete proyectos cinematográficos que prometían mucho, pero que desgraciadamente para todos los cinéfilos nunca se pudieron llegar a ver.

1. Caleidoscopio por Alfred Hitchcock

Hitchcock

El maestro del suspense quiso ir más allá en su carrera después de ver el filme de Michelangelo AntonioniBlow Up‘ y propuso realizar una película que traspasara los límites de la violencia y el nudismo.

Después de ver en 1966 el provocativo filme de Antonioni, Alfred Hitchcock sintió que necesitaba un proyecto que fuera más allá de lo que había hecho hasta entonces, donde se mostraran desnudos explícitos, violencia y erotismo con inclinaciones homosexuales. La historia estaría centrada en varias secuencias donde ocurrirían tres asesinatos: uno se realizaría en una caída de agua, otro en un barco y el último en una fábrica.

Aunque Hitchcock prometió que no costaría más de un millón de dólares, el estudio Universal dejó pasar el proyecto y el legendario director tuvo que guardar en un cajón casi una hora de metraje de prueba, con el que se sin duda se hubiera podido hacer una gran película. Su film de 1972, ‘Frenesí‘, que trata sobre la violencia en contra de las mujeres, intentaría más tarde reciclar algunas de las ideas de la fallida Caleidoscopio.

2. Leningrado: los 900 días por Sergio Leone

Sergio Leone

Sergio Leone, cuyo nombre aparece siempre asociado a las películas del lejano oeste, quiso hacer una película  sobre Leningrado, basándose en el libro del historiador Harrison Salisbury. Después de que terminó ‘Érase una vez en América’, en 1984, el director italiano estaba detrás de una película de guerra.

Leone se había devorado el libro del historiador Harrison Salisbury, Los 900 días: el sitio de Leningrado, que hacía un recuento pormenorizado del frente este durante la Segunda Guerra Mundial. La historia iba a centrarse en un fotógrafo estadounidense, cuyo papel encarnaría Robert De Niro, y que de repente queda atrapado en la ciudad soviética durante el asedio alemán.

Leone recibió el apoyo del gobierno de la entonces Unión Soviética y todo estaba listo para rodar. De hecho ya estaba confirmada la colaboración habitual de su amigo de infancia, el gran Ennio Morricone, en la música, cuando Leone murió de un ataque al corazón en 1989, a los 60 años.

3. En busca del tiempo perdido por Luchino Visconti

Visconti

¿Cómo se hace para meter una novela de siete tomos en una película de cuatro horas? Ese fue el intento fallido de Visconti con En busca del tiempo perdido.

El director italiano Luchino Visconti no era un novato en materia de adaptar los clásicos de la literatura para el cine. Ya en 1963 había llevado a la pantalla grande la novela “El Gatopardo”, de Giuseppe de Lampedusa, con una duración total de tres horas y media.

Pero reinterpretar para el cine los siete tomos de En busca del tiempo perdido de Marcel Proust parecía ser una tarea excesiva. Durante años, Visconti se había pasado estudiando el libro y la vida del escritor francés en París y Normandía y creía que podía hacer un largometraje de cuatro horas. Pero ese empeño significaba un presupuesto muy abultado y no pudo asegurar la financiación.

4. Napoleón por Stanley Kubrick

Kubrick

Si preguntáramos a cualquier cinéfilo qué película inconclusa elegirían para que se estrenara por fin en la gran pantalla, lo más seguro es que la mayoría se inclinaría por Napoleón, de Stanley Kubrick.

Durante años, y después de entregar su visión del futuro en ‘2001: una odisea del espacio‘ el excéntrico director estadounidense investigó la vida del emperador francés con la intención de llevarla al cine.

Kubrick logró convencer a Oskar Werner, estrella de ‘Jules and Jim’, para el papel de Napoleón y a Audrey Hepburn para que interpretara a Josefina. Pero antes de comenzar el rodaje, el estudio MGM decidió cancelar el proyecto por considerar que el presupuesto era “prohibitivo”.

En 2013, el director estadounidense Steven Spielberg le dijo a la televisión francesa que él deseaba rescatar el proyecto de Kubrick para realizarlo en un formato para TV y que podría ser dirigido por el australiano Baz Lurhmann.

5. The Moviegoer por Terrence Malick

Terrence Malick

Durante su aislamiento en los años ochenta, Terrence Malick encontró en la novela “The Moviegoer”, de Walker Percy, un buen motivo para volver a dirigir, pero nunca llegó a producirse.

Después de que su épica ‘Días del cielo’ se ganara a la crítica en 1978, el director estadounidense se retiró de la vida pública para instalarse en París y estuvo mirando algunos proyectos para realizar en los años siguientes.

La novela de Walker Percy, con una mirada existencialista sobre un hombre alienado por su familia quien encuentra más sentido en las películas y los libros que en la realidad, fue uno de esos filmes que quiso realizar. Sin embargo, Malick pasó de largo con la idea sin concretarla. Años más tarde retomó algunos de los temas que aborda la novela de Percy, ya que los introdujo en sus películas más recientes, ‘El árbol de la vida’ (2011) y ‘Deberás amar’ (2013).

6. Don Quijote por Orson Welles 

Orson Welles

Tras su aclamado ‘Ciudadano Kane’, Welles le dedicó la mayoría de su tiempo a producir y financiar la adaptación al cine de la maravillosa obra de Cervantes, pero este proyecto nunca fue finalizado.

‘El corazón de las tinieblas’ no sería la última vez que Orson Welles tendría que dejar atrás una película. De hecho, la vida artística de este genial creador fue una continua serie de proyectos inconclusos. Una de las películas que intentó terminar muchas veces y que había empezado en la mitad de la década de los cincuenta fue una versión modernizada del clásico de las letras castellanas, Don Quijote.

Aunque tuvo el apoyo de muchos amigos. De hecho, Frank Sinatra invirtió 25.000 dolares en el proyecto, pero nunca logró tener una versión finalizada de la película. A pesar de ello, el material que fue filmado por Welles fue editado después de su muerte y se ha presentado en varios festivales alrededor del mundo.

7. Ronnie Rocket por David Lynch

David Lynch

Estamos de acuerdo en que David Lynch no es el autor más comercial de Estados Unidos, pero su proyecto Ronnie Rocket iba más allá de los límites de las cabezas más experimentales de Hollywood.

Impresionados gratamente por la película de 1977, ‘Eraserhead’, de David Lynch, los productores Mel Brooks y Stuart Cornfeld se acercaron al realizador para que hiciera un filme para ellos. La primera idea que les ofreció fue realizar Ronnie Rocket, una historia original que trataba de un detective que viajaba a otra dimensión y conocía a un adolescente, de menos de un metro de altura, que necesitaba ser conectado a una fuente de electricidad después de haber sufrido un percance quirúrgico.

En vez de este proyecto, Lynch aceptó dirigir un filme escrito por otra persona y siguió el consejo de Brooks de adaptar la historia de ‘El hombre elefante‘ como su próxima película. Pero el mensaje de Ronnie Rocket y los mundos interrelacionados los seguimos viendo en las diferentes series y películas que Lynch dirigió posteriormente, como ‘Twin Peaks’ y ‘Muholland Drive’.

Crítica: La familia Bélier

Louane Emera en La familia Bélier

Louane Emera en “La familia Bélier”. Fuente: Vértigo Films

‘La familia Beliér’ es una comedia francesa que destaca por su emotividad. Es justo reconocer al director Eric Lartigau la habilidad para crear una película interesante con ingredientes tan claramente comerciales sin producir rechazo en gran parte del público. Afortunadamente la trama cuenta con  la particularidad de que la familia protagonista está compuesta por sordomudos, donde solo la protagonista adolescente no sufre esta discapacidad e irremediablemente se convierte en el pilar fundamental de la unidad familiar. Una responsabilidad que le impide desarrollar su potencial don para el canto y encontrar su propio camino.

La idílica campiña francesa acompaña la acción de esta película costumbrista que en ocasiones roza la superficialidad más absoluta propia de cualquier película de adolescentes con actuación de final de curso incluida. No en vano, el filme está protagonizado por la talentosa joven Louane Emera, finalista de la edición francesa de La Voz y ganadora del premio César como mejor actriz revelación por su actuación en esta película. La preciosa voz de esta niña está acompañada por dos actores habituales de la escena francesa que bordan su papel como sordomudos: Karin Viard y François Damiens.

Karin Viard y Louane Emera en una escena de La familia Bélier

Karin Viard y Louane Emera en una escena de “La familia Bélier”. Fuente: Vértigo Films

El desarrollo de la película se acompaña por varias canciones que forman parte de la historia de la chanson française y del imaginario colectivo del país vecino, interpretadas por un gran cantante popular: Michel Sardou. Maravillosas canciones como Je vais t’aimer, En chantant y sobre todo Je vole forman parte de una deliciosa banda sonora que encaja a la perfección con la historia, aparte de proporcionar un plus de emotividad que provoca que los espectadores más sensibles terminen derramando alguna lágrima fácil.

‘La familia Beliér’ es una comedia que no esconde sus intenciones, ya que está pensada con una clara intención comercial e inteligentemente realizada para batir récords de taquilla. También es una película a la que hay que reconocerle virtudes que hacen que merezca la pena ser vista. Desde luego no deja de ser una película valiente y original en algunos aspectos y la convierte en una sabia elección para una tarde de cine con hijos no muy pequeños.

El cine visto a través de la fotografía

The Art of Behind The Scenes” es una exposición que permitirá ver fotografías de algunos de los más consagrados fotógrafos que han tenido el privilegio de inmortalizar con el objetivo de su cámara fotográfica rodajes de cine alrededor del mundo. Una gran oportunidad para celebrar este arte visual que es la fotografía y con el que viajaremos al pasado para redescubrir algunas películas míticas, así como directores y actores icónicos del séptimo arte.

Muchas de las imágenes son extremadamente raras y algunas nunca habían sido expuestas antes. Cada fotografía ha sido especialmente comisariada por expertos fotográficos como John Ingledew.

El acto de inauguración se llevará a cabo en el Hotel du Cap (Antibes) el 15 de mayo de 2015, coincidiendo con la ceremonia anual del Festival de Cine de Cannes.

Concurso: ¿Quieres ver El Exorcista (1973) en Madrid?

concurso El exorcista

Quién no se acuerda de aquella niña de doce años que era víctima de fenómenos paranormales y que nos provocaba un terror espantoso. Sí, estamos hablando de ‘El Exorcista’, una historia basada en hechos reales que fue un enorme éxito en los años setenta. Su director, William Friedkin era muy explícito respecto a las intenciones de la película: “Quiero hacer estallar la cabeza del espectador; quiero producirle un electroshock”.

Gracias a Callao City Lights vamos a poder disfrutar en versión original con subtítulos en español del clásico del terror estrenado en diciembre de 1973. Desde MacGuffin007 os ofrecemos la posibilidad de ver la peli y para ello soteamos 5 entradas dobles para ver ‘El Exorcista’ el jueves 23 de abril a las 20 horas, en el Cine de La Prensa en la Plaza del Callao, 4 en Madrid.

A la finalización de la película se presentará el libro “Hollywood Maldito” de Jesús Palacios, un autor de culto especializado en temas fantásticos y macabros que ha publicado numerosos libros, entre los que podemos destacar Goremanía, Satán en Hollywood, Psychokillers o Planeta Zombi.

Para participar en el concurso es muy sencillo. Solo tienes que seguir a MacGuffin007 en Facebook y Twitter y contestar en el blog (a través de este post), antes del 23 de abril, a la siguiente pregunta:

¿Cómo se llamaba la actriz que da vida a Regan en la película?

Linda Blair en El exorcista

¡ Mucha suerte a tod@s !

Nos comunicaremos con los ganadores el 23 de abril por mail

¿Cuáles son los restaurantes favoritos de un Agente 007?

todos los James Bond

Con motivo del próximo estreno de ‘Spectre’, la película nº 24 de la cinematográfica saga Bond, GoEuro ha elaborado una guía muy especial. Y es que en cada una de las películas y novelas que tienen como protagonista a James Bond aparecen sitios de interés en los que realizar una buena comida. Y de eso trata esta lista. Un mapa de lugares de interés en que comió el protagonista de una de las series fílmicas más longevas y exitosas de la historia de la gran pantalla.

Podríamos empezar con esta guía 007 hablando de Londres. De la capital británica destacan varias localizaciones. Aquí resaltaremos, para empezar, el Scott’s of Mayfair, un selecto restaurante en el que se pueden degustar ostras y todo tipo de exquisiteces marinas. Un lugar que aparece en ‘Sólo se vive dos veces’. De la misma city londinense nos quedamos también con La Famiglia, en la zona de Chelsea. Un distinguido restaurante italiano que se ha convertido ya en un desfiladero de celebrities y que aparece en la biografía autorizada del personaje escrita por John Pearson en 1973.

De París merece la pena resaltar el clásico Ritz, uno de los escenarios de ‘Death Is Forever‘, o una de las joyas de esta selección de GoEuro: Le Jules Verne. Un lugar al que se podrá acceder pocas veces en la vida, ya que está situado en una de las plantas nobles de la Torre Eiffel. Con unas vistas inmejorables, permite disfrutar de una cocina minimalista y de alta gama. Este establecimiento aparece en ‘Panorama para Matar’ (1985). En Roma, nuestros ojos miran directamente a Tre Scallini, donde destaca una carta a base de pasta, quesos, pescado y la tradicional pizza italiana. Además, también hay una amplia oferta de helados y postres que suelen suponer el deleite de quien los escoge. Este restaurante es protagonista en la versión novelesca de ‘Sólo para sus ojos’.

martinis, conquistas y asesinatos de James Bond

Pierce Brosnan, un asesino implacable. Daniel Craig, un bebedor insaciable. Sean Connery, un ligón empedernido. Pero en lo que son iguales todos los 007 es en su gusto por el buen comer.

Para finalizar, dos lugares que brillan en la lista relacionados con la película ‘Al servicio secreto de Su Majestad’. Por un lado, el Palacio Estoril. En este hotel podremos disfrutar de la mejor cocina portuguesa e internacional. Y cambiando un poco de latitud, en Múnich, nuestra recomendación es el Zum Franziskaner Keller. Un enclave donde tomar una buena dosis de cerveza alemana, como su nombre indica, pero también especializado en menús para grupos. Con una decoración muy bávara, posee salones amplios y espaciosos en los que estaremos muy a gusto.

Como vemos, a James Bond no solo le apasionan los coches y las conquistas amorosas, sino que siempre fue un auténtico gourmet. ¿Dónde comerá en su próxima película? Seguro que le aguarda un buen restaurante de Ciudad de México, Roma, Londres o Tánger.