Crítica: El hijo de Saúl

Géza Röhrig en El hijo de Saúl

Géza Röhrig en “El hijo de Saúl”. Fuente: Avalon

El hijo de Saúl‘ es una magistral película que introduce al espectador en lo más profundo del horror. El filme, dirigido por el húngaro László Nemes no narra la historia del Holocusto en Auschwitz, sino que se limita a contar la historia de un hombre atrapado en un campo de concentración. Un drama histórico que no se caracteriza por presentar múltiples puntos de vista, ya que solo se nos revela lo que le ocurre al protagonista a su alrededor. Un acierto, ya que genera un espacio fílmico de reducidas dimensiones más cercano a la percepción humana.

La película se limita a seguir los pasos de Saúl, que pertenece a un Sonderkommando, unidades de trabajo durante la Alemania nazi que trabajaban en las cámaras de gas y en los crematorios de los campos de concentración. Técnicamente es una experiencia cinematográfica diferente a lo visto hasta ahora, ya que las limitaciones en el espacio y el tiempo, con encuadres muy cerrados y puntos de vista subjetivos terminan por atrapar al espectador. De esta manera somos testigos de dos días en la vida de un hombre que se ve obligado a perder su humanidad y que encuentra la supervivencia moral en el rescate de un cadáver.

Por tanto, podemos considerar que el gran acierto de ‘El hijo de Saúl‘ es su cuidada estrategia visual. Desde una fotografía con poca profundidad de campo a la presencia constante de elementos fuera de plano para limitar la información. Extraordinario el trabajo de sonido, con esa particular atmósfera sonora característica de estas fábricas infernales como órdenes a gritos, chillidos y todos los idiomas entremezclados: el alemán de los SS, las diferentes lenguas habladas por los prisioneros ―entre ellas, el yiddish― y las lenguas de víctimas venidas de toda Europa. Increible la interpretación de Géza Röhrig en su papel de Saúl, teniendo en cuenta que no es actor, sino un escritor y poeta húngaro que vive en Nueva York.

El hijo de Saúl dirigida por László Nemes

Rodaje de “El hijo de Saúl” dirigida por László Nemes. Fuente: Avalon

En una historia tan oscura como la aquí narrada, se palpa un gran sentimiento de esperanza. A través de la pérdida total de la integridad, de los valores y de la religión, un hombre comienza a escuchar una débil voz en su interior, que le empuja a realizar una hazaña aparentemente vana e inútil, para terminar encontrando moralidad y un afán de supervivencia en su interior.

‘El hijo de Saúl’, en palabras de su director, está inspirada en la película rusa ‘Idi i smotri‘ (Masacre: ven y mira) realizada en 1985 por Elem Klimov, que relata a través de los ojos de un niño la matanza en las aldeas bielorrusas durante la segunda guerra mundial. Sin duda se aleja diametralmente del cine que hemos visto sobre el Holocausto como ‘La lista de Schindler‘. Aquí  estamos ante una forma diferente de ver un acontecimiento histórico, muy dependiente de la técnica, pero para sentir igual el horror en primera persona. Quizás gane el Oscar a la mejor película de habla no inglesa, méritos no le faltan, aunque preferimos ‘Mustang‘.

10 películas que no hay que perderse en 2016

películas estreno 2016

2016 promete ser un año de lo más variado cinematográficamente hablando. Numerosos directores de prestigio y de estilos muy diferentes estrenan películas que no hay que perder de vista y que seguramente darán mucho que hablar durante los próximos meses. Aquí os dejo con 10 películas que tengo una enorme curiosidad por ver:

1. – Midnight Special (USA). Dir. Jeff Nichols

Midnight Special

Narra la huida de un padre y su hijo que son perseguidos cuando el niño desarrolla poderes especiales. El director vuelve a la ciencia ficción de bajo presupuesto tras la sorprendente y única ‘Take Shelter (2011)’ con un reparto encabezado por Michael Shannon, Joel Edgerton y Kirsten Dunst. La película se presentará en la sección oficial del Festival de Berlín, y tiene previsto su estreno en Estados Unidos el 18 de marzo.

2. – ¡Ave César! (USA). Dir. Joel Coen, Ethan Coen

¡Ave César!

Los hermanos Coen presentan nueva película que podremos ver muy pronto ya que se estrena en febrero, tanto en Estados Unidos como en España. Ambientada en los años 50 y contada en clave de comedia, cuenta la historia de un actor que es secuestrado durante el rodaje de una superproducción de romanos realizada por uno de los grandes estudios de cine de la época. El reparto está plagado de estrellas como George Clooney, Josh Brolin, Ralph Fiennes, Scarlett Johansson, Tilda Swinton o Channing Tatum.

3. – Julieta (España). Dir. Pedro Almodóvar

Julieta

Tras el fracaso crítico que supuso su anterior película ‘Los amantes pasajeros’ (2013), el director manchego regresa al drama femenino. En este caso de centrará en una mujer que durante tres décadas va perdiendo y sufriendo el abandono de personas importantes en su vida. Ya hay teaser trailer, póster y fecha de estreno en España, que en principio será el 8 de abril, lo cual quiere decir que este año no presentará película en Cannes nuestro director más internacional.

4. – La luz entre océanos (USA). Dir. Derek Cianfrance

La luz entre océanos

Uno de los estrenos que particularmente más espero. Cianfrance demostró ser uno de los directores estadounidenses más interesantes del panorama actual con su demoledora y certera visión del amor en ‘Blue Valentine (2010)’ y con la irregular, pero igualmente fascinante ‘Cruce de caminos (2012)’. ‘La luz entre océanos’ contará con los nominados al Oscar, Michael Fassbender y Alicia Vikander que darán vida a una pareja que, en una isla de Australia durante los años 20, encuentran a un bebé en un bote encallado y deciden adoptarlo. Todavía no hay fecha de estreno en cines, y no sería raro verla en algún festival de renombre a lo largo del año. ¿Cannes? ¿Venecia?.

5. – La comuna (Dinamarca). Dir. Thomas Vinterberg

La comuna

Thomas Vinterberg, co-creador del movimiento dogma a finales de los 90 y director de ‘Celebración’, ‘La Caza‘ o ‘Lejos del mundanal ruido’, presentará en la Berlinale esta particular historia sobre una pareja en los años 70 en Dinamarca que deciden irse a vivir a una comuna. Ya hay trailer, y en España será Golem la encargada de su distribución.

6. – Juste La Fin Du Monde (Canadá). Dir. Xavier Dolan

Juste La Fin Du Monde

El joven director canadiense que con tan solo 26 años (27 cuando la estrene) presenta nueva película este año tras ganar el Premio del Jurado en Cannes en 2014 por ‘Mommy‘. Lo normal sería que su nueva criatura se presentara también en el prestigioso certamen francés, ya que además cuenta con las estrellas Marion Cotillard y Léa Seydoux. Es una adaptación de la obra de teatro de Jean-Luc Lagarce sobre un hombre que vuelve a su pueblo natal para contarle a su familia que se está muriendo de cáncer. De momento no hay muchos más datos, salvo el póster. Hay muchas ganas de ver qué será lo nuevo del enfant terrible canadiense.

7. – Everybody Wants Some (USA). Dir. Richard Linklater

Everybody Wants Some

Comedia del gran Richard Linklater, el polifacético director de ‘Boyhood‘, ‘Dazed And Confused’ o la trilogía ‘Antes de…’, ambientada en los años 80 sobre un grupo de adolescentes que juegan en el equipo de béisbol de su instituto y que pronto se darán cuenta de los problemas y responsabilidades de la edad adulta. El hecho de que trata uno de los temas claves en la filmografía del director texano y un trailer de lo más simpático, nos hacen tenerle muchas ganas a lo que promete ser una película muy divertida.

8. – Silence (USA). Dir. Martin Scorsese

Silence

Cada nueva película de Martin Scorsese es un motivo para alegrarse. En esta ocasión, nos traslada al siglo XVII, donde dos jesuitas portugueses viajan a Japón para buscar a un misionero que ha renunciado a su fe. Está basada en una novela del japonés Shusaku Endo, y protagonizada por Liam Neeson y Andrew Garfield. Todavía no hay fecha de estreno.

9. – The Great Wall (USA). Dir. Zhang Yimou

The Great Wall

Yimou es uno de los cineastas chinos más importantes del mundo y su filmografía es una sucesión de películas inolvidables (‘Ju Dou’, ‘¡Vivir!’, ‘El camino a casa’, ‘La casa de las dagas voladoras’, etc). Esta película supone su primera producción en Hollywood tras más de 30 años dirigiendo películas. Estará protagonizada por Matt Damon y ambientada en el siglo XV. Tratará sobre el misterio que despierta en un grupo de británicos la construcción de la muralla china. En Estados Unidos está previsto su estreno en noviembre, y en España, un mes después.

10. – Personal Shopper (Francia). Dir. Olivier Assayas

Personal Shopper

Kristen Stewart y el director francés vuelven a trabajar juntos tras la estupenda ‘Viaje a Sils Maria’, que le ha valido multitud de reconocimientos merecidos a la famosa y hasta ahora infravalorada actriz de la saga Crepúsculo. Lo que se sabe del argumento de la película es que será una historia de fantasmas en el mundo de la moda parisino. Todavía se encuentra en post-producción, pero estará lista en unos meses. Sería bastante probable, si llegara a tiempo, que se presentara en el Festival de Cannes, dado que Assayas suele ser uno de esos director fijos en el prestigioso certamen francés.

Crítica: Spotlight

Spotlight dirigida por Thomas McCarthy

“Spotlight” dirigida por Thomas McCarthy. Fuente: eOneFilms

Spotlight‘, la última película de Thomas McCarthy, hace referencia al equipo de periodistas de investigación del diario Boston Globe que destapó en 2002 los escándalos de pederastia cometidos por curas de Massachussets. Basada en hecho reales, la película se erige como un elogio al verdadero periodismo y también en un sentido tributo a las víctimas de tales atrocidades.

El editor Marty Baron toma la iniciativa de investigar en el Boston Globe un asunto tan relevante como fueron los abusos sexuales perpetrados por curas. Para ello se vale de un grupo de periodistas encabezado por Walter ‘Robby’ Robinson, interpretado de manera brillante por Michael Keaton, y donde se encuentran también Mark Ruffalo y Rachel McAdams. El objetivo no es otro que destapar la información que fue escondida intencionadamente por la archidiócesis de Boston y por el cardenal Bernard Law para proteger a curas pederastas.

La película se vale más del thriller que del drama para contarnos en clave cien por cien periodística las miserias de la Iglesia Católica. En este sentido no se pone el foco tanto en la historia de pederastia, sino en el compromiso de unos profesionales por sacar a la luz la verdad. Estamos ante un verdadero ejercicio de la profesión, ejemplarizante porque nos recuerda que todo periodismo debe ser investigativo por definición, y la conciencia de que la ética no es una condición ocasional, sino que debe acompañar siempre a la práctica periodística como el zumbido al moscardón.

Michael Keaton en Spotlight

Michael Keaton en “Spotlight”. Fuente: eOneFilms

La película alcanza su mayor altura cuando por fin se escribe la noticia y se pone en marcha la rotativa que la publicará. Y es aquí, en la víspera de un momento tan crucial, cuando se echa de menos esa escena (presente en muchas películas del llamado género “cine periodístico“) donde los protagonistas ahonden en cuestiones quizás más filosóficas y existenciales sobre el sentido del oficio periodístico. Todo con una iluminación adecuada, excelentes diálogos e incluso con una copa de whisky. Falta esa escena, pero poco más se le puede reprochar a una película que sigue con rigor los cauces procedimentales propios del periodismo, narrado siempre con un cuidado extremo por no dañar la sensiblidad del espectador.

Resulta gratificante el homenaje de ‘Spotlight‘ a los muckrakers (removedores de mierda) como algunos poderosos llegaron a descalificar a los periodistas que destapaban la verdad. Buen ejemplo de ello es la excelente película de Alan J. Pakula, ‘Todos los hombres del presidente’ (1976), otra clase magistral de periodismo. También el filme acaba teniendo un valor testimonial de unos hechos muy crudos y denunciables, al igual que hiciera Pablo Larraín con ‘El club‘.

El mérito de ‘Spotlight’ radica en cómo su director y guionista, Thomas McCarthy, logra encontrar el tono justo, en cómo consigue mantener un continuo equilibrio con unos hechos tan  dramáticos, articulando algo profundamente sencillo sin que esa sencillez sucumba en la monotonía. El resultado final es admirable, pero no tanto como para ganar el Oscar.

Crítica: La gran apuesta

Steve Carell y Ryan Gosling en La gran apuesta

Steve Carell y Ryan Gosling en “La gran apuesta”. Fuente: Paramount Pictures

Adam McKay se pasa al lado serio del cine con ‘La gran apuesta’. El que fuera conocido principalmente en el mundo de la comedia por sus participaciones en el programa Saturday Night Life y sobre todo por su colaboración con Will Ferrell, en donde dirigió varias películas absurdas de risa fácil, se ocupa en esta ocasión de la dirección de una cinta sobre la crisis económica. Adaptación de la novela de Michael Lewis, inspirada en personajes y hechos reales transcurridos entre 2005 y 2008, donde se inicia la hecatombe global con la caída de Lehman Brothers.

Una película que adopta un ritmo frenético con la cámara, en ocasiones vertiginoso, en contraposición con un desarrollo emocionalmente plano respecto a su trama. Es original su montaje al incluir citas famosas y cameos de personajes célebres, que ayudan a entender el difícil tema que trata de explicar. Entre otros, el chef y estrella mediática Anthony Bourdain, el famoso economista Richard H. Thaler o la chica Disney Selena Gómez. Y este precisamente es el punto flaco del filme, porque cualquier mortal no muy ducho en temas financieros se pierde entre toda la terminología e instituciones participantes en el jaleo de la crisis económica, pese a las célebres explicaciones.

Christian Bale en La gran apuesta

Christian Bale en “La gran apuesta” dirigida por Adam McKay. Fuente: Paramount Pitchers

Pese a lo crudo del tema que trata, sabe combinarlo con buen humor. Los guionistas han sabido introducir pequeñas pinceladas sarcásticas que hacen más amena y llevadera la película. Y de esto se beneficia todo el increíble elenco de actores que forma ‘La gran apuesta’. Steve Carrel vuelve a destacar, como ya hiciera en Foxcatcher, en un papel dramático. En esta ocasión de financiero traumatizado por una tragedia familiar y con ataques de ira.

Christian Bale se lleva el mejor papel, interpretando a un gestor financiero muy peculiar. Interpretación que le sirve para engrosar su lista interminable ya de caracterizaciones curiosas. En esta ocasión un corte de pelo tremendo, una forma peculiar de hablar y hasta un ojo de cristal. Interpretación que le ha valido la nominación a Oscar como mejor secundario. Y por último, destacar a Ryan Goslin que da la talla encarnando a un asesor financiero despiadado. Quien vaya a ver la película por ver a Brad Pitt saldrá decepcionado. Este hace un papel menor muy discreto.

La gran apuesta‘ pone muy bien en evidencia lo que ya intuimos todos: los hilos de la economía están dirigidos por algunas corporaciones, instituciones y medios, que marcan no solo el ritmo de la economía, sino también el devenir de la opinión pública. Aún cuando su codicia les lleva a cometer errores insostenibles y vergonzantes…ellos ganan siempre y el ciudadano pierde. El filme no está a la altura de otras películas que tratan temas financieros como ‘El lobo del Wall Street‘ o ‘El capital’, pero aunque no debería llevarse el Oscar a mejor película del año merece la pena ir al cine a verla.

Alta Fidelidad, el homenaje a la música pop de Stephen Frears

Alta fidelidad dirigida por Stephen Frears

“Alta fidelidad” (2000) dirigida por Stephen Frears.

Alta Fidelidad‘ se erige en el mundo del cine como una pequeña cápsula dentro de la cual no solo se encuentra el espíritu de una generación sino también la esencia del pensamiento masculino. La película, dirigida por Stephen Frears, muestra la vida de Rob Gordon, un hombre en sus treinta, dueño de una tienda de vinilos casi en quiebra localizada en algún recóndito lugar de Chicago, al que su novia acaba de dejar y que tratará de superar la ruptura revolviendo en los recuerdos de sus relaciones pasadas, para intentar comprender por qué siempre termina en la misma situación.

Son muchas las películas que intentan explorar lo que pasa por la cabeza de hombres y mujeres. Ejemplos como ‘¿Qué les pasa a los hombres?’ o ‘¿En que piensan las mujeres?’ tratan de dar la respuesta a esta gran incógnita sin mucho éxito, cayendo en clichés extendidos en la sociedad que tienen mucho que envidiar a la sinceridad de esta adaptación de la novela de Nick Hornby.

Junto a él en la tienda trabajan Dick y Barry, interpretados por Todd Louiso y Jack Black, sus dos amigos con los que se pasa la vida realizando listas de “las cinco principales”, desde las cinco canciones principales para un lunes por la mañana a las cinco principales sobre la muerte, o en el caso de Rob, las cinco rupturas principales, que nos cuenta a través de flashbacks que ayudan a entender la mentalidad del personaje con respecto al amor.

Alta fidelidad

John Cusack en “Alta fidelidad”.

“Les da igual que los niños escuchen miles de canciones sobre sufrimiento, rechazo pérdida, miseria y dolor, ¿Escuchaba música pop porque estaba deprimido o estaba deprimido porque escuchaba música pop?”. Con esta reflexión Rob nos presenta a la que será su gran co-protagonista en esta historia: la música. La película está plagada de referencias musicales, constituyéndose como un homenaje a la música pop.

El protagonista, interpretado maravillosamente por John Cusack, habla directamente al espectador, rompiendo la cuarta pared; un recurso que se ha podido observar últimamente en personajes como el interpretado por Kevin Spacey en la serie House of Cards o el de Joseph Gordon-Levitt en ‘El Desafío (The Walk)’.

Y es así, entre reflexión y reflexión sobre el amor, la humillación, la soledad, el miedo y el compromiso como el protagonista deja de ser un adolescente para convertirse en un adulto altamente fiel a su colección de vinilos.

Crítica: El renacido

El renacido

Leonardo DiCaprio en “El renacido”. Fuente: Fox

Poco ha tardado el director mexicano Alejandro González Iñárritu en estrenar nueva película después del éxito cosechado por ‘Birdman‘. En esta ocasión no hemos tenido que esperar los tres o cuatro años a los que nos tenía acostumbrados. Su regreso cinematográfico supone un giro de 180 grados respecto a su anterior trabajo y lleva por nombre ‘El renacido’, uno que volvió de entre los muertos, lo que nos puede dar idea del carácter épico de esta película.

Basada en hechos reales nos cuenta como en el salvaje oeste americano del siglo XIX, el trampero Hugh Glass (Leonardo DiCaprio) resulta gravemente herido y es abandonado a su suerte por un traicionero miembro de su equipo, John Fitzgerald (Tom Hardy). Con la fuerza de voluntad como su única arma, Glass se debe enfrentar a un territorio hostil, a un invierno brutal y a la guerra constante entre las tribus de nativos americanos, en una búsqueda heroica e implacable para conseguir vengarse de Fitzgerald.

Iñárritu es un cineasta muy exigente consigo mismo y que busca de manera obsesiva la perfección. Su filmografía, inexorablemente unida al drama social, tiene esa aguda capacidad para retratar la complejidad de la condición humana en situaciones al límite. Su sexto largometraje no es ajeno a ello y alude por primera vez a un hecho histórico para volver a plantearnos de qué es capaz el hombre.

Sumergiendo al espectador en la incomparable belleza, misterio y peligros de la vida en la Norteamérica de 1823, la película indaga en la transformación de un hombre mientras intenta salvar su vida. El cineasta mexicano muestra la violencia que existe tanto en el ser humano como en la naturaleza, además de tratar temas como la moral y la redención. ‘El Renacido (The Revenant) explora los instintos primarios de búsqueda, no solo de la propia supervivencia, sino de la dignidad, la justicia, la fe y la familia.

El renacido (The revenant)

Escenas de “El renacido” (The revenant) dirigida por Alejandro González Iñárritu. Fuente: Fox

Técnica y narrativamente es una película compleja. Sujeta a una delgada línea que compromete la credibilidad de una historia de supervivencia con tintes bíblicos. ‘El renacido’ no solo es una aventura épica de un superviviente, sino un viaje sensorial a través de una extraordinaria fotografía, una cautivadora banda sonora y de unos silencios, tan expresivos como sobrecogedores. Una película que detiene el tiempo para que el espectador se deleite contemplando como un copo de nieve cae en la lengua de los protagonistas o en una conversación alrededor del fuego.

La belleza visual y sonora es uno de los grandes aciertos de la película. El trabajo de fotografía de Lubekzi logra introducirnos en los parajes nevados de la cinta aportando un característico estilo, donde la cámara flota por el paisaje y a veces se acerca tanto, que hasta el propio aliento de los personajes se hace presente. La banda sonora acentúa aún más el gélido espectáculo visual mientras que Leonardo DiCaprio logra una interpretación excepcional, tan intensa físicamente como emocionalmente sincera. Digno candidato para ganar, por fin, el Oscar.

Una vez más Iñárritu encuentra la belleza en el dolor más profundo. En este sentido, ‘El renacido’ no deja de ser una consecuencia lógica en su trayectoria como cineasta. La asociación entre hombre y naturaleza es esencial en esta historia. También establece una dicotomía entre ilusión y realidad; brutalidad y civismo; serenidad y ambición. Una exploración tanto de la naturaleza salvaje como de la propia naturaleza humana. Una película cruda, pero profundamente espiritual. Genuinamente americana por su carácter fronterizo. Una gran aportación al cine, donde Iñárritu se acerca bastante a la perfección, a pesar de un duelo final tan convencional.

Concurso “Embarazados”: Te invitamos al preestreno en Madrid

concurso Embarazados

Embarazados’ es la primera comedia del cine español en lo que va de año. Interpretada por Paco León y Alexandra Jiménez nos habla de una pareja que trata de concebir un bebé pese a algunos inconvenientes: él tiene un esperma pobre, vago y anormal y ella se encuentra en etapa premenopáusica… ¡con tan solo 37 años!. Una disparatada película dirigida por Juana Macías que se estrena el próximo 29 de enero.

En MacGuffin007 y Sensacine os ofrecemos la posibilidad de ver la peli antes que nadie. Sorteamos 1 entrada doble para el preestreno, el jueves 28 de enero a las 20 horas, en los cines KINEPOLIS-CIUDAD DE LA IMAGEN en Madrid.

Eso sí, los afortunados ganadores tendrán que venir embarazados (de verdad o con un cojín debajo de la camisa) o con un muñeco de bebé al que hayan bautizado con un nombre ingenioso (se puede llevar el nombre escrito en una pegatina).

Puedes concursar antes del 26 de enero. Es muy sencillo. Pasos a seguir:

  1. Seguir a MacGuffin007 y Sensacine en Instagram.
  2. Dar a ‘me gusta’ al concurso en Instagram.

Seguir en Instagram

¡ Mucha suerte a todos !

Nos comunicaremos con el ganador el 26 de enero por mail

Crítica: Los odiosos ocho

Los odiosos ocho de Tarantino

“Los odiosos ocho” dirigida por Quentin Tarantino. Fuente: eOneFilms

Ver a Quentin Tarantino en el cine debería constar como un privilegio divino en cualquier Constitución del mundo. El mejor introductor de personajes de la industria titula a su última creación, su octava (o novena) maravilla: ‘Los Odiosos Ocho‘. A pesar de no ser una obra mayor en la filmografía de uno de los genios del cine contemporáneo, es la que mejor hábitat crea para el desarrollo de sus personajes, y esto queda reflejado en el feeling que se palpa entre los odiosos que se dan cita en la mercería de Minnie.

‘Los Odiosos Ocho’ es una película teatral, con un guión ingenioso cargado de intriga, que permite el lucimiento de sus actores. Principalmente la dura actitud de Kurt Rusell con Jennifer Jason-Leigh y la evolutiva relación de interés de Samuel L. Jackson con Walton Goggins. Ellos son las mejores cartas de una baraja interpretativa reluciente que Tarantino exprime en un mismo escenario a modo de duelo interpretativo, sobre todo en el último acto, que era la asignatura pendiente del director de Tennessee, tras un final mediocre en ‘Django Desencadenado‘. Aquí se redime y firma un epílogo poéticamente brutal cargado de sangre, vísceras, patriotismo y humor negro.

Samuel L Jackson en Los odiosos ocho

Samuel L. Jackson en “Los odiosos ocho”. Fuente: eOneFilms

La última cinta de Tarantino bebe café de la taza de ‘La Cosa’ de John Carpenter para calentarse de una gélida y heavy versión nevada de ‘Reservoir Dogs’. Una historia que al tener tanto metraje necesita mucho la ayuda del inmejorable apartado técnico: desde una banda sonora más notable que brillante del eterno Ennio Morricone hasta el uso del plano holandés para dotar de dinamismo a la secuencia.

Fuera de cualquier aspecto técnico, el trato narrativo que Tarantino adhiere al relato es, por octava (o novena) vez, fascinante. Hay textos que son oro puro, como el monólogo en tono justiciero del Mayor Marquis Warren, personaje al que da vida Samuel L. Jackson, o detalles tarantinianos que solo se pueden apreciar en su cine, como el de la puerta rota. Otra vez más lo hizo Quentin, y ya van ocho o nueve. Da igual, que sean más, por favor.

Personajes de 66 películas clásicas bailando al ritmo de Bruno Mars

actores clásicos bailando

Para animar un poco la noche compartimos un chulo mashup de escenas de películas clásicas. El usuario de YouTube Nerd Fest UK ha montado planos de bailes de 66 películas de la época dorada de Hollywood con el remix del éxito de Bruno Mars y Mark Ronson, Uptown Funk.

Nerd Fest UK explicó que para hacer este vídeo se inspiró en otro mashup que salió a principios de este año y, en el que se juntaban 100 escenas de películas para que sus protagonistas bailasen el éxito de Mark Ronson. Increíble montaje que une a la perfección la música con los movimientos de Fred Astaire, Ginger Rogers y Gene Kelly.

¿No te lo crees? Sólo tienes que ver el vídeo.

Concurso “Spotlight”: Te invitamos al preestreno en Madrid

concurso Spotlight

Spotlight’ es sin duda una de las películas del año. Interpretada por Mark Ruffalo, Michael Keaton y Rachel McAdams cuenta la historia de un equipo de reporteros del Boston Globe que destapó los escándalos de pederastia cometidos durante décadas por curas de Massachussets. Un drama con 6 nominaciones a los premios Oscar (incluyendo mejor película y director) que se estrena el próximo 29 de enero.

En MacGuffin007 y Sensacine os ofrecemos la posibilidad de ver la peli antes que nadie. Sorteamos 1 entrada doble para el preestreno, el martes 26 de enero a las 20 horas, en los cines KINEPOLIS-CIUDAD DE LA IMAGEN en Madrid.

Puedes concursar antes del 25 de enero. Es muy sencillo. Pasos a seguir:

  1. Seguir a MacGuffin007 y Sensacine en Instagram.
  2. Dar a ‘me gusta’ al concurso en Instagram.

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¡ Mucha suerte a todos !

Nos comunicaremos con el ganador el 25 de enero por mail

El renacido (The revenant) puede darle el primer Oscar a Leonardo DiCaprio

El renacido

Inspirada en hechos reales, ‘El renacido‘ (The revenant) dirigida por Alejandro González Iñarritu (‘Birdman‘, ‘Babel’) es una intensa y visceral experiencia cinematográfica que captura la épica historia de supervivencia de un hombre y el extraordinario poder del espíritu humano.

La película narra como en las profundidades de la América salvaje, el trampero Hugh Glass (Leonardo DiCaprio) resulta gravemente herido y es abandonado a su suerte por un traicionero miembro de su equipo, John Fitzgerald (Tom Hardy). Con la fuerza de voluntad como su única arma, Glass se debe enfrentar a un territorio hostil, a un invierno brutal y a la guerra constante entre las tribus de nativos americanos, en una búsqueda heroica e implacable para conseguir vengarse de Fitzgerald.

Sin duda, una película que promete, no solo por contar con un magnífico elenco de actores protagonistas encabezado por DiCaprio, Hardy y Domhnall Gleeson, sino por la magnífica ambientación y fotografía del siempre excelente Emmanuel Lubezki, quién seguro logrará introducirnos en los parajes nevados de la cinta. Y por supuesto, esperamos mucho de la música, que acentúa aún más el gélido espectáculo visual.

Iñárritu y Di Caprio en los Globos de Oro

Alejandro González Iñárritu y Leonardo DiCaprio muestran orgullosos sus Globos de Oro por “El Renacido”.

Hace dos años nos hubiera encantado oír: ¡And the Oscar goes to… Leonardo DiCarpio for The Wolf of Wall Street!, pero lamentablemente no pudo ser. Ahora mismo DiCaprio no tiene Oscar, a pesar de haber estado nominado en cuatro ocasiones, pero todo apunta a que no tardará en conseguirlo. Ganador de tres Globos de Oro se merece ya la estatuilla dorada del tío Oscar. Aunque igual la Academia de Cine de Hollywood tiene otra opinión al respecto. El 28 de febrero, todos saldremos de dudas.

7 películas imprescindibles sobre dictaduras latinoamericanas

películas de dictaduras militares latinoamericanas

Entre los años 1964 y 1984, casi todos los países latinoamericanos estaban bajo el yugo de las dictaduras militares. Augusto Pinochet (Chile), Gustavo Rojas Pinilla (Colombia), Jorge Rafael Videla (Argentina), Hugo Banzer (Bolivia), Alfredo Stroessner (Paraguay) y Anastasio Somoza García (Nicaragua) fueron algunos de los dictadores quienes persiguieron, encarcelaron, mataron y desterraron a miles de ciudadanos.

El cine no ha estado ajeno a la realidad política de muchos de estos paises de América Latina y ha plasmado con bastante acierto cómo han sido estos pueblos prisioneros del militarismo y la autocracia. A continuación les presentamos una lista de películas sobre dictaduras latinoamericanas que bien merecen su visionado:

La historia oficial (1985) de Luis Puenzo

La historia oficial

Allá por el año 1983, en los últimos años de la dictadura militar argentina, una acomodada profesora de historia comienza a tomar conciencia de lo ocurrido en ese periodo. Sus sospechas sobre los oscuros asuntos de su marido y una Abuela de Plaza de Mayo que busca a su nieta son los motivos que la llevan a replantearse “la historia oficial”. Se alzó con el Globo de Oro a la mejor película extranjera, no solo por su implacable trama, sino por su firme compromiso político.

Cuatro días de septiembre (1997) de Bruno Barreto

Cuatro días de septiembre

Fernando y Cezar son dos jóvenes idealistas que deciden unirse al Movimiento Revolucionario Ocho de Octubre. Los chicos descubren que unirse a este grupo significa cambiar de identidad y renunciar a vivir con sus familias. Pronto la organización los utilizará para secuestrar al embajador norteamericano en Brasil. Nominada al Oscar a la mejor película de habla no inglesa se basa en una historia real acaecida en 1969. Estamos ante un interesante thriller político basado en la novela de Fernando Gabeira.

Desaparecido (1982) de Constantin Costa-Gavras

Desaparecido

Un joven e idealista periodista norteamericano desaparece de su domicilio en Santiago de Chile tras el golpe de Estado de Pinochet. Su mujer (Sissy Spacek) y su padre (Jack Lemmon) que se trasladan allí desde los Estados Unidos intentan averiguar su paradero y vivirán una auténtica odisea recorriendo las instituciones diplomáticas norteamericanas y tropezando con infinitas trabas burocráticas. Posiblemente llega a la cumbre del cine polí­tico, duro y directo, pero a la vez emotivo y con una cercaní­a que provoca aún más indignación en el espectador.

Voces inocentes (2004) de Luis Mandoki

Voces inocentes

En un pueblo de la periferia de San Salvador, vive Chava (Carlos Padilla), un niño de 11 años, que se encuentra atrapado entre el ejército y la guerrilla salvadoreña. Cuando su padre abandona a la familia, en plena guerra civil, Chava pasa a ser “el hombre de la casa”. En esta época, el gobierno de El Salvador reclutaba niños de doce años. Así que a Chava sólo le queda un año de escuela antes de ser movilizado. Una mirada descarnada hacia el conflicto bélico salvadoreño que bien merece la pena ver.

Bajo el fuego (1983) de Roger Spottiswoode

Bajo el fuego

Tres periodistas americanos van a Nicaragua en los años ochenta, donde la guerrilla sandinista está a punto de derrocar al dictador Somoza, a pesar de que cuenta con la ayuda de la CIA. Russell Price (Nick Nolte) es un fotógrafo al que la periodista radiofónica Claire (Joanna Cassidy) presiona para que se involucre en la revolución. En una situación similar se encuentra otro colega de profesión (Gene Hackman). Un digno retrato de la vida de los corresponsales de guerra que hubiera merecido mejor consideración cuando se estrenó.

La fiesta del chivo (2006) de Luis Llosa

La fiesta del chivo

Se trata de la adaptación cinematográfica de la novela de Mario Vargas Llosa. Una película  que consigue atrapar la atmósfera histórica del libro. Espeluznante retrato de una oprobiosa dictadura que en la vida real estuvo encarnada por el General Trujillo en la República Dominicana. Tras tres décadas de feroz dictadura, Trujillo es considerado uno de los dictadores más crueles y sanguinarios de América Latina. Una cinta valiente que hizo recordar a los dominicanos que el único camino legítimo hacia el progreso social en libertad es la democracia.

Estado de sitio (1973) de Constantin Costa-Gavras

Estado de sitio

Philip M. Santore es secuestrado junto a dos personalidades: un cónsul y un agregado diplomático. ¿Quién es ese hombre, “experto en comunicaciones”, que ha trabajado en varios países de Iberoamérica, en los que poco después se han producido rebeliones que han llevado al poder a militares extremistas? En torno a las acciones del movimiento Tupamaro en Uruguay es un buen ejemplo de este cine de denuncia, de testimonio y de lucha por la libertad.

 

Crítica: El desafío (The Walk)

Joseph Gordon-Levitt en El desafío (The walk)

Joseph Gordon-Levitt en “El desafío” (The walk). Fuente: Sony Pictures

Puede que Robert Zemeckis haya pensado durante estos 3 años de inactividad si nunca volvería o si nunca se acercaría siquiera a ser lo que fue tiempo atrás. Su última película, ‘El Vuelo‘, fue otra demostración de talento de su protagonista, Denzel Washington, pero de nuevo un producto menor, de naturaleza contenida y de legado olvidable. Con ‘El desafío’ (The Walk), el director estadounidense que brindase una de las trilogías más perpetuas del séptimo arte puede respirar con cierta calma.

El Zemeckis más desenfadado y relajado al servicio de una historia que, de vértigo, solo tiene el clímax y su epílogo consiguiente. Tras un arranque costoso, quizá por su narrativa apoyada en saltos cronológicos con el protagonista narrando en primera persona rompiendo la cuarta pared, o tal vez por su tono light y ajeno a contenciones, la película se maquilla de thriller una vez iniciado el “desafío” y capta la atención del espectador, con una tensión más que conseguida y lograda.

El desafío (The walk) de Robert Zemeckis

Escena de “El desafío” (The walk) dirigida por Robert Zemeckis. Fuente: Sony Pictures

Joseph Gordon-Levitt calza un personaje con un leve exceso de pastelosidad, pero seguramente sea por esta sobrecarga por la que su tour de force convence, por la evolución que dicha carga de simpatía extra supone en esta versión del funambulista Philippe Petit que Zemeckis ha llevado a la gran pantalla. Las dos mitades de la película se pueden ver en el personaje de Gordon-Levitt; el leve interés cuando habla y se relaciona, y la atención unánime cuando está sobre la cuerda.

Finalmente, y sobresaliendo como precioso arrebato sentimental, está el sentido homenaje a las Torres Gemelas de Nueva York. Ese “para siempre” final retumba en los corazones de los presentes en la sala a medida que la pantalla se funde a negro con una estampa preciosa de las dos niñas perdidas del World Trade Center. ‘El desafío‘ (The Walk) es una liviana recreación de un acto sobrehumano, con tal vez demasiada dulzura, pero con una dirección sólida y firme. Not bad Mr. Zemeckis.

“Las vacaciones de Monsieur Hulot”, la comedia de Jacques Tati que renovó el género

Las vacaciones de Monsieur Hulot de Jacques Tati

Las vacaciones de Monsieur Hulot‘ dirigida por Jacques Tati arranca un mes de julio coincidiendo con el comienzo de las vacaciones estivales. En una estación francesa, la multitud bulle por coger los trenes que les conducirán a sus lugares de descanso. En la carretera, el renqueante automóvil de Hulot va camino de una pequeña playa normanda, en cuyo hotel se encuentran los habituales de cada año: un obeso financiero que sigue atendiendo sus negocios para desespero de su familia, un comandante retirado que planifica hasta el menor detalle de sus actividades como si de una campaña militar se tratase, un atleta engominado, un matrimonio aburrido que no cesa de pasear a falta de algo mejor, la típica inglesa solterona, el camarero entrometido y el tacaño propietario, y una muchacha, Martine, encantada con el sol y el mar de la zona, que pasa el verano con su tía.

Estos personajes conciben las vacaciones como un periodo bastante aburrido y se limitan a trasladar su monótono día a día en la ciudad a la playa. No hay espontaneidad ni diversión. Todo es simple rutina y puro aburrimiento. Pero entonces irrumpe en el hotel un personaje que rompe con toda la calma y armonía: Monsieur Hulot, un hombre desastroso, que no planifica nada y que se deja llevar por la espontaneidad. Su llegada inevitablemente supondrá la destrucción de esa “tranquilidad” en la que viven el resto de veraneantes.

Hulot es un gentleman con alma de niño, como delata su indumentaria: sombrero, chaqueta y pantalón siempre demasiado corto, que deja ver unos estrafalarios calcetines a rayas. Distraído, curioso, inquieto e inconsciente, Hulot siempre intenta ayudar a quien lo necesite, y también a quien no. Allá por donde pasa provoca estropicios muchas veces sin darse cuenta y, es quizás por eso, que los que más le admiran y disfrutan de su compañía son los niños y los animales.

El hotel de de ‘Las vacaciones de Monsieur Hulot‘  es un hotel democrático, en el que coexisten todas las clases sociales, donde cohabitarán el comerciante, el funcionario, el hombre de negocios y el militar retirado. Una vez estrenada en 1953 algunas críticas le reprochaban la falta de argumento e incluso lamentaron que Hulot no se casara al final con la joven Martine. Pero estos reparos iniciales se desvanecieron ante la formidable acogida del público, que por primera vez se acercó con respeto y admiración a la obra de Tati. Esto supuso que se le considerara como un gran renovador del cine cómico.

Jacques Tati, es uno de esos grandes directores que reivindicaremos siempre. Un cineasta que supo crear un estilo muy personal siguiendo la tradición de Charles Chaplin y, sobre todo, de Buster Keaton. Un cineasta que retoma el cine mudo con su gran agudeza visual y no recurriendo a diálogos grandilocuentes. Su gran virtud fue explotar el humor con mucho talento en su, desgraciadamente, corta filmografía, ya que solo pudo realizar seis largometrajes a lo largo de treinta años. Sin duda, su gran éxito vino con ‘Mi tío’ (1957), que le consagró mundialmente y con la que ganó el premio especial del jurado en Cannes y el Oscar a la mejor película extranjera.

Tati fue también un agudo observador de la evolución de Francia y de Europa, del período transcurrido entre la Segunda Guerra mundial hasta los años 70. Un fantástico inventor de formas y un maestro en el arte de percibir la cotidianidad y la modernidad con distancia crítica, humor y generosidad. Este verano, A Contracorriente Films editaba una versión restaurada de la película, que sin duda ocupará un lugar especial en la videoteca de cualquier buen cinéfilo.

 

Crítica: Isla bonita

Fernando Colomo y Olivia Delcán en Isla bonita

Fernando Colomo y Olivia Delcán en “Isla bonita”. Fuente: Surtsey Films

Isla bonita‘ de Fernando Colomo es la comedia ideal para pasar un buen rato. Una película sin pretensiones que consigue ser simpática e imbuirte en una atmósfera estival de ensueño. El director madrileño, que comenzara en el año 1978 con el largometraje ‘Tigres de papel‘, lleva casi 40 años dando guerra en el panorama cinéfilo español aportando comedias exitosas como la maravillosa ‘Bajarse al Moro’.

La película recrea un escenario mediterráneo idílico enclavado en la isla de Menorca donde prevalece el sosiego, la tranquilidad, el respeto a la diferencia, la libertad, la creatividad y la sensibilidad. Ahí es nada. Afortunadamente no viene acompañado de una exagerada concatenación de imágenes paradisiacas de la isla, lo que la convertiría en una película demasiado artificial y edulcorada. La fotografía y localizaciones reflejan con naturalidad la belleza de la isla, pero no hacen uso excesivo de la misma.

Olivia Delcan y Tim Betterman en Isla bonita

Olivia Delcan y Tim Betterman en “Isla bonita”. Fuente: Surtsey Films

Pese a este planteamiento bastante naif, la película entretiene por lo cómico de sus diálogos y lo simpático de sus personajes. Interesantes espíritus bohemios de los que ya pocos quedan, donde destacan Olivia Delcán por su naturalidad y desparpajo y, sobretodo, Fernando Colomo que se construye un papel tipo Woody Allen ibérico bastante gracioso y bien traído.

Lo único que se le puede reprochar es que se apropien del sobrenombre de ‘Isla bonita’. Menorca sin duda alguna es una joya mediterránea con una belleza natural inigualable, pero la isla que siempre ha sido conocida con el sobrenombre de ‘Isla bonita’ es La Palma, la maravillosa isla canaria.