Crítica: La profesora de parvulario

Escena de La profesora de parvulario

Escena de “La profesora de parvulario”. Fuente: Good Films

El director israelí Nadav Lapid se consagra como director gracias a ‘La profesora de parvulario‘. Tras su éxito en 2011 con su primer largometraje ‘Policía en Israel’, con el que obtuvo gran éxito de crítica internacional ganando el premio del jurado de festivales como el de Locarno, Lume y Filadelfía, se esperaba con ganas el estreno de su segundo largo. Estreno precedido también por logros como el Giraldillo de Plata a mejor película en el Festival de Cine Europeo de Sevilla y que posiciona a Lapid en el punto de mira cuando se habla de cine israelí. Cine, por otro lado, del que poco o nada nos llega a nuestras latitudes, pero que cuando lo hace deja un buen sabor de boca. Véase por ejemplo películas como ‘La fiesta de despedida‘ de Sharon Maymon y Tal Granit o ‘A pié de pagina‘ de Joseph Cedar.Crítica: La profesora de parvulario

El pilar fundamental que sostiene la trama es el personal empeño de una profesora de parvulario por fomentar y preservar el talento innato para la poesía que uno de sus alumnos demuestra espontáneamente. Se trata de una original historia salpicada de metáforas. Parece como si el pequeño protagonista fuese un mesías de la cultura y su poesía fuese el único antídoto para la salvación de una cada vez más superficial Humanidad. Es por ello que la profesora proteja vehementemente el talento del menor con el convencimiento de que el mundo y la falta de sensibilidad corromperán su virtud. Que el niño tenga un padre mundano, una madre ausente y una niñera dispersa y oportunista hacen que se autoproclame como la mentora del niño, con una intensidad enfermiza impulsada por su propia frustración y mediocridad.

Sarit Larry y Avi Shnaidman en La profesora de parvulario

Sarit Larry y Avi Shnaidman en “La profesora de parvulario”. Fuente: Good Films

El papel de la profesora es interpretado de manera sobresaliente por Sarit Larry. Una ya madura actriz que a los 26 años gozaba de cierto reconocimiento, pero que abandonó la interpretación para convertirse en doctora en filosofía de la Universidad de Boston. A su vuelta a las tablas demuestra que sus cualidades como actriz están intactas y que sólo ella con su background filosófico podría haber dado vida a este personaje que trae a la memoria a Pigmalión.

Por otro lado estamos seguros que la película no habría tenido tanto éxito sin la destreza de Lapid para encontrar al niño que interpretase el papel protagonista de la cinta. La actuación de Avi Shnaidman es el núcleo de la película. Este pequeño actor hace de su personaje una figura verosímil que realiza continuos viajes de ida y vuelta desde la genialidad al infantilismo convirtiendo su actuación en memorable. Interpretación repleta de miradas inquietantes que trae a la memoria otras inolvidables realizadas por actores menores de diez años, como la de Ana Torrent en ‘El espíritu de la colmena’ o Quvenzhané Wallis en ‘Bestias del Sur salvaje’.

Afortunadamente estamos ante una película que sorprende, deja poso y golpea el cerebro. No sólo por lo que cuenta, sino también por lo que subyace y que necesita de un momento de reflexión para poder ir uniendo todos los extremos de la madeja para tener un bonito ovillo.

7 buenas películas de temática LGTB

cine LGTB

El Día Internacional del Orgullo LGTB (lesbiana, gay, transexual y bisexual), también conocido como Día del Orgullo Gay se celebra todos los años de forma pública para reivindicar la tolerancia y la igualdad. Esta fiesta se realiza el día 28 de junio, aunque va siendo común desplazarla al primer sábado anterior o posterior a esa fecha, en que se conmemoran los disturbios ocurridos en Stonewall (Nueva York) en 1969, que marcan el inicio del movimiento de liberación homosexual.

Desde MacGuffin007 pensamos que la mejor manera de celebrar este día es recomendando 7 magníficas películas que aborden esta temática. Argumentos como la reivindicación, la incomunicación intercultural y los prejuicios están presentes, pero lo que se deja ver con mucho talento es la extraordinaria mirada de todos estos directores sobre el verdadero significado del amor en todas sus vertientes.

Pride de Matthew Warchus (Reino Unido, 2014)

George MacKay en Pride

Su director, Matthew Warchus, trata el tema con intensidad y realismo para conseguir relatar de forma muy atractiva la historia de personas que existieron y de una época en la que mucha gente lo pasó muy mal. Ha sabido introducir con brillantez el humor en un relato serio. ‘Pride’ es una película que nos recuerda como la unión hace la fuerza, pero también es un chutazo de buen cine.

Hawaii de Marco Berger (Argentina, 2013)

Escena de la película Hawaii de Marco Berger

Estamos hasta un ejercicio sublime del director. Por un lado ha conseguido que la atracción y tensión se respire en todo el desarrollo de la cinta de una manera delicada y sutil, que rezume en cada gesto de los protagonistas y también que despierte en el espectador la impaciencia por un desenlace.

A escondidas de Mikel Rueda (España, 2014)

escena de "A escondidas"

Las imperfecciones de la película quedan en segundo plano por la fuerza de la historia que nos quiere contar Mikel Rueda. Sin duda, consigue con creces dar la talla en su primer largometraje en solitario. Pocos directores saben dar con ese ingrediente mágico que permite contar una historia de este tipo sin recurrir a lo más explícito.

Lilting de Hong Khaou (Reino Unido, 2014)

Pei-Pei Cheng y Andrew Leung en Lilting

Su desarrollo es original y Khaou nos va dosificando la información para que la tensión dramática se alargue hasta un final, quizás demasiado abrupto y precipitado. Además, sabe conectarnos con el mundo interior de los personajes a través de un sonido hueco que nos impregna de las emociones de sus almas.

Romeos de Sabine Bernardi (Alemania, 2011)

Romeos

Se vale de la comedia para cuestionar el pensamiento convencional sobre los roles, pero también del drama para enfatizar, sin victimismo alguno, en la angustia que sufren en soledad. El juego de identidades nos involucra emocionalmente y enfatizamos con los deseos y la necesidad de Lukas, interpretado por Rick Okon, de ser feliz como persona.

Weekend de Andrew Haigh (Reino Unido, 2011)

Tom Cullen y Chris New en Weekend

‘Weekend’ va más allá del cine confesional para convertirse en un ejercicio  cinematográfico impecablemente meditado, donde cada una de las escenas toma sus propias decisiones para siempre volver a centrar nuestra atención en cómo Glen y Rusell resuelven sus problemas y se reencuentran con el amor.

El desconocido del lago de Alain Guiraudie (Francia, 2013)

El desconocido del lago

Pensar que estamos ante un “thriller erótico” demostraría una miopía cercana a la ceguera. De ningún modo una catalogación de ese tipo haría justicia a la complejidad de una historia franca, absolutamente sin inhibición y despojada de tabú alguno. El miedo, el amor, el deseo y la incredulidad gravitan libres de cualquier coacción.

¿Qué película reciente recomendarías para esta lista?

Ven al preestreno de la película “Rey Gitano” en Madrid

Preestreno Rey Gitano

¿Quién se anima a ir al preestreno de la película ‘Rey Gitano’ de Juanma Bajo Ulloa en Madrid? La comedia protagonizada por Karra Elejalde, Manuel Manquiña, Arturo Valls, María León, Rosa María Sarda, Charo López, Albert Pla y Pilar Bardem se estrena en cines el 17 de julio, pero desde MacGuffin007 y Entradasymás os ofrecemos la posibilidad de ver la peli antes que nadie y además conocer a alguno de sus protagonistas.

Sorteamos 4 entradas dobles para el preestreno, el jueves 9 de julio a las 20:30 horas, en los cines Dreams en la Calle de Silvano, 77 en Madrid.

Es muy sencillo participar en el concurso:

  1.  Seguir a MacGuffin007 y Entradasymás en Facebook.
  2.  Compartir y dar a ‘me gusta‘ a este post en vuestro muro.
  3. Contestar en el blog (a través de este post), antes del 6 de julio, a la siguiente pregunta:

¿En que película de la saga Torrente aparece Arturo Valls?

Crítica: Profanación (Los casos del Departamento Q)

Profanacion

Escena de “Profanación (Los casos del Departamento Q) ” dirigido por Mikkel Nørgaard. Fuente: Vértigo Films

El director de cine danés Mikkel Nørgaard retoma con ‘Profanación (Los casos del Departamento Q)’ la saga de novela negra escandinava escrita por Jussi Adler-Olsen y con el personaje del detective Carl Mørck a la cabeza. En esta ocasión se trata de la adaptación del libro “Los chicos que cayeron en la trampa”.

‘Profanación’, que se basa en el segundo volumen de la saga de libros, es una historia de amor convertida en obsesión y que impulsa a los personajes a realizar cosas que nunca harían en otras circunstancias. El principal acierto de una película, que asume sin rubor todos los tópicos del género policíaco, es la noción de los límites entre el poder y su abuso, pero también de la lucha de un hombre por corregir los errores del pasado y redimir lo que le queda.

Con un estilo cinematográfico muy específico, el director danés nos muestra la energía y la dureza de la juventud asociada a la elegancia de las clases pudientes. Una atmósfera exprimida de manera meticulosa  a través de la imagen, el sonido y la música que ahonda en los aspectos más oscuros del alma humana. Quizás por esto la película debe tener dureza, lo que no la exime de una gran belleza a la misma vez.

Profanacion (Los casos del Departamento Q)

Escena de “Profanación”. Fuente: Vértigo Films

Mikkel Nørgaard se ha inspirado en el trabajo del gran David Fincher y obras como ‘Seven’ y ‘Zodiac’ resuenan de algún modo en el clima de esta película. También hay que contar con el magnífico trabajo de los guionistas a la hora de adaptar el libro danés a la gran pantalla. Además, la banda sonora tiene una bella escala melodramática que exalta si cabe más la emoción de las secuencias clave de la película. Que decir tiene del acierto a la hora de realizar el casting, ya que cada intérprete hace un trabajo estupendo.

‘Profanación’ es un trabajo impecable donde abunda mucha cámara en mano y el manejo virtuoso de la técnica cinematográfica. La precisión en el uso de objetivos gran angular para acercarse a los actores es absoluta. Así nos muestra lo que realmente interesa: la transición de la pasión a la obsesión. Sin duda supera a ‘Misericordia’, el primer volumen de la saga adaptado en 2013 a la gran pantalla. Una delicia para todos los públicos, seas o no seas un incondicional del thriller.

El cine de aventuras de Hollywood y sus estrellas

estrellas del cine de aventuras de Hollywood

Nunca hubo nada más deliciosamente falso que el cine de aventuras de Hollywood. Se desarrollara en la selva, en las minas del rey Salomón, en el bosque de Sherwood o en la corte del rey Arturo. Heroínas de largas trenzas por las que un príncipe mendigo se jugaba la vida, huríes de improbables harenes, caballeros de coraza negra, acróbatas que saltaban de liana en liana o de lámpara en lámpara. Hoy son arqueólogos o agentes secretos, defensores del honor, la belleza y las causas perdidas. Aquí van nuestros preferidos.

Errol Flynn

Errol Flynn

Seductor dentro y fuera de la pantalla. Fue el mejor Robin Hood, condujo la carga de la brigada ligera, encarnó al capitán Blood y murió al fin, como un perfecto libertino, socavado por la buena vida y el alcohol. Su mejor papel: ‘Gentleman Jim’ de Raoul Walsh.

Peter O’Toole

Peter O'Toole

Nunca el desierto lució más atractivo que cuando lo atravesaba este actor irlandés alimentado con whisky. Actor eminentemente teatral, su mediocre carrera cinematográfica contiene dos hitos fastuosos: ‘Lawrence de Arabia’, aunque estaba un pelín pasado de maquillaje, y ‘Lord Jim’, una aventura psicológica en mitad del océano.

Burt Lancaster

Burt Lancaster

Hombre de acción y atleta de profesión que, antes de llegar a ser un consumado actor dramático, llenó de fantasía las tardes del sábado con impagables creaciones aventurero-acrobáticas en ‘El temible burlón’, ‘El halcón y la flecha’ y ‘Su majestad de los mares del sur’. Su mayor hazaña: resisitir a Sara Montiel en ‘Veracruz’.

Ann Blyth

Ann Blyth

Una de las cabezonas más empalogosas de Hollywood. Pasó de ser joven heroína de melodrama a lánguida protagonista de aventuras marineras y corsarias como ‘El mundo en sus manos’ o ‘Todos los hermanos eran valientes’. Se retiró del cine después de cantarle a Paul Newman encima de un piano en ‘Para ella, un solo hombre’.

Kirk Douglas

Kirk Douglas

Aunque el temperamento de este emigrante de origen judío-ruso brilló en numerosos personajes. De policía puritano a director de cine despiadado pasando por cínico periodista, su aportación al género de la aventura fue magistral en ‘Los vikingos’ y ‘Espartaco’. Una de las últimas leyendas vivas de Hollywood.

Stewart Granger

Stewart Granger

Elegante atleta con toque británico y sienes plateadas fue un noble aventurero en ‘Las minas del rey Salomón’, pero también llevó las mallas con humor en ‘Scaramouche’ y ‘El prisionero de Zenda’. Lució las rodillas como centurión en ‘Salomé’ y ya retirado de la escena, retirado en Marbella, fue sospechoso en una estafa urbanística.

Charlton Heston

Charlton Heston

El rey de la épica, tanto si se desarrollaba en un circo (‘El mayor espectáculo del mundo’), en lo alto del Sinaí (‘Los diez mandamientos’) o en la llanura castellana persiguiendo moros (‘El Cid’). También desató pasiones humanas en la sexual aventura de ‘Cuando ruge la marabunta’.

Ahora nos quedan Johnny Depp y Orlando Bloom en ‘Piratas del caribe'; Elijah Wood en ‘El señor de los anillos’, Russell Crowe en ‘Gladiator’ y hasta Harrison Ford, nuestro aventurero por autonomasia. Ahora queremos que te impliques: ¿Cuál es tu película favorita de aventuras? ¿Y tus intépretes preferidos de este género cinematográfico?

250 bandas sonoras de cine en Spotify

Las bandas sonoras, en muchas ocasiones, son algo que nos pasa desapercibido en el cine. Curioseando por Spotify hemos encontrado muchas de esas melodías que una vez oímos de pasada en las películas y que tanto nos gustan.

Conocidas y menos conocidas. Clásicas y actuales, tanto de cine como series o videojuegos. Os presentamos una playlist muy completa de Spotify actualizada diariamente y que cuenta con más de 250 canciones.

¿Qué escucho hoy? Aquí van algunas de las bandas sonoras. ¡Que las disfruten!

Crítica: El pequeño Quinquin

Alane Delhaye y Lucy Caron en El pequeño Quinquin

Alane Delhaye y Lucy Caron en “El pequeño Quinquin” dirigido por Bruno Dumont. Fuente: Good Films

El director galo Bruno Dumont utiliza los idílicos paisajes que regala la región de Normandía para encuadrar una historia de asesinatos estrambóticos en una zona rural francesa repleta de personajes fellinianos.  ‘El pequeño Quinquin’ fue concebida como una miniserie de cuatro capítulos creados para el canal Arte y que finalmente ha llegado a nuestros cines en formato película de, nada más y nada menos, 200 minutos.

Aunque el eje principal de la cinta sea una serie de asesinatos, a cual más desconcertante, en realidad estamos ante una comedia negra bastante inquietante. El filme utiliza una fórmula compleja e inusual que pone al descubierto lo peor del ser humano: engaños, desencuentros, envidia, violencia y xenofobia. A esto hay que sumar la naturaleza y su belleza, pero también le resta el aislamiento, la opresión y el devastador aburrimiento del paraje que multiplicándolo por la enfermedad y toda clase de taras físicas y psicológicas de los personajes y dividido por la teología, porque cuando al mal no se le encuentra fácilmente una explicación es más sencillo acudir a lo divino.

Philippe Jore y Bernard Pruvost en El pequeño Quinquin

Philippe Jore y Bernard Pruvost en “El pequeño Quinquin”. Fuente: Good Films

La pareja de policías encargados del caso no es que sean poco habilidosos, es que parecen tener cierta discapacidad intelectual. En este dúo destaca Bernard Pruvost, actor no profesional que configura un personaje desconcertante repleto de tics faciales. Por otro lado, el personaje del pequeño Quinquin es interpretado por Alane Delhaye cuya actuación nos invita a cruzar constantemente la línea imaginaria entre la maldad y la ternura más emotiva. El completo elenco de extraños y pintorescos personajes hacen que la película tenga algunas escenas hilarantes, aunque difíciles de entender. A este respecto, no hay que perderse la escena del funeral.

Una película poco convencional, cuya trama no busca el desenlace, como estamos acostumbrados, sino la exposición de un sinfín de acontecimientos que bordean sin rubor alguno la frontera de lo irreal. Circunstancia que no favorece mucho su digestión, dado que hablamos de una película de más de tres horas de duración y de un desarrollo excesivamente lento. Muy recomendable echarse una buena siesta antes de la película. Avisados quedan.

La mayor secuencia de apertura de una película de James Bond

Spectre en Ciudad de Mexico

Rodaje de “Spectre” en Ciudad de Mexico

En medio de polémicas y accidentes, incluido el alejamiento de Daniel Craig del rodaje por una lesión, el equipo de ‘Spectre’ terminó sus filmaciones en México el pasado mes de abril. Ahora podemos compartir  algunas imágenes de aquellas grabaciones que muestran la recreación del Día de los Muertos, que forma parte de la secuencia de apertura, considerada como la mayor escena inicial que jamás se haya rodado en una película de Bond con cerca de 1.500 extras.  “Quería transportar al público de repente a un ambiente muy específico, embriagador, lleno de vida. Es el Día de los Muertos. Todo está lleno de color, detalles y acción. Construimos carrozas y maquetas, el vestuario es extraordinario y la artesanía, espectacular” dice el director Sam Mendes.

En la escena, que en pantalla durará entre 10 y 13 minutos, James Bond (Daniel Craig) abandona a Estrella (Stephanie Sigman) para perseguir entre los desfiles a Marco Sciarra (un villano al que interpreta el actor italiano Alessandro Cremona), uno de los objetivos del agente 007. La persecución se desarrolla entre explosiones por los tejados del centro histórico y les lleva hasta el Zócalo, en el que un helicóptero llega para rescatar a Sciarra pero en el que también se sube Bond. Ya en los cielos, los dos mantienen una pelea espectacular…

Aquí puedes ver el último Vlog de ‘Spectre’ que tuvo lugar durante el rodaje de la secuencia inicial durante el festival del Día de los Muertos en la Ciudad de México.

Crítica: Who am I-No system is safe

Who am I-No system is safe

“Who am I-No system is safe” de Baran bo Odar.

Who am I-No system is safe‘, dirigida por Baran bo Odar, es un thriller más que convincente. El realizador suizo, que ya nos cortara el aliento con ‘Silencio de hielo’ (2010), regresa con la historia de un grupo de hackers dispuestos a cambiar el mundo. La película se vale del flashback para ir reconstruyendo con fuerza una trama que nos va sorprendiendo y que acaba dejando un buen sabor de boca.

En su puesta en escena, bo Odar consigue erigirse como un director excepcional dentro de un género tan encorsetado a veces como es el thriller. Brillante como convierte el espacio virtual de los hackers en un vagón de metro. El realizador sabe imponer un ritmo trepidante a cada una de las escenas, optando por prescindir de un final predecible para valerse de giros en la trama que hacen aún más sugerente la película. Parece como si al director le importara el destino final de sus personajes y de su historia. Pero detrás no subyace un mero pasatiempo porque en ‘Who am I’ se esconde una reflexión sobre la actual sociedad en red y la soledad que acecha en este mundo cibernético.

Who am I-No system is safe

Secuencia de la película alemana “Who am I-No system is safe”

Aquí lo más importante es una sólida historia perfectamente guionizada que tiene la suficiente fuerza y atractivo para llegar al gran público, ya que posee toda la simbología reconocible del thriller, pero también elementos de la comedia nerd, el activismo cibernético y la cultura pop del superhéroe. Las cuidadas imágenes y la buena interpretación de Tom Schilling, que ya vimos también en ‘Oh Boy’ (2012), hacen el resto.

Sin duda, la mejor propuesta que se ha podido ver en la 17ª edición del Festival de Cine Alemán de Madrid. Un hallazgo cinematográfico que nos ha entusiasmado y al que no conseguimos encontrar ningún reproche. Una suerte que pueda llegar a verse en los cines españoles gracias a la distribuidora Abordar.


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El cine dentro del cine y ninis exaltados en la 17ºFCA

17ºFCA

A la espera de la jornada de hoy, el balance de los largometrajes que hemos visto en la XVII edición del Festival de Cine Alemán de Madrid podría considerarse irregular. Algún destello de talento asoma por alguna película, pero no nos ha llegado a convencer del todo ninguna. A continuación podéis leer nuestras impresiones sobre una parodia sobre el oficio del cine y un largo casi docudrama sobre la revuelta de Rostock en los años noventa.

En el peor de los casos

En el peor de los casos

Franz Müller, director y guionista de ‘En el peor de los casos’, es coeditor de la revista cinematográfica alemana Revolver. Lleva 10 años haciéndolo y parece que no se le da nada mal. Sin embargo, su incursión en el cine podríamos considerarla como un triple salto al vacío, a la vista de su primera película, vista en la 17º edición del Festival de Cine alemán de Madrid. Lo cierto es que estamos ante una primera obra sin vocación comercial que antepone la independencia artística sobre todas las cosas. Müller embiste con poca gracia contra la falta de talento de un director de cine en pleno rodaje. Una comedia inevitablemente regular, pero hilarante en algunas escenas llenas de ocurrencias absurdas.

A lo largo de la historia del séptimo arte muchas han sido las películas que han querido mostrar la realidad del cine. Este subgénero ha permitido a la industria cinematográfica mostrar sus entrañas y entresijos. Los rodajes no son nada fáciles, ya que debes poner de acuerdo a un montón de profesionales muy diferentes, así como lidiar con las excentricidades de las estrellas, las peticiones de los productores, las neuras de los guionistas, los problemas de rodar en exteriores y hasta la falta de extras. Unas circunstancias que ya recreó Tom DiCillo hace veinte años en la gran pantalla con ‘Living in Oblivion’, donde mostró con talento las vicisitudes de la filmación de una película independiente y como su director afrontaba todo tipo de adversidades para poder ver su sueño hecho realidad.

‘En el peor de los casos’ es una malograda película donde el espectador pierde definitivamente la fe en sus primeras secuencias. Una aproximación errática a la deliciosa comedia estadounidense ‘Living in Oblivion’ que nos hace pensar que Franz Müller, al igual que su protagonista principal, se ha dejado llevar por un romanticismo suicida, donde la cuestión era hacer una película a cualquier coste.

Somos jóvenes. Somos fuertes

omos jovenes Somos fuertes

Dentro de la sección “RückBlick: Reflejos del pasado en el cine alemán contemporáneo” hemos tenido la oportunidad de ver la peculiar ‘Wir sind jung. Wir sind stark’ o como ha sido traducida al español ‘Somos jóvenes. Somos fuertes’. La película del joven director Burhan Qurbani, alemán hijo de inmigrantes afganos, trata de reconstruir una fatídica noche en la historia de la por entonces recientemente unificada Alemania.

En el distrito Lichtenhagen de Rostock en agosto de 1992 sucedieron los que fueron denominados “los peores ataques a inmigrantes desde la segunda guerra mundial”. Aquella noche cientos de personas de extrema derecha lanzaron piedras y cócteles molotov contra un edificio de apartamentos donde vivían, ya prácticamente hacinados, peticionarios de asilo principalmente romaníes y vietnamitas. Afortunadamente no hubo fallecidos, pero se puso en evidencia la ineficacia de las fuerzas policiales y la pasividad de los políticos locales. Sin embargo, lo más vergonzoso fue que cerca de tres mil vecinos de la zona aplaudían y jaleaban a los extremistas xenófobos.

La cinta reconstruye ese día a través de un grupo de jóvenes que participaron en el ataque, reflejando su falta de valores, ilusiones y esperanzas. El director no les da a todos ellos una fuerte inclinación política, sino que por el contrario les muestra dentro del desconcierto político: tanto cantan ‘La Internacional comunista’ como hacen el saludo nazi. Qurbani consigue reflejar cómo en tiempos de crisis los radicalismos afloran y los más vulnerables se convierten en víctimas unos y en verdugos otros.

Sin duda, una película interesante en la que destaca su cuidadísima fotografía y unos jóvenes interpretes muy correctos. El realizador se atreve a dividir la película entre un inquietante blanco y negro para los prolegómenos al estallido de la violencia y el color para mostrar toda la intensidad visual de la revuelta.


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