El arte cinematográfico de David Lynch

David Lynch

Aunque David Lynch solo hubiera dirigido ‘Cabeza borradora’, su primer largometraje, formaría parte, al igual que Charles Laughton con ‘La noche del cazador‘ (1955), de la historia del cine, habida cuenta de que esa película ejemplifica una obra única en su género.

Estamos ante un cineasta que derrocha talento. Un artista capaz de crear lo que se denomina un “universo propio”. Lo avala una filmografía repleta de impactantes y sugerentes imágenes, así como un imaginario visual tan humano como retorcido. Aunque Lynch se niega a considerarse cinéfilo, la obra de ciertos cineastas visionarios, sobre todo Fellini y Tati, ejerce sobre él una innegable fascinación. Un cine que nos conecta con los misterios del subconsciente y el mundo de los sueños.

Stefano Westerling, usuario de Vimeo, repasa su filmografía en un montaje titulado The Work of David Lynch, que comienza por donde suelen empezar la mayoría de sus películas, por los títulos de crédito (aquí acompañados por la inolvidable música de Angelo Badalamenti para Twin Peaks).

Retirado del cine desde hace 9 años, cuando estrenó ‘Inland Empire’, tal vez el esperado regreso de Twin Peaks anunciado para dentro de 5 años nos devuelva algo de lo mejor de Lynch, al cual echamos mucho de menos en la actual cartelera cinematográfica.

Orson Welles y el mejor plano secuencia de la historia del cine

Orson Welles

Que mejor forma de homenajear a Orson Welles en el año del centenario de su nacimiento que hablar del magnífico plano secuencia con el que comienza ‘Sed de mal’. El director estadounidense nos dió una visión del cine en estado puro, al conseguir solo a través de las imágenes y de la banda sonora, y sin apenas diálogos, crear una atmósfera de suspense desde el primer momento.

Sed de mal‘ (1958) cuenta el enfrentamiento entre el inspector Manuel Vargas (Charlton Heston), un serio policía mexicano y el comisario Hank Quinlan (Orson Welles), un tan fascinante como repulsivo policía norteamericano que se deja llevar por su instinto durante un caso de tráfico de estupefacientes que se desarrolla en la frontera entre México y Estados Unidos. Dirigida 17 años después de ‘Ciudadano Kane’, película considerada por muchos su obra maestra, Welles nos sorprende con ‘Sed de mal’, una brillante muestra de cine negro y sin lugar a dudas una de sus mejores y más originales películas, que el mismo escribió, dirigió y protagonizó.

Welles consigue convertir una insignificante novela de Whit Masterson, planteada como una producción de serie B, en un ambiguo y genial conflicto dramático con planos de gran complejidad, como el inicial de 3 minutos de duración en el que la cámara no deja de moverse.

El mecanismo de la secuencia es muy sencillo. El espectador sabe desde un principio que la bomba ha sido situada en el maletero del coche por un desconocido. Sin embargo tanto la pareja del coche como el resto de los personajes lo ignoran por completo. Esto provoca en el espectador un mayor estado de angustia al habernos dado una información que desconocen los protagonistas.

Sed de mal

Fotogramas del plano secuencia de “Sed de mal” dirigido por Orson Welles

A medida que se va desarrollando este plano secuencia se va acumulando la tensión en el espectador, quién sabe que en un momento dado la bomba estallará. Para remarcar este hecho la banda sonora simula el sonido del mecanismo del reloj que se inicia en el momento en que va a colocarla dentro del maletero y vuelve a incidir sobre ello cuando la señora del coche se percata de que hay un extraño ruido procedente de la parte trasera del vehículo.

El juego de paralelismos que plasma Welles en su realización cobra pleno sentido. Las dos parejas que van alternándose en la pantalla en esta secuencia inicial van a ver truncado su destino de forma trágica. La pareja americana van a ser asesinados; el matrimonio Vargas, que se disponía a pasar su luna de miel de forma apacible, va a acabar involucrándose en el asesinato peligrosamente. Él tendrá que defender la honradez y la integridad frente a los policías americanos y el corrupto Quinlan. Mientras que ella será drogada y acusada de un asesinato en la parte central de la trama. Como vemos, partiendo de una situación de aparente felicidad se va a producir una tragedia que cambiará la vida de ambas parejas.

Si se hubiese optado por la fragmentación de esta secuencia, probablemente hubiese perdido mucha fuerza dramática. En primer lugar, la sensación que causa dicha acumulación de tiempo sería mucho más falseada en el sentido de que no nos daría la misma impresión de reproducción de tiempo real. En segundo lugar, el entrecuce de líneas argumentales que podría presentarse con un montaje en paralelo produciría un efecto totalmente diferente.

Aquí pueden ver íntegramente este grandioso plano secuencia, que demostró el virtuosismo detrás de la cámara de Orson Welles, uno de los más importantes cineastas de la historia del cine.

Repaso cinematográfico del año 1975

cine de 1975

En un año no especialmente brillante a nivel cinematográfico, las mayores estrellas fueron unos cuantos lunáticos y un animal de las profundidades marinas. Eso sí, bastante salvajes todos ellos. Hace 40 años el franquismo daba sus últimos coletazos, y llegaban nuevos aires de cambio al cine español. ‘El Padrino. 2ª parte‘ ganaba el Oscar a mejor película, mientras que ‘Furtivos’ de Jose Luis Borau ganaba en el Festival de San Sebastián. Ese mismo año nos dejaba Susan Hayward a los 55 años y comenzaba la carrera como actriz de una joven Drew Barrymore. A continuación repasamos las películas clave de 1975.

Diario íntimo de Adele H.

Diario íntimo de Adele H

François Truffaut dio la primera gran oportunidad a la actriz Isabelle Adjani en ‘Diario íntimo de Adele H’. Poco después, ella llegaría a ser número uno en su país natal, Francia. Música, fotografía, atmósfera, y ritmo en un Truffaut grande. La maravillosa Adjani dota a la película de una inocencia cargada de enfermiza obsesión. Francamente admirable.

El hombre que pudo reinar

El hombre que pudo reinar

John Huston dirigió a Michael Caine y a Sean Connery en ‘El hombre que pudo reinar’, crónica de una magalomanía que precipita a sus protagonistas a un trágico final. El filme, como no podía ser de otra manera, fue muy aclamado. Como dijo Maruja Torres: “La más bella película de aventuras de todos los tiempos”.

Tiburón

Tiburon

Steven Spielberg estrenó una de las películas más impactantes no solo de su época, sino de toda la historia del cine: ‘Tiburón’. El terrible y sanguinario escualo devolvió el término “terror” a una dimensión que no se concocía desde hacía mucho tiempo, y la realización del director fue tan impecable que el filme permanece todavía inalterable a pesar del paso de los años. La espléndida música de John Williams hizo el resto. Una obra maestra del rey midas de Hollywood.

Barry Lyndon

Barry Lyndon

Stanley Kubrick ubicó ‘Barry Lyndon’ en la Inglaterra del siglo XVIII. La película posee una fotografía excepcional y muchas escenas, como el duelo final, están rodadas con un virtuosismo técnico que logra la perfección. Si a esto acompañamos una banda sonora maravillosa que consigue tocar la fibra sensible del espectador, el filme se convierte en una experiencia única. Como dice Carlos Boyero: “admirable y emotiva; hermosa y triste”.

El juez y el asesino

El juez y el asesino

Philippe Noiret e Isabelle Huppert protagonizaron ‘El juez y el asesino’ de Bertrand Tavernier en el que el primero persigue a un policía asesino. El cineasta francés Tavernier se luce una vez más como director de actores y saca provecho al máximo del magnífico elenco del filme. Una película soberbia llena de matices que realiza una sarcástica y aguda crítica a la sociedad y política francesa de la época.

Alguien voló sobre el nido del cuco

Alguien voló sobre el nido del cuco

‘Alguien voló sobre el nido del cuco’ es sin lugar a dudas de lo mejorcito de la década de los setenta. La angustia tan profunda y claustrofóbica del panorama psiquiátrico que nos ofrece Milos Forman es insuperable. Un filme muy bien realizado y que nos da una agria visión de la sociedad. De esas películas que te hace emocionar cada vez que la visionas y donde Jack Nicholson está sencillamente magistral. Sin duda, el mejor actor que ha sabido encarnar la locura en el cine.

Cine español

Respecto a las películas de nuestro cine, Jordi Grau mostró el primer desnudo femenino del cine español en ‘La trastienda’, película de amores triangulares que tuvo muy buena acogida. Mientras, Ovidi Montllor atacaba a Lola Gaos en ‘Furtivos’, una de las mejores interpretaciones de la visceral y veterana actriz española. Carlos Saura estrenaba ‘Cría Cuervos’, uno de los mejores filmes del director aragonés, que sería muy apreciado en Francia. Ana Torrent y Geraldine Chaplin fueron las protagonistas.

Parece mentira que todas estas películas tengan ya 40 años y que el tiempo no haya hecho mella en muchas de ellas. Ahora nos gustaría que compartieras con nosotros cuál es para ti la mejor película de aquel año.

¿Qué tiene de especial ‘Mommy’ de Xavier Dolan?

Mommy de Xavier Dolan

‘Mommy’, la película mejor valorada del enfant terrible del cine canadiense Xavier Dolan, es un drama indie que se estrenó en 2014. Aclamada por público y crítica estuvo nominada en varios festivales hasta que que finalmente le llegó su reconocimiento consiguiendo el Premio del Jurado en el Festival de Cannes, aunque fuera compartido con Jean-Luc Godard.

Lo primero que percibimos sobre la pantalla es el formato cuadrado, que será clave en la película. Las alteraciones técnicas de Xavier Dolan no son ninguna novedad, ya que en su anterior película ‘Laurence Anyways‘ ya lo hizo con los encuadres. En el caso de ‘Mommy’ el cambio de formato es intencionado. El objetivo de Dolan proyectando en 1:1 era simular una prisión, donde los personajes respirarían dentro de un encuadre muy reducido para transmitir un sentimiento de asfixia que tienen los personajes debido a sus vidas.

Xavier Dolan

El director de cine canadiense Xavier Dolan

La fotografía con juegos de luces entre tonos cálidos y fríos, la música que se extienda a lo largo de muchas escenas y la composición de los planos, donde juega magistralmente con los primeros planos y el foco de la cámara, convierten a ‘Mommy’ en una propuesta cinematográfica muy atrevida para deleite de un espectador acostumbrado a estéticas más convencionales.

La historia se ambienta en una Canadá ficticia y gira en torno a tres personajes: Steve, un adolescente problemático con un trastorno de déficit de atención e hiperactividad interpretado maravillosamente por Antoine-Olivier Pilon; Die, una viuda con carácter para la que supone un verdadero calvario encargarse de su hijo –curiosamente Dolan recupera a la misma madre que en su ópera prima–a la que da vida Anne Dorval; y finalmente Suzanne Clément interpreta a la vecina con problemas de tartamudez que llevará algo de paz a la vida de sus vecinos.



Muchos no dudan en clasificar ‘Mommy’ como la mejor película del joven canadiense. Un cierre del círculo sobre el amor-odio maternofilial que sorprende sobretodo por su valentía visual. Lejos queda ya cuando un jovencísimo Xavier Dolan escribía a Leonardo DiCaprio buscando trabajo: “Soy uno de sus fans. He visto Titanic (cinco veces). Su interpretación es muy buena. Es un gran actor y le admiro. Yo también soy actor. He rodado algunos anuncios para una cadena de empresas farmacéuticas y he obtenido buenos papeles en cuatro largometrajes en francés. Espero poder participar algún día en una de sus películas“.

Paradojas de la vida, quién sabe si con el tiempo Leo acaba siendo dirigido por Dolan. Lo cierto es que actrices como Jessica Chastain, Susan Sarandon y Kathy Bates ya lo harán en ‘The Death and Life of John F. Donovan‘, su próximo proyecto entre manos que tendrá nacionalidad estadounidense. Antes veremos ‘It’s Only the End of the World‘ con un reparto muy francés encabezado por Marion Cotillard.

Viñetas de escenas memorables del cine

viñetas de Josh Cooley

Que carita de pánico tiene David Hasselhoff al ver el libro de viñetas de cine

Josh Cooley es un artista de Pixar, quién en sus ratos libres, utiliza su talento para dibujar, muy al estilo de los cuentos para niños, viñetas animadas con escenas memorables de películas famosas y clasificadas para adultos (Pulp FictionNo Country For Old Men o Rosemary’s Baby, entre otras).

La reunión de todos los dibujos puede encontrarse en el libro Movies R Fun que salió a la venta en marzo del 2014 (del que puedes ver el booktrailer en la parte de abajo). Por lo pronto te dejamos una muestra de las ilustraciones. ¡Que las disfruten!

Fuente: BuzzFeed

Un viaje en el tiempo a través de localizaciones de cine

scenepast-ios

Como disfrutamos viendo el antes y el después de algunas localizaciones de cine gracias a una app llamada ScenePast. Cinematográficamente hablando, su gran atractivo es la opción que permite, con tan solo un clic, de ver escenarios reales de películas o series de televisión famosas tal como eran en el momento de su rodaje y comprobar en que se han convertido ahora. Aquí va una selección de 10 películas que nos harán viajar en el tiempo varias décadas atrás, desde los años cincuenta hasta los noventa.

El crepúsculo de los dioses (1950), de Billy Wilder

El crepúsculo de los dioses

Localización: 8000 Sunset Boulevard, Hollywood. Fuente: ©ScenePast

Schwab’s Pharmacy de Los Angeles era una droguería muy popular por sus helados, soda, comida ligera (también vendía medicamentos). Pero sobre todo, porque era un lugar muy frecuentado por actores y actrices. Lamentablemente, el emblemático edificio fue demolido en 1983 y en su lugar hay un pequeño centro comercial.

Los pájaros (1962) de Alfred Hitchcock

Los pájaros

Localización: 17110 Bodega Lane, Bodega, California. Fuente: ©ScenePast

Escena de la mítica película de nuestro admirado Alfred Hitchcock, y la no menos antológica secuencia de los niños huyendo. El edificio de la escuela se encuentra intacto, aunque con más árboles cerca y… sin pájaros (que se vean).

Bullit (1968) de Peter Yates

Bullitt

Localización: Intersección de Cesar Chavez St con Precita Ave & York en San Francisco. Fuente: ©ScenePast

Pocos cambios se aprecian. Eso sí, en el asfalto aparece en la actualidad pintado un STOP. No sea que alguien quiera emular la escena inicial de esta película, donde hay una memorable persecución de coches protagonizada por Steve McQueen, teniente de la policía de San Francisco.

Sérpico (1973) de Sidney Lumet

Sérpico

Localización: Hudson St con West 13th St, New York. Fuente: ©ScenePast

Al Pacino dando vida a un policía incorruptible que se ve expuesto a situaciones muy peligrosas en un Nueva York setentero. El edificio principal que hace esquina tenía más personalidad antes, con ese tono chillón rojizo. Si no fuera por los automóviles que lo delatan, se podría volver a rodar una película de aquella época.

Taxi Driver (1976) de Martin Scorsese

Taxi Driver

Localización: 7th Avenue con 43rd, Nueva York. Fuente: ©ScenePast

Travis Bickle (Robert De Niro) trabaja como taxista nocturno en Nueva York. En esta escena en la famosa plaza de Times Square parece que conduce por el mismo y concurrido lugar, solo que con más carteles publicitarios y neones.

Fama (1980) de Alan Parker

Fama

Localización: 145 West 46th Street, Nueva York. Fuente: ©ScenePast

Fachada exterior de la academia de música y artes neoyorquina donde acudían los jóvenes protagonistas del filme de Alan Parker (y que se haría más famoso por la posterior serie televisiva). En la actualidad es una iglesia dedicada a la Virgen Santa María y por lo que se ve llena de andamios de obra.

El precio del poder (1983) de Brian De Palma

El precio del poder

Localización: 8619 Sunset Blvd, West Hollywood. Fuente: ©ScenePast

A que no sabían que el Montana Travel Company de la ficción de ‘Scarface’ no estaba en Miami. Al fondo, a la derecha, los carteles de publicidad han aumentado considerablemente y hasta han abierto un restaurante de cocina italiana.

Regreso al futuro (1985) de Robert Zemeckis

Regreso al futuro

Localización: 9303 Roslyndale Avenue, Arleta (California). Fuente: ©ScenePast

Se puede “regresar al futuro” o al pasado sin problema. La casa de Marty McFly permanece intacta. Los dos torreones eléctricos que igual alimentaban el “condensador de fluzo” siguen ahí de pie al fondo de la casa. Las ventanas parecen renovadas.

Pretty Woman (1990) de Garry Marshall

Pretty Woman

Localización: 1738 Las Palmas Avenue, Hollywood. Fuente: ©ScenePast

El modesto hotel donde Edward (Richard Gere) se reencontraba con Vivian (Julia Roberts) en la escena del climax final sigue ahí, solo que en vez del frondoso árbol aparece una escueta palmera. Lo que se ha perdido es el encanto del cartel del hotel que aparecía en la película, muy cinematográfico por cierto.

Pulp Fiction (1994) de Quentin Tarantino

Pulp Fiction

Localización: Flower Street y Sonora Avenue, Glendale (California). Fuente: ©ScenePast

En el interior del Jack Rabbit Slim’s acudían Mia Wallace (Uma Thurman) y Vincent Vega (John Travolta) dando lugar a algunas de las escenas más recordadas de la película. Mucho menos cool ahora es este decorado, ya que hace pocos años se abrió una bolera.

Michael Fassbender, ¿el definitivo Steve Jobs en el cine?

Steve Jobs en el cine

En 2013 Ashton Kutcher daba vida al creador de Apple en su primer biopic titulado ‘Jobs‘, un tanto descafeninado teniendo en cuenta como se las gastaba el personaje en la vida real. Por fin, casi dos años después llega la película que dicen está llamada a ser la que recordaremos sobre el polémico Steve Jobs.

Aaron Sorkin, ganador del Oscar por la adaptación del guión de ‘La Red Social’, se ha encargado de adaptar el libro escrito por Walter Isaacson (la única biografía autorizada por Jobs), centrándose en unos pocos capítulos concretos de la vida del genio de la informática. Dirige Danny Boyle y protagoniza Michael Fassbender secundado por Kate Winslet (que tiene mucha presencia en el trailer). Hay que recrodar que antes de Fassbender, fue Christian Bale quien iba a interpretar al personaje, hasta que abandonó el proyecto en noviembre de 2014.

La película, que lleva por nombre ‘Steve Jobs’, se estrenará en España el día de año nuevo del 2016. ¿Buena película para comenzar el año? Veremos… Por lo pronto les dejamos con el trailer.

5 razones para volver a ver “Extraños en un tren”

Extraños en un tren de Hitchcock

Extraños en un tren‘ (1951) arranca con un estupendo montaje paralelo de dos pares de zapatos yendo hacia un vagón de tren, donde por cierto aparece arrastrando su funda de un contrabajo Alfred Hitchcock en su tradicional cameo en sus películas. Con ellos desccubrimos la personalidad de sus dos propietarios, Guy Haines, un famoso tenista, y Bruno Anthony, un tipo muy parlanchín, máscara bajo la que se esconde un psicópata. Papel que interpretó Robert Walker, que hasta ese momento había interpretado a encantadores chicos americanos. ‘Extraños en un tren’ fue su última película, ya que Walker falleció meses después por una reacción alérgica a una droga calmante suministrada por su psiquiatra.

La película es una descripción deliciosa de una caza del gato y el ratón. Una adaptación de una novela de Patricia Highsmith y que figura entre lo mejorcito del maestro del suspense. Aquí van nuestros motivos que justifican volver a verla.

El tándem Highsmith – Hitchcock

La fascinante historia de Patricia Highsmith con guión de Raymond Chandler es un gran clásico que gustará a los que lo conocen y aumentará de valor para los que la vean de nuevo. El tiempo mejora lo bueno y empeora lo malo. Hitchcock utiliza el libro de Highsmith como elemento inspiracional, ya que de él se tomó solo la primera parte, modificando el desenlace, pero conservando siempre su espíritu de maquinación diabólica.

El “alter ego” de Hitchcock

Patricia, la hija de Hitchcock, tiene un papel secundario en la película. Una especia de alter ego de él mismo. Un personaje entrañable y al mismo tiempo con un toque freak tratado con muchísimo cariño. Un personaje que está en la historia por encima del bien y del mal, que podría contarse la película sin ella, pero sin ella no sería lo que es. No existiría ya que representa al mismo autor. Mucho amor de padre y genio e ingenio para poner a su hija Patricia Hitchcock en uno de los mejores papeles de su carrera. Para los amantes y estudiosos del director británico, el personaje de la hija es una pieza clave del universo, estilo y maneras de Hitchcock.

Escenas memorables

El plano del estrangulamiento visto a través del reflejo en las gafas de la víctima. La odiosa mujer del tenista, Miriam, a la que Hitchcock quiere que nosotros como espectadores también deseemos matarla. La pelea final de los protagonistas encima de un descontrolado tíovivo es otra joya. Magnífico el estrangulamiento de la mujer que no enseña, ya que el director se va con la cámara a ver un parque de atracciones dejando solo el sonido de los jadeos de la mujer. Y magistral la partida de tenis, donde las cabezas de todos los espectadores van siguiendo la pelota y moviéndose al unísono de derecha a izquierda y viceversa, todas menos una, la de nuestro personaje Robert Walker

La belleza del misterio

La película se vive de forma tensa gracias al manejo del suspense que poseía Hitchcock. Una entretenida historia llena de estratagemas cuidadosamente concebidas para determinar una escalofriante e inquietante narración que nos mantiene como espectadores en un estado de atención permanente. Porque la belleza del misterio está siempre presente en las películas de Hitchcock, ya que cuidaba muchísimo la parte pictórica y estética de sus encuadres.

Maravillosa fotografía en blanco y negro

Para la dirección fotográfica, el cineasta contó por primera vez con Robert Burks, colaborador fundamental del británico. Con la excepción de ‘Psicosis‘, fue el responsable de las luces y las sombras en todas las películas del maestro del suspense desde 1950 hasta 1964. En ‘Extraños en un tren’ recrea el mundo de oscuridad que vive Walker gracias a las sombras que cruzan constantemente su rostro, la tenebrosidad gótica de su mansión en Arlington. Es la contrapartida de Granger, que vive en el mundo de la luz representado por el espectacular juego al aire libre del tenis, su atracción hacia los colores vivos y las formales cenas en Washington. Y Walker es fotografiado en un determinado momento, en un plano visualmente impactante, como una mancha maligna en la pureza del mármol blanco del Jefferson Memorial, como un punto negro en el orden de las cosas.

 

Llega agosto y algo de buen cine a la cartelera

estrenos de agosto del 2015

Llega agosto y con él las vacaciones para muchos, el calor y también el momento para ir al cine a disfrutar de una buena película. Suele ocurrir que agosto, antesala del comienzo de la temporada cinematográfica, suele ser un mes que no se caracteriza por tener muy buenos títulos en la cartelera. Esto no quita para que haya excepciones. En MacGuffin007 hemos recopilado las 11 mejores películas para ver en agosto en las salas españolas. Cine estadounidense, francés, español, británico y también una película rusa se encuentran en nuestra selección estival. Comenzamos con el repaso por los cuatro viernes de agosto.

7 de agosto de 2015

El mes comienza fuerte. Ese viernes se estrenan cuatro de nuestras recomendaciones cinematográficas. Tenemos el esperado regreso de Tom Cruise con ‘Mision imposible: nación secreta’, quinta entrega de la saga que según las primeras críticas la convierten en un thriller trepidante que deja a la franquicia rejuvenecida. Cuenta con un guión que impone un ritmo que nunca decae. Muy recomendable para amantes del género y para espectadores que buscan emociones fuertes.

Un hombre neoyorkino (Kevin Kline) viaja a París para vender el lujoso apartamento que acaba de heredar de su padre, con quien no tenía ningún contacto. Allí conocera a la que fue amante de su padre durante 50 años. Una sinopsis muy atractiva la de ‘Mi casa en París‘, película británica para espectadores maduros que busquen cine adulto pero no demasiado denso.

¿Qué pasaría si en un pueblo de Texas un enterrador muy querido por toda la gente del pueblo se hace amigo de una rica y malvada viuda? Si además decimos que está basada en hechos reales, interpretada por Shirley McLaine y dirigida por Richard Linklater (‘Boyhood‘ y la trilogía ‘Before’) vamos de cabeza al cine a verla. Con un tono de comedia negra genera expectación ver como se desenvuelve un director tan experimental como Linklater. Aunque ‘Bernie‘ la dirigió en 2011, se estrena ahora en cines.

Bernie

Escena de “Bernie” dirigida por Richard Linklater.

Para terminar, ‘Les combattants‘, un drama francés sobre el paso a la madurez. Premio FIPRESCI del Festival de Cannes del 2014 cuenta con un guión ingenioso y unas buenas interpretaciones de sus protagonistas. Una ópera prima que bien merece una oportunidad y que nos acerca al buen hacer del cine que realizan nuestros vecinos.

14 de agosto de 2015

Una rusa, ‘El cartero de las noches blancas‘ dirigida por Andrey Konchalovskiy, León de Plata al mejor director en el Festival de Venecia del 2014. Un drama muy interesante que comienza en el lago Kenozero, un lugar incomunicado del mundo donde solo se comunican con el exterior gracias a la lancha del cartero. Un inesperado suceso lo cambiará todo. Película que mezcla la ficción con el documental a través de un viaje de autodescubrimiento. Otra agradable sorpresa del cine ruso después de la brillante ‘Leviathan‘.

¡Atención! Regresa uno de los actores que más admiramos: Al Pacino. En esta ocasión ha aceptado el papel de un hombre excéntrico y solitario que cometió un crimen que le hizo perder al amor de su vida. ‘Señor Manglehorn‘ es una comedia negra de cine independiente que tanto nos gusta. El actor ítalo-americano llena la pantalla con este papel. Aunque la trayectoria de su director nos haría desconfiar enseguida de esta película le vamos a dar una oportunidad solo por ver como se desenvuelve nuestro querido Al Pacino.

Señor Manglehorn

Al Pacino en una escena de “Señor Manglehorn”.

Futuro postapocalíptico y pandemias made in Spain con coproducción con Estados Unidos, Hungría y Francia. Estamos hablando de ‘Extinction‘ con Matthew Fox y Jeffrey Donovan como protagonistas principales. Una película dirigida por Miguel Ángel Vivas que podemos reservar para esos días tórridos del ferragosto, como dicen en Italia. Una historia de rencores y supervivencia cuyo cartel ya da miedito.

 21 de agosto de 2015

Aquí ya decae la cosa bastante. Hemos reservado la obra póstuma del gran director francés Alain Resnais, quién ya nos deleitara con la absurda y maravillosa ‘Las malas hierbas‘. La trama de ‘Amar, beber y cantar‘ transcurre en la campiña inglesa de Yorkshire, donde la vida de tres parejas se transforma durante algunos meses, de primavera a otoño, por el comportamiento enigmático de su amigo George Riley. Una mirada melancólica las que nos depara la despedida de Resnais a sus 91 años. Lo mejor que podemos ver en una cartelera que ya perdiendo algo de fuelle.

 28 de agosto de 2015

Para terminar el mes nos encontramos con una Meryl Streep rockera, lo último de Fernando León de Aranoa y una historia de amor marcada por los prejuicios y la incomunicación intercultural. ‘Ricki‘ nos cuenta como una guitarrista abandona todo para alcanzar su sueño de convertirse en una estrella de rock. Viene avalada por su director, Jonathan Demme (‘El silencio de los corderos’) y por la presencia, esta vez de rubia, de la gran Meryl Streep.

Ricki

Meryl Streep en una escena de “Ricki”, dirigida por Jonathan Demme.

También tenemos el estreno de ‘Un día perfecto‘ de León de Aranoa. Una road movie con reparto internacional encabezado por Tim Robbins y Benicio del Toro. Un retrato de la guerra desde una perspectiva pacifista. Cuenta la historia de una zona en guerra donde los cascos de las Naciones Unidas tratan de controlar la situación mientras varios personajes viven sus propios conflictos. Se pudo ver en la reciente edición del Festival de Cannes y la crítica no la tilda de brillante, pero se deja ver.

No ha podido ser más brillante el debút cinematográfico del director de origen camboyano Hong Khaou con ‘Lilting. La cinta también nos habla de la no aceptación de la homosexualidad por prejuicios culturales y como esta ceguera puede atraer tanta infelicidad. Magnífica película británica que pudimos vimos en la última edición del Festival de Cine Europeo de Sevilla y que nos alegramos que se estrene finalmente en los cines españoles.

4 divertidas escenas de “Mi casa en París”

Mi casa en Paris

La película ‘Mi casa en París‘ dirigida por Israel Horovitz está basada en la exitosa obra de teatro “My Old Lady”. Cuenta en clave de comedia dramática cómo las personas con secretos acaban revelándose emocionalmente para buscar la verdad. El pretexto utilizado por el director es la herencia de una preciosa casa en París, que fue comprada en régimen de renta vitalicia, de modo que el heredero no puede acceder a la propiedad hasta que el vendedor fallece. Así, Horovitz nos habla de la familia, sus secretos y de cómo nos enfrentamos a las dificultades que surgen por el camino.

Esta coproducción de Francia, Gran Bretaña y Estados Unidos cuenta además en el reparto con conocidos rostros franceses, como Dominique Pinon, la guionista, directora y actriz Noémie Lvovsky, el actor y director Stéphane Freiss y Stéphane De Groodt, un habitual de la pequeña pantalla.

Aquí van cuatro divertidos clips de esta espléndida comedia veraniega:

Es usted un imbécil

Esta casa es mía

Herencia envenenada

Yo soy Mathilde, usted es Mathías