Crítica: La fiesta de despedida

Escena de La fiesta de despedida

Escena de “La fiesta de despedida” dirigida por Tal Granit y Sharon Maymon. Fuente: Caramel Films

‘La fiesta de despedida’ es una película diferente hábilmente dirigida por los israelíes Sharon Maymon y Tal Granit. La pareja de directores ya habían coescrito y dirigido con anterioridad tres cortometrajes con los que cosecharon éxito en su país y cierta repercusión internacional en el circuito cinematográfico independiente. Maymon también coescribió y codirigió (con Erez Tadmor) el largometraje ‘Una cuestión de tamaño‘, la película más taquillera de Israel en 2009 y de la que están realizando en la actualidad una versión para Estados Unidos de la mano de los estudios Paramount.

‘Mita Tova’, título original de ‘La fiesta de despedida’,  ya ha ganado el premio del público de la Mostra de Venecia en 2014, la Espiga de Oro a la mejor película en la última edición de la Seminci de Valladolid y cuatro premios de la Academia de Cine Israelí. No es de extrañar, ya que el filme cala hondo en la capacidad de sorpresa del espectador porque va más allá de los lugares comunes que el cine nos tiene acostumbrados. El mayor logro radica en el equilibrio entre temas, a priori, difícilmente atrayentes para el público general como la senectud, el dolor, la compasión, la eutanasia, la muerte, el duelo y el olvido, junto con otros temas más amables, pero que ingeniosamente combinan con los anteriores, como el amor, la amistad incondicional, la valentía, la homosexualidad y el sentido del humor.

Ze'ev Revachz, Alisa Rosen e Ilan Dar en La fiesta de despedida

Ze’ev Revachz, Alisa Rosen y Ilan Dar en “La fiesta de despedida”. Fuente: Caramel Films

Sobre todo, ‘La fiesta de despedida’ es un película valiente porque trata la cuestión de la eutanasia mostrando todas sus aristas. Un controvertido asunto que aun provoca reacciones airadas entre aquellos que anteponen sus propias convicciones y el mal traído concepto del milagro de la vida a una existencia llena de dolor y sufrimiento provocadas por ciertas enfermedades. Recordemos que solo unos pocos países como Bélgica, Holanda y Luxemburgo tienen regulación respecto a la eutanasia activa y, pese al conservadurismo enraizado en su sociedad, Israel comienza a dar ya los pasos legales hacia su legalización.

El acierto de los directores radica en cómo aplican a este delicado y crudo asunto una deliciosa capa de humor negro maravillosamente ejecutada a través de algunos de los intérpretes más grandes de la comedia israelí. Papeles dramáticos interpretados por comediantes, entre los que destacan Ze’ev Revach y la actriz Aliza Rosen, que ya habíamos visto en ‘Pie de página’. Ambos demuestran llevar más de media vida sobre los escenarios y hacen que los espectadores pasen de la acongoja a la risa con maestría.

De obligado visionado tan solo por lo conmovedora que resulta verla y porque vuelve a plantear con ingenio cómo debería ser el final de nuestras vidas.

“2001, una odisea en el espacio” vuelve a las salas de cine españolas

Casi medio siglo después el hueso vuelve a volar por los aires y HAL 9000 vuelve a hacer de las suyas. ‘2001: una odisea del espacio’, el clásico de la ciencia ficción de Stanley Kubrick, regresa hoy a los cines remasterizado 46 años después de su estreno.

‘2001: una odisea del ospacio’ es una película de culto de ciencia ficción dirigida por Stanley Kubrick y estrenada en 1968. Marcó un hito por su estilo visual, sus revolucionarios efectos especiales y su realismo científico. La adaptación cinematográfica, basada en la novela del mismo nombre de Arthur C. Clarke, considerado uno de los genios de la historia cinematográfica y el mejor cineasta del siglo XX, fue descrita como una épica historia respecto a los alcances de la humanidad y su devenir.

En su momento, el crítico cinematográfico Roger Ebert, uno de los más reconocidos a nivel mundial, dijo que lapelícula era “un monumento independiente, un gran salto imaginativo, insuperable en su visión del hombre y del universo”.

Su trama se centra en un equipo de astronautas, que trata de seguir las señales acústicas emitidas por un extraño monolito hallado en la Luna y que parece ser obra de una civilización extraterrestre. El reparto está integrado por Keir Dullea como Dave Bowman, Gary Lockwood como Frank Poole, Douglas Rain como la voz de HAL 9000 y William Sylvester como el Dr. Heywood Floyd.

Recientemente, el futuro Museo del cine de la Academia de Hollywood adquirió la nave lunar Aries 1-B, utilizada en el rodaje de esta mítica película. Verla en pantalla grande es un lujo al alcance de pocos. ¡No se la pierdan!

El cine como experiencia más allá de la butaca

sala de cine

En 1977, un joven George Lucas revolucionaba el mundo del cine sacando adelante un proyecto de ciencia ficción tras ser rechazado por muchas de las productoras de Hollywood. Su nombre: La guerra de las galaxias y el resultado es de sobra conocido a nivel mundial. Estamos ante una de las sagas más recordadas de la historia del cine y, sin lugar a dudas, un producto más que rentable que sentó las bases del merchandising posterior de la industria cinematográfica.

El propio George Lucas rechazó su sueldo como director para sacar adelante la película a cambio del 40% de los derechos de taquilla y el 100% del merchandising. Lucas sabía que ahí estaba realmente el dinero. Ya en su mente pensaba que todo era susceptible de ser convertido en un producto de Star Wars, desde juegos, peluches, videojuegos, ropa o tazas de café entre otros.

videojuego Blade Runner

Es increíble como el cine inspira nuevos productos a partir de sus películas. Desde personajes que traspasan la pantalla para sumergirse en foros virtuales y hacer de las suyas en videojuegos hasta bailar al son de la banda sonora creada ex profeso o saltar a la televisión e incluso acabar dibujados en un viñeta de cómic.

En el caso de los videjuegos, convertir películas como ‘Matrix’, ‘Blade Runner’ o incluso ‘Frozen’ para que parezcan auténticos games ochenteros no es nada fácil y supone un gran trabajo artístico. Para llevar a cabo esta transformación se cuida hasta el último detalle a pesar de que realizar un juego sobre una película supone a veces un enorme problema, ya que se dispone de poco tiempo. Lo normal es que se tarde un año en realizarlo, desde que empieza el rodaje del filme hasta que se estrena en las salas de cine.

Aparte de los videjuegos oficiales también podemos encontrar en Internet juegos online. Seguro que ya has jugado a más de uno, pero quizás no sepas que tienen juegos de cine. Se trata de unos juegos muy sencillos y entretenidos basados en películas que probablemente ya conocerás, como ‘Big Hero’, ‘Frozen’, ‘Spiderman’, ‘El hombre de acero’ y ‘Harry Potter’ entre otras. Por ejemplo, podrás encontrar las semejanzas del hombre araña en el menor tiempo posible y también podrás usar los poderes del láser de Superman para destruir objetos en el cielo.

5 razones para volver a ver “El Golpe”

El golpe

En la década de los 70 el cine de Hollywood nos deparó grandes películas, entre las que se encuentra ‘El golpe’, dirigida por George Roy Hill. Una historia que nos retrotrae a los años 30 en Estados Unidos para contarnos la vida de Henry Gondorff y Johnny Hooker, dos caraduras que se dedican a timar y llevarse grandes sumas de dinero al bolsillo. Se trata de una esas películas por las que no pasa el tiempo y que siguen entreteniendo a nuevas generaciones. Seguro que todos tenemos razones más que convincentes para volver a ver esta joya del cine.  Aquí van nuestros motivos y estaremos encantados de que participéis explicando por qué merece la pena volver a verla.

La pareja Newman-Redford

Por ver a este tándem de actores juntos ya es de por sí motivo suficiente para disfrutar de esta maravillosa película de George Roy Hill, el mismo que dirigió a Paul Newman y Robert Redford en ‘Dos hombres y un destino’. Aquí la química entre estas dos estrellas del cine traspasa la pantalla. No pudo ser más acertada la elección del reparto y eso se nota en muchas de sus memorables escenas.

La inolvidable banda sonora

Que díficil olvidar una banda sonora como la de ‘El golpe’. Las composiciones para piano de Scott Joplin, ejecutadas por Marvin Hamlisch, contribuyeron a recrear el ambiente de época que tiene la película. Sin The entertainer, una de las canciones más pegadizas de todos los tiempos, la película hubiera sido muy diferente. Un tema musical recordado por todos y que forma parte de la historia del cine.

Ganadora de 7 Oscar

La Academia de Cine de Hollywood reconoció el buen hacer de esta producción estadounidense. No en vano, ganó el Oscar a la mejor película del año, por delante de otros títulos como ‘El Exorcista’, ‘Serpico’ o ‘El último tango en París’, y también le valió a George Roy Hill su único Oscar en la dirección. Además, el filme ganó las estatuilla a mejor guión original, montaje, canción original, dirección artística y vestuario.

Una entretenida película de gángsters

‘El golpe’ es ante todo puro entretenimiento. Estamos ante una película como “las de antes”. La caracterización de los distintos personajes es fantástica, pero también lo es la manera de contarnos la historia. Cine de tintes clásicos que recrea el mundo de los gánsteres del Chicago de los años 30 con escenas magistrales como la partida de póker en el tren o el timo al correo de Lonnegan. Y una constante en las casi dos horas que dura la película: el buen humor que desprende.

Una excelente ambientación

Es de alabar el maravilloso trabajo del equipo encargado de la escenografía y también del director de fotografía Robert Surtees, que colaboró muy estrechamente con el director para aportar a la película los colores y los tonos que tan acertadamente recrean la época de los años 30. El vestuario de Shaw (Newman) y Kelly (Redford) parece sacado del armario del mismísimo Lucky Luciano.

Crítica: Felices 140

Secuencia de Felices 140 de Gracia Querejeta

Secuencia de “Felices 140″ de Gracia Querejeta. Fuente: Sony Pictures

La directora Gracia Querejeta vuelve a nuestras pantallas con el estreno de su última película ‘Felices 140′. Parece que el introducir números en los títulos de sus trabajos se está convirtiendo en una tradición tras la exitosa ‘Siete mesas de billar francés’ y la más discreta ’15 años y un día’, así como el trabajar con su actriz fetiche: Maribel Verdú. Y es que si la fórmula funciona, para qué cambiarla.

Al principio la película no es nada que no hayamos visto ya en demasiadas ocasiones. Unos amigos se reúnen para pasar un tiempo juntos y salen a relucir recuerdos, envidias, secretos y mentiras. Quién no se acuerda de la británica ‘Los amigos de Peter‘ o ‘Los chicos de la banda’ con sus diálogos devastadoramente sinceros. Incluso, sin irnos tan lejos, la reciente película francesa ‘Barbacoa de amigos‘. Pero en ‘Felices 140′ la trama da un giro inesperado que la hace diferente, ya que pone en evidencia como el interés personal y la pura ambición pueden despertar lo más abyecto del ser humano y derribar cualquier muro ético, ya sea una amistad de años e incluso una relación paternofilial.

Antonio de la Torre con parte del elenco de Felices 140 de Gracia Querejeta.

Antonio de la Torre con parte del elenco de “Felices 140″ de Gracia Querejeta. Fuente: Sony Pictures

Por otro lado hay que reconocer el mérito que tiene la cinta al lograr reunir lo mejorcito de nuestro cine español. Es un lujo ver en una misma película a Eduard Fernández, Antonio de la Torre, Nora Navas Maribel Verdú y Marian Álvarez, que vuelve a dar vida a una mujer traumada, como ya lo hizo en ‘La herida’. Solo estos cinco intérpretes acumulan siete premios Goya de un total de 28 nominaciones. También tenemos la suerte de haber disfrutado de la frescura de Marcos Ruiz, que lo borda como menor en medio de una tormenta familiar y del buen hacer de Paula Cancio, que destaca con su interpretación de una ególatra actriz argentina con intención de medrar.

Por ponerle algún pero, quizás echamos de menos un poco más de intriga, una mayor pizca de juego psicológico y un ritmo un poco más rápido que le hubiera aportado un toque más atractivo. Pese a ello estamos ante otra buena película de Gracia Querejeta que bien vale la pena ver. Una radiografía sobre la condición humana en la que, quién sabe, podamos sentirnos reflejados.

Crítica: Puro vicio

Katherine Waterston y Joaquin Phoenix en Puro vicio

Katherine Waterston y Joaquin Phoenix en “Puro vicio”. Fuente: Warner Bros

Con muchísimas ganas fuimos a ver ‘Puro vicio’ de Paul Thomas Anderson, pero tremendamente decepcionados salimos de la sala. El director, que en otras ocasiones sorprendiera a público y crítica con obras llenas de atrevimiento, frescura o profundidad como ‘Boogie nights’,  ‘Magnolia’ o ‘The Master’, nos ha descolocado sobremanera con esta película tediosa e inconexa. Reconocemos que hay momentos donde aparecen pequeños destellos de esa brillantez a la que nos tiene acostumbrados el director estadounidense, pero quedan totalmente ensombrecidos por la dificultad para seguir con un poco de cordura el desarrollo de la historia.

La cinta nace del guión adaptado de una obra de Thomas Pynchon, uno de los novelistas norteamericanos más celebrados del posmodernismo. Y aunque sabíamos de la literatura enrevesada y laberíntica de Pynchon, caracterizada por una densa paranoia histérica, confiábamos en la destreza de Anderson para adaptarla al cine. Desgraciadamente ha salido lo peor del director, que no ha sabido tejer la historia compleja que propone el escritor. Y la conclusión nos lleva a pensar que quizás pecó de ambicioso porque hay cierta literatura que por su particularidad es difícilmente exportable a la gran pantalla.

Joaquin Phoenix y Josh Brolin en Puro vicio

Joaquin Phoenix y Josh Brolin en “Puro vicio”. Fuente: Warnes Bros

Sin embargo, la película tenía a priori muchos ingredientes para el éxito. En primer lugar, una trama que relaciona tráfico de drogas, policías corruptos, negocios inmobiliarios y desaparición incluida ambientada en la ciudad californiana de Los Ángeles de los años 70. Seguido de un elenco de actores liderado por nuestro admirado Joaquin Phoenix y que incluye a Josh Brolin, Benicio del Toro y Reese Witherspoon. Desgraciadamente siquiera estos actores son capaces de hacer destacar su actuación entre tanta confusión que se produce en el espectador. Un auténtico desperdicio, porque no es fácil ver a intérpretes de esta talla dar vida a personajes tan divertidos unos y exasperantes otros, pero todos indudablemente originales. Y por último, una estética realmente cuidada que nos transporta a la psicodélica visión empañada por el consumo de droga de los años 60.

Sin duda alguna, no es el mejor trabajo de Paul Thomas Anderson y no hace justicia a sus anteriores películas ni a la fama de Thomas Pynchon. Quizás la obra del novelista exigía un filtrado de simplificación que no quiso, no supo o simplemente no pudo realizar el director y que dio como resultado a esta película disparatada y totalmente prescindible.

El museo del cine de la Academia de Hollywood

museo del cine de la Academia de Hollywood

Recreación infográfica del futuro museo de la Academia de cine de Hollywood.

Resulta paradójico, pero Hollywood carece de un museo oficial del cine. Por este motivo, la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood se ha tomado muy en serio su construcción. Aunque no será hasta 2017 cuando abra sus puertas en Los Ángeles, ya se van conociendo algunos detalles de este emblemático espacio para mitómanos cinematográficos.

La dificultad para conseguir elementos icónicos de Hollywood ha sido considerable, ya que muchos se han vendido a coleccionistas de todo el mundo y recuperarlos se torna en un arduo trabajo. La Academia remueve cielo y tierra para conseguir estos tesoros cinematográficos. Recientemente adquirieron  un par de zapatos rojos que vestía Dorothy en ‘El Mago de Oz’, comprados mediante una subasta organizada por la tienda de coleccionistas Premiere Props.

Su última adquisición ha sido un modelo especial de la nave lunar Aries 1-B, utilizada en el rodaje de la mítica 2001: Una Odisea del Espacio’ y que sobrevivió gracias a un profesor de arte que, en los años 70, se comprometió a enseñar la tecnología de la nave a sus estudiantes.

El museo contará con seis plantas, y albergará salas de exposiciones, una plaza pública ajardinada de 15.000 metros cuadrados y una terraza en la azotea con vistas a las famosas colinas de Hollywood. En su interior se exhibirán obras de cineastas consagrados y de jóvenes promesas, pero también habrá cabida para laboratorios interactivos de creación de películas y actividades relacionadas con la industria cinematográfica.

Maqueta del futuro Academy Museum of Motion Pictures

Maqueta del futuro museo de la Academia de cine de Hollywood.

La campaña para recaudar dinero para la construcción del museo, presidida por Bob Iger, director ejecutivo de  Walt Disney, y presidida por los actores Annette Bening y Tom Hanks, ya ha conseguido más de la mitad de los 300 millones de dólares necesarios.

Dentro de poco será una realidad y se convertirá en un lugar de peregrinaje para todos los amantes del séptimo arte. Si pudieras elegir, ¿qué objeto te gustaría ver en el museo?

7 magníficas películas que cumplen 20 años

cine de los 90

A lo largo del 2015 tendremos motivos para hablar de algunas películas, ya que será un año plagado de celebraciones para los cinéfilos. Un buen puñado de títulos emblemáticos celebrarán su vigésimo aniversario a lo largo de estos doce meses. Una lista de cumpleaños de cine en la que hemos elegido siete magníficas películas a las que les sienta muy bien cumplir años. Abrochénse los cinturores. Viajamos a 1995. Comienza el repaso.

Braveheart

Braveheart

Mel Gibson sorprendió a todos al arriesgarse con una superproducción no muy frecuente en los años noventa: un drama de 3 horas lleno de fuerza y ritmo sobre un héroe independentista escocés de principios del siglo XIV. Su relato de lucha por la gloria y la libertad, sus asombrosas escenas de acción y su romántica historia la hicieron carne de Oscar. Una película de aventuras que puede haber resistido al paso del tiempo.

Casino

Casino

Ver esta película es ver uno de los mejores dramas mafiosos que se han hecho, pero también la historia de un amor imposible y la caída de un imperio. Es ver a Scorsese en estado puro y a tres monstruos de la actuación que dieron vida a unos personajes eternos. Robert De Niro hace gala de una pasmosa seguridad, al igual que su personaje. Un clásico del cine de los noventa que no nos cansamos de ver.

 Seven

Seven

Porque es inteligente e inquietante y también porque ha soportado muchos visonados posteriores. Estamos ante la mejor película de David Fincher y una de las mejores de su género.  Cuenta con una destacable banda sonora y un inesperado, como apoteósico final. Y por encima de todo, Kevin Spacey dando vida a uno de los personajes más malvados de la historia del cine. ‘Seven’ ha sabido aguntar el paso del tiempo gracias a su magistral guión. Intellectual movie.

Apolo 13

Apolo 13

Entretenida película de Ron Howard sobre el intento de alunizaje del Apolo 13 y su precipitado regreso a La Tierra. A pesar de todos los tecnicismos de esta aventura espacial, llega a divertir por momentos y es una maravilla ver a actores de la talla de Tom Hanks, Ed Harris e incluso Gary Sinise como secundario. Entretenimiento en estado puro que te mantiene en tensión permanente mientras contemplamos un espectáculo visual de primera. Ganó dos Oscar, incluido mejor sonido.

Sospechosos habituales

Sospechosos habituales

Bryan Singer realizó sin saberlo una película de culto. Desde luego que el tiempo no ha hecho mella en ella. El guión es tan sólido y cuenta con un reparto tan grande que sigue siendo una delicia volver a verla.  Soberbia, tremendamente inteligente y hábilmente desarrollada desde todos los puntos de vista. Una delicia para los sentidos. Nos faltarían adjetivos para describir esta obra maestra. Sin duda podemos situarla entre las propuestas más interesantes y renovadoras del thriller de los noventa. Kevin Spacey brilla como nadie y su papel de estafador lisiado le valió el Oscar a mejor secundario.

Leaving Las Vegas

Leaving Las Vegas

“No sé si empecé a beber porque mi mujer me dejó, o si mi mujer me dejó porque empecé a beber”. Apasionante y dura película sobre el camino sin retorno al que conduce el alcohol. Díficil olvidar ese  universo que rodea a la película, lleno de perversiones, abusos, maltratos y agresiones. La soledad en estado puro devora la pantalla.  Adorable la suave y meláncolica voz de Sting cantando la estrofa de “Angel Eyes”. Y que gusto ver actuar así a Nicolas Cage. Lástima que su director no hiciera nada interesante desde entonces.

Antes del amanecer

Antes del amanecer

Aquí comenzó el experimento cinematográfico de Richard Linklater. Sin duda la mejor de la trilogía “Before” y la más auténtica. Construida a base de grandes diálogos y magníficas actuaciones. Sin olvidar una maravillosa y embriagadora fotografía. La trama más antigua del cine -chico conoce a chica- convertida en arte. Pasa el tiempo, pero sigue dejando sin aliento a los nuevos espectadores que la ven. Una encantadora y nostálgica película sobre lo fugaz del tiempo y de la vida.

Teaser trailer de “Spectre”, la nueva película de James Bond

Aunque hasta el 6 de noviembre del 2015 no se estrenará la nueva película del agente 007, Sony Pictures ha lanzado el primer teaser trailer de ‘Spectre’ para ir generando curiosidad y expectación entre todos los fans que el famoso agente del M16 británico tiene repartidos a lo largo del planeta. Seguro que aprovechando la viralidad propia de Internet está más que asegurada la repercusión mediática de esta nueva aventura de James Bond.

La película nº 24 de la cinematográfica saga Bond vuelve a estar dirigida por Sam Mendes, que ya lo hizo en ‘Skyfall’. Junto a él, también repite Daniel Craig que por cuarta vez se pone en la piel del famoso agente 007.

Tras su paso por la nieve en Austria y la ciudad eterna (ver fotos), el rodaje de ‘Spectre’ se ha trasladado a  nuevas localizaciones en Londres, Ciudad de México, y Tánger y Erfoud, en Marruecos.

En esta ocasión un críptico mensaje del pasado de Bond le sitúa sobre la pista para destapar una siniestra organización. Al tiempo que M lucha contra las fuerzas políticas para mantener con vida a los servicios secretos, Bond desgrana las capas de engaños tras los que se oculta Spectre para desvelar la terrible verdad que allí se esconde. ¡Esto promete! Seguiremos informando…

El rostro sereno de Ingrid Bergman inspira el cartel de Cannes

artel del Festival de Cannes 2015

La presente década comenzó con Juliette Binoche y Faye Dunaway. En 2012 nos sorprendieron con Marilyn Monroe soplando la vela de una tarta. En 2013 nos deleitaron con Joanne Woodward y Paul Newman fotografiados durante el rodaje de la película ‘Samantha’. En 2014 fue la eterna mirada del gran Mastroianni por encima de sus gafas negras.

Este año el Festival de Cannes sigue apostando por las grandes estrellas del cine y nos ha vuelto a sentir cómplices, a través del rostro sereno de Ingrid Bergman, de ese cine libre y abierto al mundo que llevan proyectando desde 1946 en la costa azul francesa.

carteles del Festival de Cannes

Los seis últimos carteles del Festival de Cannes.

Icono moderno, mujer libre, actriz audaz, Ingrid Bergman fue al mismo tiempo una estrella de Hollywood y una figura del neorrealismo, cambiando de papeles y de país de adopción en función de sus pasiones, sin perder jamás su gracia ni su simplicidad.

En el cartel, la actriz de Alfred Hitchcock, Roberto Rossellini e Ingmar Bergman, que compartió reparto con Cary Grant, Humphrey Bogart o incluso Gregory Peck, desvela toda su belleza, ofreciendo una mirada que parece prolongarse hacia la eternidad. Como ella solía decir: ‘Yo no elegí la interpretación. Fue la interpretación la que me eligió a mí”.

Les dejamos con un montaje de animación a partir de la imagen del cartel, acompañada por una mezcla del tema musical del Festival, “El carnaval de los animales” de Camille Saint-Saëns.