Woody Allen, Bergman y September

Mia Farrow en September

Toda la escasa acción que transcurre en ‘September’ de Woody Allen se condensa en una casa de campo y en las horas finales de los últimos días de vacaciones. Seis personas, con una vida claramente situada al margen del espacio físico que comparten en ese estival agosto, esperan, entre la angustia y el flirteo, el fin de un periodo que, como siempre ocurre con las vacaciones, resulta un paréntesis abierto.

Cuatro de ellas mantienen intereses distintos entre sí. Mientras el profesor de francés Denholm Elliott suspira de amor por la insegura Mia Farrow, esta última está enamorada de San Waterston, quien a su vez ama a Dianne Wiest, amiga de la Farrow. Así planteada, la película se diría que surge de un universo privado al estilo Ingmar Bergman.

September de Woody Allen

Hay la mirada tierna  y ansiosa que contempla como el verano se escapa, como en ‘Juego de verano’. El mismo amor, no exento de ironía y hasta, por momentos, distanciamiento, que suele mostrar Bergman por sus criaturas y un igual respeto por la forma y los intérpretes. Y, como en tantas películas del sueco, también hay un interés por diseccionar los comportamientos de unos seres que, en el fondo, son solo víctimas de sus debilidades, su mediocridad o sus temores.

‘September’ no deja ser una de las películas mejor construidas por Woody Allen. Destaca un guión hábilmente escrito, con unos diálogos soberbios y, sobre todo, una maestría para repartir el protagonismo entre sus seis personajes. Y sin descuidar la parte formal, que resulta irreprochable.

La influencia de Bergman en el cine es enorme. Aquí les dejamos con un gráfico de 21 directores de cine de talla mundial que han sido partícipes del legado del director sueco. Están entre otros, Spielberg, Scorsese, Ang Lee, Stanley Kubrick y nuestro Pedro Almodóvar.

Directores de cine influenciados por Ingmar Bergman

Directores de cine influenciados por Ingmar Bergman

Crítica: El Niño

Luís Tosar y Eduard Fernández en "El Niño". Fuente: Fox

Luís Tosar y Eduard Fernández en “El Niño”. Fuente: Fox

El director Daniel Monzón, pasados ya casi cinco años del estreno de ‘Celda 211′, vuelve a dar en la diana del éxito con ‘El Niño’. Firmando de nuevo el guión junto a Jorge Guerricaechevarría consigue crear una película con una trama robusta y creíble, que junto a una acción trepidante, que nada tiene que envidiar a los mejores films de acción americanos, consigue mantener expectante al espectador en su butaca deseando saber que suerte correrán los protagonistas en las siguientes escenas.

‘El Niño’ va un poco más allá a lo que estamos acostumbrados en cintas de este género. Hay algo más que la típica banda de narcotraficantes, pareja de policías vehementes y un traidor o un error que permite a los cuerpos de la ley acabar con el delito y encerrar a los malos. En este film vemos una historia original que cuenta con elementos inesperados.

Las escenas de acción están increíblemente logradas, con sentido, realistas y sobre todo excitantes. Nos referimos sobretodo a los planos donde la lanchas motoras y los helicópteros se baten en duelo a velocidades endiabladas y con quiebros y giros imposibles en un supuesto Estrecho de Gibraltar. Un trabajo de montaje sobresaliente, donde la música del tres veces ganador del Goya, Roque Baños, ayuda al logro.

Jesus Castro en "El Niño". Fuente: Fox

Jesus Castro en “El Niño”. Fuente: Fox

Luis Tosar vuelve a estar como nos tiene acostumbrados: simplemente espectacular. Nos encanta el magnífico reparto que ha conseguido Monzón para esta película. Porque contar con Tosar, Eduard Fernández y Sergi López genera unas grandes expectativas que, por otro lado, afortunadamente se ven cumplidas.

Sin embargo, Jesús Castro, “el niño”, simplemente está correcto y evidencia su inexperiencia. Meriem Bachir, Saed Chatiby y el propio Castro podrían dar muchas satisfacciones en el futuro una vez cojan tablas. Experiencia que ya se evidencia en los jóvenes Bárbara Lenni y Jesús Carroza.

Sin duda alguna recomendamos esta película para aquellos que les gusta el cine de acción y el thriller policíaco bien dirigido y nada presuntuoso. Cine comercial formalmente impecable que hará las delicias del espectador.

¿Cuál es tu butaca preferida en el cine?

espectadores en el cine

Cuando vamos al cine no siempre es posible elegir la butaca desde donde queremos ver la película, ya que es muy habitual que el taquillero o taquillera elija por nosotros. Pero en otras ocasiones, al comprar nuestra entrada de cine, si es posible elegir esa butaca que tanto nos gusta. Pues que sepan que la silla que elijan en el cine dice mucho de nuestra personalidad. Por lo menos así lo ha dejado patente el psicólogo japonés Hiromi Mizuki. Aquí va su “teoría”:

pantalla de cine

Sección A: Seguros y decididos. Como son considerados los mejores lugares porque requieren reserva previa o llegar pronto, demuestra un alto grado de asertividad y de planificación.

Sección B: Persona tranquila y serena. Esta selección dejar ver timidez y miedo de ser influenciados por otros.

Sección C: Aman la actividad social y estar alrededor de otras personas. Debido a que estos asientos llenan todo su campo de visión con la pantalla, las personas que optan por este tipo de sillas tienen el deseo de estar constantemente conectados con los demás.

Sección D: Desean que se respete su espacio personal. La gente en estas zonas se mantienen a una distancia moderada de los demás y, a menudo, cerca de los espacios vacíos que dan a los pasillos de salida.

Sección E: Esquinas delanteras son ocupadas por el tipo de persona que quiere saber todo lo que está pasando, pero no tienen la confianza para involucrarse.

Sección F: Son de los que se aprovechan.  Son los espectadores que no les importa ser molestados.

Para terminar queremos compartir este divertido gráfico que hemos encontrado en la web cinismoilustrado, donde podemos localizar desde la butaca de los espectadores que se creen que el cine es un lugar para comer comida basura hasta el pelmazo que no para de hablar en toda la película. Curiosamente, este tipo de personas estarían en la sección C , que es la preferida por los que aman la actividad social.  Y tú, ¿con que grupo de identificas?

asiento en el cine

La familia cinematográfica de Woody Allen

Un genio del cine: Woody Allen. Fuente: Los Angeles Times

Un genio del cine: Woody Allen. Fuente: Los Angeles Times

Hablar de cine es hablar de Woody Allen. El cineasta neoyorkino es, sin lugar a dudas, uno de los mejores directores de cine vivos. Cada año nos sorprende con una nueva película. Su creatividad para dirigir, actuar, escribir e incluso tocar el clarinete es envidiable a sus 78 años de edad.

Para los que hemos visto casi toda la filmografía de Allen nos ha hecho mucha ilusión ver en la web Everywoodyallenmovie un magnífico y curradísimo mapa con todos los intérpretes que han pasado por sus películas en sus casi 50 años de carrera profesional.

El ranking lo encabeza, por supuesto,  su ex Mia Farrow con 13 apariciones. Le sigue a corta distancia Diane Keaton con nueve interpretaciones. Con siete papeles están Julie Kavner, Fred Melamed, Louise Lasser y Tony Roberts. La lista termina con la película ‘A Roma con amor’ del año 2012.

Se trata de la familia cinematográfica de Woody Allen. Sin ellos no hubiera sido posible ver el talento de Allen Stewart Konigsberg. Algunas caras les sonarán bastante cuando hayan visto muchas de sus películas. Espero que disfruten tanto como nosotros.

 

Interpretes de las peliculas de Woody Allen

Frenesí, una película imprescindible en el cine de Hitchcock

El  último jueves de mayo del 72, cuando los primeros calores primaverales se adueñaban de Londres, se producía en la capital británica el estreno mundial de ‘Frenesí’, la penúltima película de la filmografía de Alfred Hitchcock. La premiere se celebró bajo rigurosa invitación, y fue seguida por una cena en la River Room del Hotel Savoy, donde el maestro del suspense ejerció de anfitrión de la velada. ‘Frenesí’ supuso el regreso a Inglaterra de un expatriado cinematográfico, que a sus 72 años se enfrentaba al rodaje de su película número 52.

‘Frenesí’ está a la altura de sus grandes producciones. En el filme se deja ver la actitud de Hitchcock, el Londres de Hitchcock, el Covent Garden de Hitchcock y el tono de Hitchcock. Es la historia de un hombre que es impotente y que en consecuencia (según el mundo hitchcockiano) se libera a través del asesinato. Para el papel de psicópata, Hitchcock eligió a Barry Foster, tras haberle visto en la película ‘The Twisted Nerve’ (1968), un drama psicológico convertido ya en película de culto. Jon Finch, que recientemente había interpretado el ‘Macbeth’ (1971) de Polanski, fue elegido para el menos simpático y más irascible hombre inocente de toda la filmografía de Hitchcock.

Frenzy

Durante el rodaje se puso enferma Alma Reville, la mujer de Hitchcock, quién tuvo que abandonar Londres para regresar a California de manera inmediata. Esto produjo en su marido un estado de nervios que le dejo lento y agotado en pleno rodaje de la película. En esos días, su afición a la bebida era una inquietante realidad. Por lo visto, esperaba ansiosamente la llegada de la pausa del té, pero no para tomar té, sino copitas de vodka. Pero a pesar de todo, Hitchcock estuvo a la altura de las circunstancias.

‘Frenesí’, injustamente relegada por público y crítica de las mejores películas de la filmografía del director británico, retoma hoy con una fuerza increíble. En mi último visionado de la película descubro que no solo estamos ante una de las mejores películas de Alfred Hitccock, sino que está a la altura de ‘Rebeca’, ‘Encadenados’, ‘Psicosis’ o ‘La ventana indiscreta’, y por suspuesto por encima de la sobrevalorada ‘Vértigo’.

Hay tres escenas memorables en ‘Frenesí’ que ponen los pelos de punta. El asesinato-violación, con Foster como el asesino y Barbara Leigh-Hunt como su víctima; el retroceso de la cámara desde la puerta del apartamento del psicópata mientras este entra con su siguiente víctima, Anna Massey; y la búsqueda por parte del villano de un alfiler de corbata que puede incriminarle dentro de un camión de verduras, en concreto en un saco de papas que contiene  el cadáver.

Cameo de Hitchcock en "Frenesí". Fuente: Universal

Cameo de Hitchcock en “Frenesí”. Fuente: Universal

El acto de asesinar en las películas de Hitchcock siempre estuvo estilizado por el montaje y la fotografía, que daban a la escena una sensación de algo violentamente terrible, pero sin prestar atención en los detalles. El tendero del Covent Garden atraído y repelido a la vez por las mujeres, lleno de deseo y lleno de odio hacia ese deseo, comete en este filme el asesinato definitivo de Hitchcock.

‘Frenesí’ está magníficamente estructurado, firmemente interpretado, rítmicamente montado y absolutamente desprovisto de todo sentimiento humano positivo. Estilísticamente encontramos la idiosincrasia de la filmografía de Hitchcock, e incluso su mejor “humor negro”, pero también su largometraje más personal y atrevido. Sirva esta entrada en mi blog como un merecido tributo a una película que merece estar entre las mejores del cineasta británico y del género del suspense.