thriller

Crítica: Sicario

Benicio del Toro en Sicario

Benicio del Toro en “Sicario”, dirigida por Denis Villeneuve. Fuente: eOne Films

La película ‘Sicario‘ del director canadiense Denis Villeneuve es un ejemplo de suspense inteligente y de acción trepidante. El que fuera antaño un discreto representante del cine de autor canadiense dejó ese cierto anonimato cuando llamó la atención de Hollywood con el impecable drama familiar ‘Incendies’. Tras este éxito, el realizador tuvo el privilegio de poder dirigir a Hugh Jackman y Jake Gyllenhaal en ‘Prisioneros’. Su reputación de buen cineasta quedó intacta, porque tanto con su segunda hollywoodiense ‘Enemy’, adaptación del ‘Hombre duplicado’ de José Saramago, fue capaz de mantener todas sus cualidades distintivas que le convierten en uno de los directores más interesantes del panorama actual.

‘Sicario’ habla principalmente de los cárteles de la droga, un negocio multimillonario con diversos actores principales y muchos otros interesados secundarios. Sin duda, una lacra para la humanidad de larga tradición y extensión con innumerables implicaciones sociales, económicas y culturales y que pese a ser una industria global, desangra especialmente a la población latinoamericana. Un negocio altamente rentable que empodera a los cárteles y les permite enfrentarse a los Estados. Ciudad Juarez en México se presenta en la cinta como el eje territorial donde se libra la batalla de esta sangrienta guerra.

Emily Blunt en Sicario

Emily Blunt en “Sicario”. Fuente: eOne Films

Más interesante incluso es que ‘Sicario’ explore las entrañas del juego sucio estatal frente a un narcotráfico totalmente permeado en la sociedad. Una lucha que obliga a combinar el cuerpo a cuerpo y el ingenio más oscuro para moverse siempre en la frontera de lo legal, a lo que en teoría los Estados se ven obligados, y lo alegal e ilegal que en ocasiones resulta lo más efectivo frente a tal enemigo. Íntimamente relacionado, y dado que el fin justifica los medios, está la cuestión de la elección entre lo malo y lo menos malo, puestos a elegir, elijamos el mal menor.

Villenueve es perfecto para crear la atmósfera que necesita una película con esta trama. El director es capaz de desarrollar con una banda sonora inquietante y una extraordinaria fotografía, del eterno nominado a los Oscar Roger Deakinsen, un ambiente asfixiante, opresivo y frenético que potencia toda la violencia, mentira y maldad que este tema requiere. Si a esta fórmula le añadimos dos actuaciones sobresalientes, simplemente magníficos Benicio del Toro y Emily Blunt, y un desarrollo de la historia que atrapa desde el principio y no te permite desconectar, tenemos como resultado una de las películas más recomendables de este año.

La profecía que muchos preveían: director extranjero que sucumbe ante las presiones de la industria en Hollywood y cuyo producto finalmente es infumable, simplemente no se cumplió con Villenueve cómo desgraciadamente si ha sucedido con otros. Se le sigue reconociendo como un director cuyas cintas técnicamente impecables plasman perspicaces historias que siempre invitan a un debate posterior. Ahí es nada.

Crítica: El puente de los espías

El puente de los espías

Billy Magnusson, Mark Rylance y Tom Hanks en “El Puente de los Espías”. Fuente: Fox

El puente de los espías‘ supone el esperado regreso al cine de Tom Hanks y Steven Spielberg. Esta vez el talento creativo de estos dos grandes del séptimo arte se une en un thriller basado en hechos reales y con un guión firmado, nada más y nada menos que por los hermanos Coen. El telón de fondo de ‘El puente de los espías’ está constituido por una serie de acontecimientos históricos que cuentan la historia de James Donovan (Tom Hanks), un abogado de Brooklyn que se ve súbitamente inmerso en las entrañas de la Guerra Fría cuando la CIA le envía con el encargo casi imposible de negociar la liberación de un piloto de un U-2 americano que ha sido capturado.

Desde los horrores del Holocausto en ‘La lista de Schindler’ hasta la impresionante invasión de la playa de Omaha en ‘Salvar al soldado Ryan’, el director Steven Spielberg ha abordado diferentes hechos históricos a lo largo de su dilatada carrera cinematográfica. Por lo cual, había curiosidad por ver a Spielberg a los mandos de otra película histórica. Lástima que este tributo a los actos heroicos de James Donovan no se encuentre dentro de lo mejor de su talentosa carrera como director de cine.

El puente de los espías

Tom Hanks en “El Puente de los Espías” de Steven Spielberg. Fuente: Fox

La película sabe captar la esencia de un hombre que lo arriesga todo y refleja con acierto el proceso que sufre a nivel personal. Pero la película se reduce a un correcto thriller de personajes, donde éstos se hallan profundamente integrados en la historia. Quizás este sea el principal logro de la película. Además, contar con actores maravillosos de la talla de Tom Hanks (a la altura ya de un James Stewart) o Alan Alda ha permitido al director sacar lo mejor de este intrigante hecho real.

Cabe pensar que el argumento de ‘El puente de los espías’ imposibilita ir más allá, por lo que la película parece constreñida por la fidelidad a los acontecimientos reales. Por tanto, su resultado no deja de ser muy convencional. Cuenta con un inicio que es una auténtica lección de cine, pero que olvidamos cuando llega un happy end totalmente naif y muy en la línea de la sensibilidad del director de ‘E.T.’ Eso sí, técnicamente perfecta.

Opiniones de Spectre, la nueva aventura de James Bond

Spectre banner

Spectre‘, la última película de la franquicia Bond dirigida por Sam Mendes, nos ha encantado y hemos disfrutado como enanos de todas y cada una de sus secuencias, incluso de las trepidantes escenas de acción que llegan a invadir hasta la mismísima plaza de San Pedro del Vaticano, en la que se considera ya la persecución más espectacular de la saga. La película cuenta con más localizaciones y podemos decir que más espectaculares que en otros títulos, donde destaca la increíble secuencia de apertura en la plaza del Zócalo en México.

Sam Mendes vuelve a contar con Ben Whishaw para el personaje de Q, como ya hiciera en ‘Skyfall’, y cambia a Judi Dench por Ralph Fiennes en el de M. Ahora el rostro del mal es el oscarizado Christoph Waltz, que supone el regreso del villano Bond por excelencia.

Para los amantes del Agente 007 será una delicia ver reflejados nuevamente todos los tópicos que siempre nos han maravillado de estas películas. Porque en ‘Spectre’ hay un sutil reconocimiento a la historia de la saga en forma de guiños a personajes y giros de la trama de películas como ‘Vive y deja morir’ (1973), ‘007 al servicio secreto de Su Majestad’ (1969) y ‘James Bond contra Goldfinger’ (1964). Además, los fans disfrutarán con el Aston Martin DB10 fabricado ex profeso para el filme y del que solo se han hecho 10 unidades que no saldrán a la venta.

las nuevas mujeres Bond

Las nuevas mujeres de James Bond: Naomie Harris, Monica Belluci y Léa Seydoux.

Pero ‘Spectre’, la última película de James Bond dirigida por Sam Mendes, no ha superado las expectativas creadas, a tenor de lo que se va publicando en la red, tanto por blogueros españoles como por las ediciones digitales de medios británicos. Aunque en lo que sí hay quórum es en lo entretenida que resulta. ¿Entonces por qué esperar algo más de una película de la saga Bond? ¿No cumple su misión con entretener durante sus 148 minutos de duración?

Cinemascomics dice que ‘Spectre’ recupera la esencia del espionaje sin pretensiones, siendo todo lo buena que puede llegar a ser una obra de Bond. Un ejercicio de entretenimiento plausible, acertado en su forma, aunque erróneo en su contenido.

En Filmfilicos son tajantes: “más grande, más espectacular, más ruidoso, sí, pero no por ello mejor que la anterior”.

Para Los lunes seriéfilos la última entrega de la saga Bond se “ha convertido en otra ‘Quantum of Solace’ sin quererlo ni beberlo. Un filme que prometía demasiado y nos ha acabado dando muy poco o menos de lo que nos esperábamos”.

El Palomitrón sale en su defensa destacando que se trata de “una historia más clásica que nunca (y probablemente una de las más sorprendentes que ha tenido toda la saga) que recurre a lugares comunes en la franquicia e innumerables referencias e inspiraciones de películas pasadas”.

críticas británicas de Spectre

Respecto a los medios británicos, el Screen Daily afirma: La 24ª entrega de la saga no arriesga en nada” y critica que “Mendes haya puesto el piloto automático en esta ocasión y que esta película podría ser sustituida por cualquier otra.”

El Time Out London es muy crítico con Christoph Waltz, al que define como “un villano ridículamente poco convincente”. Llegando a sentenciar que la película es “tan desequilibrada como entretenida, apasionante y desinflada en la misma medida, y salpicada de momentos de verdadera gloria marca de la casa”.

The Guardian tilda la película como “una aventura terriblemente emocionante, espectacular, casi operística y delirante”. Y resume con una frase muy elocuente: “La película es profundamente tonta pero tremendamente entretenida. Al final, casi me sentía culpable por haber disfrutado tanto”.

En nuestra humilde opinión, ‘Spectre’ es un magnífico cóctel de acción y espionaje. Un espectáculo garantizado para todos los amantes del famoso agente del M16, que además pondrá fin a una etapa en la saga, ya que todo apunta a que Sam Mendes no dirigirá la próxima entrega y Daniel Craig, tras una década encarnando al personaje, acabe por no repetir como Agente 007. Les aseguro que no se arrepentirán de ver como James Bond se vuelve a enfrentar con los fantasmas de su pasado. Vayan a verla y después la comentan por aquí.

Crítica: Regresión

Emma Watson y Ethan Hawke en Regresión

Emma Watson y Ethan Hawke en “Regresión”. Fuente: Universal Pictures

‘Regresión’ de Alejandro Amenábar supera con creces las malas críticas que habían surgido alrededor de la película previo a su estreno. Sin duda, y nos duele decirlo porque admiramos su filmografía, es lo peor que ha realizado el creador de ‘Tesis’. Una historia mal narrada e incapaz de transmitir de manera certera emoción alguna y que situa a su guión como causante de todos los males. Eso sí, la película desde un punto de vista técnico funciona. Incisiva la banda sonora de Roque Baños, sobria la fotografía de Daniel Aranyó, contención en la colocación de la cámara y puro efectismo en algunas de las escenas. Resulta increíble como la cantidad de productores implicados en la película han dejado que Amenábar se haya lanzado al vacío con este arriesgado proyecto cinematográfico. Que ni Bovaira ni los hermanos Weinstein hayan sido capaces de remediar la falta de talento de un Amenábar en horas bajas no deja por lo menos de sorprendernos.

El principal problema que tiene ‘Regresión‘ es la manera de articular la trama. La idea de contarnos los sucesos acaecidos en la “satánica” Minnesota de los noventa (se rodó en Canadá porque es más barato) a través de una investigación policial convierte la reconstrucción de los hechos en algo realmente tedioso. Tampoco acompaña una interpretación nada notable de un Ethan Hawke sobreactuado que asume un único y monótono registro actoral y una Emma Watson poco creíble en esa dualidad que debe mostrar al final de la película. Cabe destacar por encima de todos ellos los secundarios David Thewlis y David Dencik, ambos con excelentes interpretaciones. La impresión que da lo nuevo de Amenábar es que el cineasta ha escrito un guión nada astuto que lo aleja de la brillantez a la que nos tenía acostumbrado hasta ‘Los Otros’.

escena de Regresión de Alejandro Amenábar

Escena de “Regresión” de Alejandro Amenábar. Fuente: Universal Pictures

Amenábar toma una estrategia narrativa todavía más críptica de lo que en él era frecuente para impregnar este thriller de serie A con elementos de serie B. Alejándose de las lecturas simplistas, aborda emociones a través de regresiones psicológicas que ni resultan oportunas, ni llegan a divertimento macabro. Lástima para una estética donde predomina una oscuridad y penumbra en perfecta consonancia con la temática de la película, pero la abrupta resolución de la historia no puede tener nuestro aplauso debido a la inconsistencia que tiene la trama a lo largo de toda la película. El coqueteo con el género que le vió nacer como director se ha convetido en una desventura americana que debería hacerle reflexionar.

A ‘Regresión’ le falta su sello de identidad y tampoco logra afinar los rasgos del retrato psicológico, así como mantener un pulso firme que resulte convincente. El espectador puede encontrar consuelo en resolver el confuso puzzle de presuntos sospechosos que se plantea, pero ni aún así resulta reconfortante. Amenábar rescata elementos de varias fuentes como Carpenter, Polanski, Hitchcock y Schlesinger, pero no acierta a plasmar su influencia con agudeza.

Uno quisiera compartir las buenas intenciones de su director, pero no resulta fácil. El resultado es un filme arriesgado y fallido que, sin embargo, tiene la virtud de generar algunos interrogantes y elige la opción de nadar contracorriente. Aunque, eso implique saber, de antemano, que no se va a alcanzar la orilla. Recaudación en taquilla no le va a faltar porque nos la están vendiendo como una obra maestra que allá donde va recibe grandes “ovaciones”. Ya dijo un famoso productor de Hollywood que se puede engañar al público todo el tiempo si la publicidad es la adecuada y el presupuesto lo suficientemente grande. ¡Hasta el 2021 Mr. Amenábar!

Malas críticas para ‘Regresión’ de Alejandro Amenábar

Regresión de Alejandro Amenábar

Seis años han tenido que pasar para que Alejandro Amenábar vuelva a estrenar una película. El cineasta de origen chileno es de los que se prodiga cada cierto tiempo y siempre genera muchas expectativas con cada uno de sus trabajos cinematográficos. Podríamos decir que se hace de rogar, ya que hay que esperar cierto tiempo para ver un nuevo trabajo suyo. En esto se parece a su tocayo mexicano Alejandro González Iñárritu, que tiene en su haber el mismo número de largometrajes. Es evidente que Amenábar cuece a fuego lento cada una de sus películas, quizás más de lo que le gustaría a los amantes de su cine.

En esta ocasión parece que la espera no ha merecido la pena. Aunque ‘Regresión‘, su nuevo largometraje, viene acompañado de una brutal campaña de marketing, el mal sabor de boca que dejó en San Sebastián se ha propagado como la pólvora. A pocos días de su estreno en España ya es vox populi que la película no ha gustado, no solo a la crítica especializada, sino a muchos blogueros y periodistas cinematográficos.

Los derechos de distribución de ‘Regresión’ en Estados Unidos los adquiere The Weinstein Company, la productora del «tiburón de Hollywood», Harvey Weinstein. Pero la cinta, que supone la vuelta de Amenábar al suspense, finalmente no se estrena mundialmente al otro lado del Atlántico. Según publicó BoxOffice y IMdb, el estreno mundial que iba a tener lugar en Estados Unidos el 28 de agosto, antes que en España, queda cancelado por las malas sensaciones que dejaron los test screenings (estudios de mercado que evalúan la reacción de unos espectadores seleccionados previamente) y su estreno en USA será finalmente en plataformas de vídeo bajo demanda (VoD) como Netflix.

A esto hay que sumar que los festivales a los que podía aspirar, como eran los de Venecia y Toronto, rechazaron su película, no solo para la sección oficial sino hasta fuera de concurso. Ante tal varapalo y con un presupuesto de unos 20 millones de euros por medio saltan las alarmas y finalmente inaugura el Festival de Cine de San Sebastián no exento de polémica. Abrir la cita donostiarra, conociendo la mediocridad de las últimas películas que han tenido este honor, ha sido un premio de consolación para este thriller psicológico al que se le augura un corto caminar.

Aquí les dejamos con un pequeño, pero significativo testimonio sobre las primeras impresiones que causó en Twitter la nueva película de Alejandro Amenábar. Lástima que malgaste su talento realizando mediocres vídeo clips y anuncios publicitarios y no haya dedicado todos sus sentidos para dar forma a la historia que escribía. Se nota ya la soledad del Alejandro guionista, que ya no cuenta con un emancipado Mateo Gil, al que le debe mucho del talento que hay en sus películas.

No obstante, iremos al cine a verla y publicaremos nuestra reseña. Ojalá nos sorprenda… no sería la primera vez.

Te invitamos a ver “El desconocido” en el Festival de San Sebastián

evento El desconocido

¿Te imaginas viendo antes que nadie ‘El desconocido’, el esperado thriller español dirigido por Dani de la Torre? ¿Y hacerlo en el Festival de Cine de San Sebastián? ¿Y conocer a los actores de la película como Luis Tosar, Javier Gutiérrez y la actriz Goya Toledo?

Pues tus deseos se pueden hacer realidad gracias al blog de cine MacGuffin007 y Entradasymás, ya que os invitamos a participar en un concurso muy cinematográfico que os puede llevar a ver esta película que luchará por la Concha de Oro en San Sebastián.

El premio para el afortunado o afortunada incluye el viaje y hotel en San Sebastián, además de asistir a la proyección el 22 de septiembre y poder disfutar de un meet & greet con los intépretes de la película. Una experiencia que está al alcance de muy pocos. Participar es muy sencillo. Solo tienes que rellenar el siguiente formulario. Recuerda que puedes participar hasta el 21 de septiembre. ¡Mucha suerte a todos!

‘El desconocido’, dirigida por el debutante Dani de la Torre, cuenta la historia de Carlos, un ejecutivo de banca que comienza su rutinaria mañana llevando a sus hijos al colegio. Al arrancar su coche recibe una llamada anónima que le anuncia que tiene una bomba debajo de su asiento. La voz de un desconocido le comunica que tiene apenas unas horas para reunir una elevada cantidad de dinero, ya que si no lo consigue, su coche volará por los aires.

5 razones para volver a ver “Extraños en un tren”

Extraños en un tren de Hitchcock

Extraños en un tren‘ (1951) arranca con un estupendo montaje paralelo de dos pares de zapatos yendo hacia un vagón de tren, donde por cierto aparece arrastrando su funda de un contrabajo Alfred Hitchcock en su tradicional cameo en sus películas. Con ellos desccubrimos la personalidad de sus dos propietarios, Guy Haines, un famoso tenista, y Bruno Anthony, un tipo muy parlanchín, máscara bajo la que se esconde un psicópata. Papel que interpretó Robert Walker, que hasta ese momento había interpretado a encantadores chicos americanos. ‘Extraños en un tren’ fue su última película, ya que Walker falleció meses después por una reacción alérgica a una droga calmante suministrada por su psiquiatra.

La película es una descripción deliciosa de una caza del gato y el ratón. Una adaptación de una novela de Patricia Highsmith y que figura entre lo mejorcito del maestro del suspense. Aquí van nuestros motivos que justifican volver a verla.

El tándem Highsmith – Hitchcock

La fascinante historia de Patricia Highsmith con guión de Raymond Chandler es un gran clásico que gustará a los que lo conocen y aumentará de valor para los que la vean de nuevo. El tiempo mejora lo bueno y empeora lo malo. Hitchcock utiliza el libro de Highsmith como elemento inspiracional, ya que de él se tomó solo la primera parte, modificando el desenlace, pero conservando siempre su espíritu de maquinación diabólica.

El “alter ego” de Hitchcock

Patricia, la hija de Hitchcock, tiene un papel secundario en la película. Una especia de alter ego de él mismo. Un personaje entrañable y al mismo tiempo con un toque freak tratado con muchísimo cariño. Un personaje que está en la historia por encima del bien y del mal, que podría contarse la película sin ella, pero sin ella no sería lo que es. No existiría ya que representa al mismo autor. Mucho amor de padre y genio e ingenio para poner a su hija Patricia Hitchcock en uno de los mejores papeles de su carrera. Para los amantes y estudiosos del director británico, el personaje de la hija es una pieza clave del universo, estilo y maneras de Hitchcock.

Escenas memorables

El plano del estrangulamiento visto a través del reflejo en las gafas de la víctima. La odiosa mujer del tenista, Miriam, a la que Hitchcock quiere que nosotros como espectadores también deseemos matarla. La pelea final de los protagonistas encima de un descontrolado tíovivo es otra joya. Magnífico el estrangulamiento de la mujer que no enseña, ya que el director se va con la cámara a ver un parque de atracciones dejando solo el sonido de los jadeos de la mujer. Y magistral la partida de tenis, donde las cabezas de todos los espectadores van siguiendo la pelota y moviéndose al unísono de derecha a izquierda y viceversa, todas menos una, la de nuestro personaje Robert Walker

La belleza del misterio

La película se vive de forma tensa gracias al manejo del suspense que poseía Hitchcock. Una entretenida historia llena de estratagemas cuidadosamente concebidas para determinar una escalofriante e inquietante narración que nos mantiene como espectadores en un estado de atención permanente. Porque la belleza del misterio está siempre presente en las películas de Hitchcock, ya que cuidaba muchísimo la parte pictórica y estética de sus encuadres.

Maravillosa fotografía en blanco y negro

Para la dirección fotográfica, el cineasta contó por primera vez con Robert Burks, colaborador fundamental del británico. Con la excepción de ‘Psicosis‘, fue el responsable de las luces y las sombras en todas las películas del maestro del suspense desde 1950 hasta 1964. En ‘Extraños en un tren’ recrea el mundo de oscuridad que vive Walker gracias a las sombras que cruzan constantemente su rostro, la tenebrosidad gótica de su mansión en Arlington. Es la contrapartida de Granger, que vive en el mundo de la luz representado por el espectacular juego al aire libre del tenis, su atracción hacia los colores vivos y las formales cenas en Washington. Y Walker es fotografiado en un determinado momento, en un plano visualmente impactante, como una mancha maligna en la pureza del mármol blanco del Jefferson Memorial, como un punto negro en el orden de las cosas.

 

Crítica: Una historia real

James Franco en Una Historia Real

James Franco en “Una historia real” dirigida por Rupert Goold. Fuente: Fox

Una historia real’ es un thriller dirigido por el británico Rupert Goold, el cual solo tiene en su haber en su corta carrera cinematográfica dos adaptaciones de Shakespeare. Basada en hechos reales, cuenta la incesante búsqueda que emprende el desacreditado periodista del New York Times Michael Finkel (Jonah Hill) por conocer los verdaderos motivos por los que Christian Longo (James Franco) fue capaz de matar repentinamente a toda su familia.

Dicho así podríamos pensar que estamos ante un escalofriante thriller. Pues nada más lejos de la realidad. A pesar de la voluntad de ofrecer, con escasas pinceladas, un perfil complejo de un asesino como Longo, la adaptación a la ficción de una historia real está demostrado que nunca será tan profunda y llena de matices. Lejos de concebir una película que nos atrape, ‘Una historia real’ se convierte en un monótono juego del gato y el ratón.

Una Historia Real

Jonah Hill y Felicity Jones en “Una historia real”. Fuente: Fox

Los dos protagonistas mantienen una relación un tanto extraña, hasta el punto que Finkel llega a sentir verdadera fascinación por Longo, proyectando en él sus propias carencias. En cierta manera, el personaje de Christian Longo es indescifrable y hermético, pero con un toque de simpatía y encanto, lo cual convierte a James Franco en el actor más indicado para este filme, aunque su registro interpretativo sea un tanto contenido, a diferencia de Jonah Hill (‘El lobo de Wall Street‘), el cual sorprende y agrada.

El ambicioso intento de retratar el aspecto psicológico que subyace en la historia provoca ciertas grietas en la película que impiden un buen resultado. Quizás el problema radica en llevar al cine una historia no lo suficientemente buena. Hablamos de construir una realidad que a lo mejor no es del todo real, pero sí profundamente verosímil para que la historia cale entre los amantes del género. Rupert Goold recrea una atmósfera, unos personajes y unas situaciones que pierden fuelle más rápido de lo que nos gustaría. El conjunto es, con todo, un tanto confuso.

Crítica: Profanación (Los casos del Departamento Q)

Profanacion

Escena de “Profanación (Los casos del Departamento Q) ” dirigido por Mikkel Nørgaard. Fuente: Vértigo Films

El director de cine danés Mikkel Nørgaard retoma con ‘Profanación (Los casos del Departamento Q)’ la saga de novela negra escandinava escrita por Jussi Adler-Olsen y con el personaje del detective Carl Mørck a la cabeza. En esta ocasión se trata de la adaptación del libro “Los chicos que cayeron en la trampa”.

‘Profanación’, que se basa en el segundo volumen de la saga de libros, es una historia de amor convertida en obsesión y que impulsa a los personajes a realizar cosas que nunca harían en otras circunstancias. El principal acierto de una película, que asume sin rubor todos los tópicos del género policíaco, es la noción de los límites entre el poder y su abuso, pero también de la lucha de un hombre por corregir los errores del pasado y redimir lo que le queda.

Con un estilo cinematográfico muy específico, el director danés nos muestra la energía y la dureza de la juventud asociada a la elegancia de las clases pudientes. Una atmósfera exprimida de manera meticulosa  a través de la imagen, el sonido y la música que ahonda en los aspectos más oscuros del alma humana. Quizás por esto la película debe tener dureza, lo que no la exime de una gran belleza a la misma vez.

Profanacion (Los casos del Departamento Q)

Escena de “Profanación”. Fuente: Vértigo Films

Mikkel Nørgaard se ha inspirado en el trabajo del gran David Fincher y obras como ‘Seven’ y ‘Zodiac’ resuenan de algún modo en el clima de esta película. También hay que contar con el magnífico trabajo de los guionistas a la hora de adaptar el libro danés a la gran pantalla. Además, la banda sonora tiene una bella escala melodramática que exalta si cabe más la emoción de las secuencias clave de la película. Que decir tiene del acierto a la hora de realizar el casting, ya que cada intérprete hace un trabajo estupendo.

‘Profanación’ es un trabajo impecable donde abunda mucha cámara en mano y el manejo virtuoso de la técnica cinematográfica. La precisión en el uso de objetivos gran angular para acercarse a los actores es absoluta. Así nos muestra lo que realmente interesa: la transición de la pasión a la obsesión. Sin duda supera a ‘Misericordia’, el primer volumen de la saga adaptado en 2013 a la gran pantalla. Una delicia para todos los públicos, seas o no seas un incondicional del thriller.

Crítica: Who am I-No system is safe

Who am I-No system is safe

“Who am I-No system is safe” de Baran bo Odar.

Who am I-No system is safe‘, dirigida por Baran bo Odar, es un thriller más que convincente. El realizador suizo, que ya nos cortara el aliento con ‘Silencio de hielo’ (2010), regresa con la historia de un grupo de hackers dispuestos a cambiar el mundo. La película se vale del flashback para ir reconstruyendo con fuerza una trama que nos va sorprendiendo y que acaba dejando un buen sabor de boca.

En su puesta en escena, bo Odar consigue erigirse como un director excepcional dentro de un género tan encorsetado a veces como es el thriller. Brillante como convierte el espacio virtual de los hackers en un vagón de metro. El realizador sabe imponer un ritmo trepidante a cada una de las escenas, optando por prescindir de un final predecible para valerse de giros en la trama que hacen aún más sugerente la película. Parece como si al director le importara el destino final de sus personajes y de su historia. Pero detrás no subyace un mero pasatiempo porque en ‘Who am I’ se esconde una reflexión sobre la actual sociedad en red y la soledad que acecha en este mundo cibernético.

Who am I-No system is safe

Secuencia de la película alemana “Who am I-No system is safe”

Aquí lo más importante es una sólida historia perfectamente guionizada que tiene la suficiente fuerza y atractivo para llegar al gran público, ya que posee toda la simbología reconocible del thriller, pero también elementos de la comedia nerd, el activismo cibernético y la cultura pop del superhéroe. Las cuidadas imágenes y la buena interpretación de Tom Schilling, que ya vimos también en ‘Oh Boy’ (2012), hacen el resto.

Sin duda, la mejor propuesta que se ha podido ver en la 17ª edición del Festival de Cine Alemán de Madrid. Un hallazgo cinematográfico que nos ha entusiasmado y al que no conseguimos encontrar ningún reproche. Una suerte que pueda llegar a verse en los cines españoles gracias a la distribuidora Abordar.


banner Festival de cine aleman de Madrid

Crítica: Nightcrawler

Jake Gyllenhaal en Nightcrawler

Jake Gyllenhaal en “Nightcrawler”. Fuente: Filmax

‘Nightcrawler’ es el debut cinematográfico como director del guionista estadounidense Dan Gilroy, que con 55 años nos ha deparado una ópera prima memorable, de esas que delatan un gran talento y una forma diferente de hacer cine. El título de la película nos desvela la historia, ya que hace referencia a los merodeadores nocturnos, la versión televisiva de los paparazzi de las revistas, que con videocámaras aparecen rápidamente en escenas del crimen, accidentes de tráfico e incendios para captar imágenes que luego venderán a las televisiones.

Con una atmósfera muy peculiar y con situaciones fuera de lo común, parece evocarnos a ese “cine nocturno” que Scorsese retrató en ‘Taxi Driver’ e incluso de algún modo en ‘Jo, qué noche’. Eso sí, aquí no estamos en Nueva York sino en Los Angeles. Y es precisamente esa cara más noctámbula y menos amable la que queda de manifiesto a través de personajes solitarios, outsiders que apenas tienen contacto con los demás. Gente de pocos escrúpulos que poco pueden perder en una sociedad que les rechaza y que un buen día deciden pasar a la acción.

El impecable resultado de ‘Nightcrawler’ se debe a la fortaleza de su guión, y en concreto a Lou, su personaje principal, interpretado de manera intensa por un Jake Gyllenhaal en estado de gracia. El actor de ‘Zodiac’ llegó a perder 12 kg para transmitir ese aspecto demacrado y famélico que encaja con el perfil de un joven al límite desesperado por triunfar. Su personaje vive su particular sueño americano, pero a costa de los demás, lo que le lleva a cruzar de manera inquietante la línea roja en varios momentos.  Al final todo deriva hacia un mundo marcado por la amoralidad y que proyecta en el espectador una imagen enferma de la sociedad que vivimos.

Escena de Nightcrawler de Dan Gilroy

Escena de “Nightcrawler” de Dan Gilroy. Fuente: Filmax

El filme vuelve a poner encima de la mesa el eterno debate sobre los límites de la libertad de información. De nuevo el periodismo en el cine para recordarnos de manera retorcida que tendemos a mirar la violencia y que fomentamos este tipo de imágenes. Además, resulta desolador pensar que en el fondo el personaje de ‘Nightcrawler’ viene a encarnar al nuevo héroe de la sociedad contemporánea, ese que deámbula por consejos de administración de muchas empresas y que es capaz de dejar en la calle a sus empleados para luego comprarse un yate de 120 metros o un Porsche Cayenne. Porque Lou proyecta lo más abyecto y oscuro de nosostros mismos con una habilidad maquiavélica.

¿Una película de culto? Creo que por ahora aún es pronto para pensar en eso, lo que no quita para decir que el trabajo de Dan Gilroy nos ha permitido salir de la sala de cine con esa inmensa satisfacción que únicamente dejan las películas que tratan al espectador con la inteligencia que se merece.

Crítica: ’71

Jack O'Connell en '71

Jack O’Connell en el thriller británico ’71. Fuente: Vértigo Films

El conflicto de Irlanda del Norte se afronta de nuevo en el cine gracias a ’71, un thriller dirigido por el debutante Yann Demange, que con esta película da el salto de la televisión al cine. El director de origen francés, pero criado en Londres, se ha esforzado por retomar con acierto los primeros años de los disturbios entre católicos y protestantes. En su intento por diseccionar la realidad de aquel momento elige contarnos, con un trasfondo de traiciones y espionaje, como un soldado británico tiene que hacer lo imposible por sobrevivir en territorio enemigo, sin saber nunca quién es realmente amigo o enemigo.

La película captura una época turbulenta de la historia británica, marcada por la discordia y la inquietud, a través de los ojos de Gary Hook, interpretado por un prometedor Jack O’Connell.  Demange confía ciegamente en que el espectador experimente la acción en la misma medida que el personaje. Este logro a la hora de identificarnos con el protagonista hace que la película tenga unas dosis de suspense realmente apetecibles para cualquier espectador. Memorables son algunas escenas con cámara al  hombro en mitad de ese escenario bélico que representaban las calles de Belfast.

Escena de '71 de Yann Demange

Escena de ’71 dirigida por Yann Demange. Fuente: Vértigo Films

Otro de los aciertos del filme es el protagonismo que tiene el sonido. Resulta crucial esa increíble capacidad que poseen los acordes de la banda sonora para transmitir ese ambiente opresivo que se respiraba en las calles de la capital norirlandesa a principios de los años setenta. El resultado no puede ser más inquietante. Además, la trama tiene el tono adecuado de los thrillers marcados por frenéticas persecuciones, pero sin olvidarse en ningún momento de la problemática social que reinaba en aquel momento.

 ’71 plantea el conflicto humano por encima del político y nos invita a que reflexionemos, con la respiración entrecortada, sobre nuestra propia naturaleza. Después del ritmo tan trepidante que tiene la película hay tiempo para darnos cuenta de la amarga visión que de nosotros mismos nos quiere transmitir Yann Demange en su primer largometraje. Deja muy bien sabor de boca esta producción británica. No nos cabe duda que formará parte del mejor cine reciente sobre el conflicto de Irlanda del Norte.

Crítica: The Imitation Game

Benedict Cumberbatch en The Imitation Game

Benedict Cumberbatch en “The Imitation Game”. Fuente: Tripictures

El director noruego Morten Tyldum (‘Headhunters’) dirige con total maestría ‘The Imitation Game’, basada en el libro Alan Turing: The Enigma del escritor británico Andrew Hodges, pionero del movimiento de liberación gay de los años 70. Se trata de un retrato dramatizado de la vida y obra de uno de los héroes más extraordinarios y desconocidos de Gran Bretaña, el matemático Alan Turing, al que se le conoce por haber descifrado el código de la inquebrantable máquina Enigma de los alemanes durante la Segunda Guerra Mundial.

Impulsado por los hermanos Weinstein, ‘padrinos’ de gran parte del cine independiente estadounidense de las últimas dos décadas, ‘The Imitation Game’ es un ejercicio cinematográfico intenso e inolvidable sobre un genio que ayudó a salvar miles de vidas, pero que paradójicamente sufrió una cruel condena por ser homosexual, lo que le llevaría al suicidio con tan solo 41 años.

Turing y Cumberbatch

Alan Turing y el actor Benedict Cumberbatch

Se trata de una de esas películas centradas en los personajes que cautiva por la densidad de su relato y por su significado histórico. Resulta brillante como de un biopic aparentemente convencional puede surgir un extraordinario thriller. El guión destila humor y ligereza en las ocasiones que se necesita realmente. Respecto al modo en que se rodó la película hay una sensación de maestría artística. La historia está estructurada en tres tiempos fílmicos presentados en orden inverso cronológicamente hablando: los últimos años de la vida de Turing (1912-1954), la Segunda Guerra Mundial y la adolescencia del científico en un internado en los años 20.

Uno de los mejores aciertos del filme fue elegir al actor inglés Benedict Cumberbatch para dar vida a una personalidad única y asimétrica como la de Turing. Conocido por sus trabajos en ‘El quinto poder’, ‘Star Treck: en la oscuridad’ y la serie televisiva ‘Sherlock’, Cumberbatch consigue aquí el mejor papel de su vida y su talento brilla sobremanera. Resulta asombroso como logra recrear el mundo del matemático y hacernos partícipe de su propio razonamiento y excentricidad. Benedict tiene esa mezcla de sensibilidad y fuerza que le permite llegar a la vida interna del personaje. Por eso consigue retratar a un genio y resultar creíble. Junto a él un elenco de actores del cine británico, como Keira Knightley, Matthew Goode y Mark Strong, que ayuda a realzar la brillantez de la interpretación en su conjunto.

escena de The imitation game

Escena de “The Imitation Game” dirigida por Morten Tyldum. Fuente: Tripictures

Al magnífico trabajo actoral hay que sumarle un extraordinario montaje, que permite que la película avance con el ritmo y fluidez adecuado. La dirección artística intensifica el momento histórico e imprime a la historia el caracter convulso de la época. También la fotografía es muy respetuosa con la atmósfera de la historia. Su manera de iluminar es hermosa, elegante y pronunciada.

‘The Imitation Game’ (Descifrando Enigma) está llamada a formar parte del mejor cine de los últimos tiempos y atraerá todos los premios cinematográficos por su particular magnetismo. Un tributo al hecho de ser diferente y a lo fundamental que es tener en la sociedad a gente que piensa diferente sin seguir la norma. Alan Turing se enfrentó a una gran injusticia, pero nunca comprometió sus ideales. Y el mundo es mejor por su valentía. La tragedia de su vida no solo es que acabara tan pronto, sino que fuera perseguido en una época de intolerancia por su sexualidad.

A veces la película que nadie imagina capaz de nada es la que hace cosas que nadie imagina“. Esto es ‘The Imitation Game’, cine que apasiona y que dignifica el séptimo arte como espectáculo de masas.

Spectre, título de la nueva película de James Bond

Interpretes de Spectre

Sam Mendes con los intérpretes de “Spectre” en la presentación del rodaje de la nueva saga de James Bond

En un evento organizado en los estudios Pinewood en Londres, el cual hemos retransmitido en directo vía streaming para nuestros lectores, se ha anunciado la próxima entrega de la saga James Bond, la vigesimocuarta, que llevará como título SPECTRE y cuyo estreno está previsto para noviembre del 2015.

Junto a Daniel Craig estarán Naomi Harris (Monypenny), Ralph Fiennes (M), Andrew Scott (Denbigh), Dave Bautista (Mr Hinx), Monica Belucci (Lucia Sciarra), Christopher Waltz (Oberhauser), Rory Kinnear (Tanner), Léa Seydoux (Madeleine Swann).

James Bond es la franquicia más antigua y una de las más exitosas de todos los tiempos, con 23 entregas en su haber. La última, ‘Skyfall’, fue un fenómeno mundial de taquilla. En su estreno ocupó el primer lugar de las taquillas de 70 países y recaudó más de 1.100 millones de dólares en todo el mundo. Además, batió un récord en Reino Unido al convertirse en la primera película en recaudar más de 100 millones de libras.

Spectre nueva pelicula de James Bond

El plató 007 de Albert R. Broccoli, donde se ha celebrado el evento de presentación del rodaje de #Bond24, es famoso en el mundo entero. El plató se construyó en los estudios Pinewood en 1976 para el filme ‘La espía que me amó’. Tras emprender una ardua búsqueda en Europa, los productores de Bond fueron incapaces de encontrar un plató lo suficientemente amplio como para albergar los tres submarinos que requería la secuencia y finalmente optaron por construir un plató específicamente para la película. El plató 007 sigue siendo a día de hoy, uno de los más grandes del mundo.

¿Volveremos a ver en ‘Spectre’ esas maravillosas escenas a las que nos tienen acostumbrados en cada película del agente 007?

Crítica: El capital humano

El capital humano

Fabrizio Bentivoglio y Fabrizio Gifuni en “El capital humano”, dirigida por Paolo Virzì

Con ‘El capital humano’ Paolo Virzi ha conseguido penetrar en la degradación social que genera la codicia y la inmoralidad de una clase pudiente y especulativa sumisa al dinero. El guión nace a partir de la novela del escritor estadounidense Stephen Amidon. A pesar de estar ambientada originalmente en Connecticut, es tan universal el retrato que hace de la condición humana que lo hace extrapolable a cualquier lugar. En su adaptación a Italia, Paolo Virzi elige a la rica región de Lombardía para ambientar los deseos de ambición y la degradación cultural derivada de la especulación financiera de estos últimos años.

Todo surge a partir del atropello de un ciclista en la víspera de Navidad por un lujoso todoterreno. Este desgraciado accidente cambiará el destino de dos familias: la del millonario y especulador de las finanzas, Giovanni Bernaschi y la de Dino Ossola, un ambicioso agente inmobiliario al borde de la quiebra. A partir de aquí el filme se divide en tres capítulos, además de una apertura y un epílogo. Y sin duda, uno de los aciertos de su adaptación cinematográfica, es que todas las historias forman parte de un todo que se estructura según los puntos de vista de cada personaje.

escena de El capital humano

Guglielmo Pinelli y Matilde Gioli en “El capital humano”

El director italiano dirige a un grupo de actores excepcionales y hace con cada uno de ellos un trabajo fuera de lo común. Hay un trabajo actoral más que convincente, donde brilla sobremanera Valeria Bruni Tedeschi, la cual hace un esfuerzo por sacar el máximo partido a un personaje al límite. La interpretación de los tres jóvenes es igualmente destacable, sobretodo la de Matilde Gioli, que debuta como actriz y que se convierte en un auténtico descubrimiento. El suyo es un rostro atrayente para cualquier director de cine.

Este drama familiar convertido en un fascinante thriller pone al descubierto la confusión moral reinante. Resulta inquietante ver como se les niega otro futuro a los tres jóvenes protagonistas. Carecen de la posibilidad de imaginar su propia vida más allá de  lo que imaginaron sus padres para ellos. Solo pagan las elecciones de estos y se convierten en víctimas de la situación. Una auténtica lección de cine que se vale de las emociones para crear una atmósfera al más puro estilo film noir. Un rompecabezas hábilmente construido que deja al descubierto una visión del mundo que el cine siempre ha hecho visible de un modo u otro. Aquí es un deleite, no solo por lo entretenida que resulta verla, sino porque resulta brutal la manera con la que agita nuestra conciencia.

Aunque ‘El capital humano’ no participó en la carrera para ganar el Oscar de habla no inglesa, donde Italia tiene mucha experiencia, no en vano han ganado ya 14 estatuillas en esta categoría, la película ganó siete premios David di Donatello (incluida mejor película) y el Premio del Público del Festival de Cine Europeo de Sevilla. La película merece todos estos reconocimientos y mucho más. ¡Buona fortuna!


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