Crítica: Theo y Hugo, Paris 5:59

Theo y Hugo, Paris 5:59

François Nambot y Geoffrey Couët en “Theo y Hugo, Paris 5:59”. Fuente: Surtsey Films

Théo & Hugo‘ es una de esas películas que pasan desapercibidas por la cartelera y a las que nadie suele hacer demasiado caso. Principalmente suele ocurrir con las producciones pequeñas y muy de autor, destinadas mayoritariamente a un público cinéfilo. Sin embargo, hay veces que la escasa atención de los medios ante este tipo de películas se debe a que se hablan o se muestran tabús sin ningún tipo de tapujos. En el caso de esta cinta francesa dirigida por la pareja de directores Olivier Ducastel y Jacques Martineau, su principal lastre comercial se debe a sus veinte primeros minutos.

Tras unos psicodélicos títulos de créditos iniciales propios de una película de Gaspar Noé, el filme comienza con una larga y potente secuencia en un club de sexo gay en la que todo es absolutamente explícito. Podría decirse que se trata de una explosiva y bastante acertada mezcla entre la capacidad de impacto de ‘Irreversible‘ y la extraña sensibilidad que hay en cada escena de sexo de ‘Shortbus‘. Esto, sin lugar a dudas impacta, aunque solo sea por el simple hecho de que no estamos acostumbrados a ver este tipo de escenas en una pantalla de cine.

No obstante y pese a que pueda parecer que su duración es excesiva, me parece la clave para entender toda la película, ya que es donde los directores asientan las bases de los personajes y del tipo de historia que quieren contar tan solo mediante multitud de cuerpos entrelazados. La forma de moverse de cada uno de nuestros dos protagonistas y de interactuar con los otros participantes del cuarto oscuro nos dan las claves para conocer cómo es cada uno de ellos. Resulta admirable que en una escena así se puedan percibir este tipo de detalles, y es digna de aplauso la labor de dirección por lograr trasmitir lo que trasmite de forma tan arriesgada.

Theo y Hugo de Olivier Ducastel y Jacques Martineau

“Theo y Hugo, Paris 5:59” dirigida por Olivier Ducastel y Jacques Martineau. Fuente: Surtsey Films

Théo & Hugo‘ es la historia de dos jóvenes que se conocen en un club de sexo y entre ellos surge una enorme química, que hará que ambos salgan del club para dar una vuelta y conocerse mejor. Durante todo este paseo nocturno, los actores defienden con soltura y maestría a sus personajes, haciéndolos totalmente creíbles. Además están respaldados por un guion sólido y una dirección que consigue crear una atmósfera subyugante y en ocasiones enrarecida gracias a la cual es imposible desentenderse de la historia de amor naciente entre ambos.

Personalmente, no esperaba nada especialmente memorable en esta película, y mi sorpresa tras su visionado no pudo ser mayor. Espero que a pesar de sus limitaciones comerciales, la vea mucha gente y que la disfruten tanto como yo lo hice. En el cine reciente pocas veces se ha reflejado tan bien la pasión como en ‘Théo & Hugo’, y lo mejor de todo, es que lo hace de una manera nada convencional. Un más que interesante ejercicio audiovisual que pone a sus directores en el punto de mira de cara a próximos proyectos.

Crítica: Viva

Héctor Medina en Viva

Héctor Medina en “Viva”. Fuente: Betta Pictures

No tiene que haber sido muy fácil para el director irlandés Paddy Breathnach el rodaje de ‘Viva‘. Se ha atrevido con un drama en español sobre la homosexualidad y la paternidad localizado en La Habana. El que en su día fuera uno de los jóvenes directores europeos con mayor proyección tras varios reconocimientos en el Festival de San Sebastián, sorprende dentro de su irregular carrera con esta película que rompe esquemas.

Héctor Medina destaca en su papel de Jesús, jóven huérfano y homosexual que busca su hueco en la vida dentro de la difícil ciudad. Cuando parece haberlo encontrado aparece su padre, interpretado por Jorge Perugorría, un famoso exboxeador del que no tenía noticia desde su infancia y creía muerto. Acaba de salir de la cárcel y necesita un sitio donde vivir. Abruptamente se han convertido en padre e hijo y a ninguno de ambos le gusta lo que ve en el otro. Inmediatamente surgen los reproches del hijo abandonado y arrepentimientos por lo fallos cometidos del padre excesivamente imperfecto.

Jorge Perugorria y Hector Medina en Viva

Jorge Perugorría y Héctor Medina en “Viva”

El jóven Jesús parece haber encontrado su lugar actuando en un club de transformismo en La Habana. Vestido de mujer interpretando a cantantes como Zoraida Marrero o Rosita Fornés es feliz y además le permite llevar una vida decente para la cruda realidad cubana. El dueño del local, magníficamente interpretado por Luis Alberto García, desde la sabiduría de la experiencia le ayudará a luchar por su sueño en contra de las ideas retrogradas de su padre.

La maravillosa La Habana con sus tejados destartalados y su paredes desconchadas es el escenario ideal para esta película que refleja la cruda realidad de lo que supone el abandono en sus múltiples facetas. Laurent Cantet ya lo hizo con ‘Regreso a Ítaca’. Canciones como ‘El amor‘ interpretada por Massiel o ‘Como cualquiera’ cantada por Annia Linares son el mejor acompañamiento para una trama engarzada al descubrimiento personal, el amor y la vida.

Lo que nos cuenta Paddy Breathnach en ‘Viva’ ya lo hemos escuchado en otras ocasiones, pero nunca antes lo habíamos visto de esta manera tan particular. No es una película perfecta, desde luego, pero gracias a este tipo de cintas vemos cierta esperanza frente a la estandarización del cine contemporáneo. Lo que cuenta, dónde y cómo lo cuenta bien vale una visita al cine.

Crítica: Demolición

Demolición dirigida por Jean-Marc Vallée

Escena de “Demolición” dirigida por Jean-Marc Vallée. Fuente: F&P Media

Hace más de una década, Jean-Marc Valléed realizaba ‘C.R.A.Z.Y.’, una película que sorprendía por su cruda honestidad y que en cierto modo dejaba entrever el estilo del director canadiense. Basta ver títulos como ‘Dallas Buyers Club‘ y ‘Alma salvaje‘ para llegar a entender el desasosiego vital del personaje de su última película: ‘Demolición‘.

Jake Gyllenhaal, que ya nos sorprendiera muy gratamente en ‘Nightcrawler‘, da vida a un ejecutivo que lucha por encontrarse a sí mismo tras una crisis emocional a la que tiene que enfrentarse tras la repentina muerte de su mujer. Algo que se nos presenta de forma trágica, sin anestesia y desde el minuto cero. Quizás un impacto un tanto atrevido, pero que en el transcurrir de la película llegamos a comprender y que determinará los acontecimientos posteriores.

Jake Gyllenhaal en Demolición

Jake Gyllenhaal en “Demolición”. Fuente: F&P Media

La cámara busca incesantemente transmitir emociones, quizás lo consigue por momentos, pero es innegable que en algunas escenas se pierde en un laberinto de díficil salida. La imposibilidad de construir un relato veraz es un lastre que nos obliga, sin posibilidad de escapatoria, a enfrentarnos con cierto escepticismo a la vida de los personajes de este relato familiar. Una película, que necesita de un público dispuesto a dejarse llevar para no ser víctima de la propia demolición emocional.

Jean-Marc Valléed es todo menos tibio. Es capaz de mostrarnos sin rubor las contradicciones de sus personajes. En este sentido, hay una astuta precisión, ya que la historia parece exenta de cualquier prejuicio moral y nos explota en la vista. Tras las formas brutales y explícitas se esconde un furioso desahogo contra los convencionalismos sociales. Solo por esto y por ver a un actor con tanta química como Jake Gyllenhaal merece la pena esta propuesta cinematográfica tan subversiva.

El cine de Scorsese y Kubrick juntos en este increíble video

Kubrick y Scorsese

Somos confesos admiradores del cine de Scorsese y Kubrick. Por eso, al descubrir este montaje que enfrenta planos de películas de estos dos maestros no hemos podido evitar compartirlo. Hace seis años se le ocurrió al brasileño Leandro Copperfield, un usuario de Vimeo, subir a su canal este video que mezcla imágenes, entre otras, de películas de la talla de ‘Lolita’, ‘El resplandor’, ‘Taxi driver‘ o ‘Uno de los nuestros’.

Valiéndose de similitudes y de escenas con puntos en común de la cinematografía de cada director consigue realizar un montaje de más de siete minutos. Un homenaje a dos grandes del cine que merece la pena ver. Tal ha sido su difusión, que hasta el propio Scorsese llegó a ver su montaje y le envió un mensaje en video que el usuario compartió también en su canal.

En su agradecimiento, Scorsese le dice “vi el video que hiciste de las cosas que he hecho con las del maestro Stanley Kubrick y me pareció muy bien hecho, sorprendente y muy disfrutable. Quería ver más”.

Aquí puedes ver el video con el mensaje del propio Martin Scorsese.

 

7 películas para descubrir el mundo de la moda

cine y moda

La moda y todo el mundillo que la rodea es uno de los grandes intereses de la sociedad actual. Con admiradores y detractores casi a partes iguales. Hay muchas películas que tratan de mostrarnos sus entresijos desde muchos puntos de vista, mostrándonos cómo funciona, las vidas de los grandes protagonistas o cómo se ve la moda desde fuera y cómo influye en el ciudadano de a pie. Aquí hacemos una recopilación de siete de las películas más representativas de la alta costura.

1.- El diablo viste de Prada. Dir. David Frankel

El diablo viste de Prada

Esta película nos cuenta cómo Andy (Anne Hathaway), una periodista que consigue un puesto de ayudante en la que es la revista de moda más influyente, trata de adaptarse a su nuevo trabajo. Su jefa, Miranda Priestly, interpretada por Meryl Streep es el principal foco de todos sus problemas, un personaje que ha creado mucha controversia ya que se cree que está basado en la propia Ana Wintour, directora de la revista Vogue, que al igual que la Miranda de Runway del filme es conocida por su mal carácter y los excesos a los que somete a sus trabajadores. El papel le valió la nominación al Oscar a Meryl Streep. La película está basada en una novela con el mismo nombre escrita por Laura Weisberger. Se cree que la novela es medio ficción, medio autobiográfica y se basa en la experiencia que tuvo la autora al trabajar en la revista Vogue, pero ella no lo ha reconocido abiertamente. ‘El diablo viste de Prada‘ nos presenta el mundo de la moda como una locura frenética e insana que deja a un lado los principios morales.

2.- Coco, de la rebeldía a la leyenda de Chanel. Dir. Anne Fontaine

Coco, de la rebeldía a la leyenda de Chanel

Un biopic protagonizado por Audrey Tautou que nos cuenta cuál fue la historia de Coco antes de convertirse en la marca que inspiraría a millones de mujeres en el mundo. En la película se puede ver la evolución de Coco Chanel, desde que fue abandonada por su padre en un orfanato junto a su hermana y cómo fue su vida, los amigos que hizo y cómo pudo llegar a París. Una historia tanto de amor como de la superación de una mujer que no encajaba en los cánones de la época en la que vivía, pero que con perseverancia consiguió hacerse notar y transmitir su concepto de elegancia hasta que este caló al mundo entero marcando un hito en la alta costura.

3.- Confesiones de una compradora compulsiva. Dir. P.J. Hogan

Confesiones de una compradora compulsiva

Esta película nos muestra otra parte del mundo de la moda, más bien cuáles pueden ser sus consecuencias para una persona cualquiera si se llega a una obsesión extrema por él. ‘Confesiones de una compradora compulsiva’ narra las andanzas de Rebecca Bloomwood, interpretada por Isla Fisher, una adicta a las compras con una deuda inabarcable, que huye de su cobrador y que intenta conseguir un trabajo en la revista de moda Alette. Para conseguirlo empieza trabajando en una revista de la misma editorial aconsejando a la gente cómo administrar su dinero. Una comedia romántica como tantas, entretenida aunque más que predecible con el aliciente de la moda para aquellos que no puedan resistirse a ver un desfile de color.

4.- Yves Saint Laurent. Dir. Jalil Lespert

Yves Saint Laurent

Otro biópic de otro de los grandes diseñadores, Yves Saint Laurent, en esta ocasión la película se centra en su etapa como diseñador, dejando al margen los inicios de su vida. Conocemos a un Yves ya adulto aunque aún algo ingenuo que se adentra en un mundo no solo de fama y moda, sino de drogas, sexo y alcohol, que junto a la presión laboral y mediática acaban transformando gradualmente al personaje. Se nos muestra la evolución del trabajo de Saint Laurent, interpretado por Pierre Niney, desde que empieza supervisando la casa Dior hasta que se emancipa y dirige su propia casa. Todo comentado en tercera persona por la que fue su pareja y socio de negocios desde entonces hasta su muerte, Pierre Bergé, interpretado por Guillaume Gallienne.

5.- Prêt-à-Porter. Dir. Robert Altman

Prêt-à-Porter

Una película que cuenta las vidas de muchos personajes que se van entrecruzando por unos u otros motivos, como un Love Actually cuyo contexto en lugar de la Navidad es la moda. Repleto de actores muy reconocidos como Sophia Loren, Julia Roberts, Tim Robbins, Rupert Everett, Kim Basinger o Lauren Bacall entre otros. Nos cuenta lo que le ocurre a un circulo de diseñadores, fotógrafos, modelos y periodistas en la semana de la moda de París con un sin fin de problemas amorosos entre pasarela y pasarela, y alguna que otra traición o rebelión. Nos muestra el mundo de la moda como un negocio en el que cada uno vende la cabeza de su vecino para subir un escalón más y colocarse en lo más alto.

6.- Clueless (Fuera de onda). Dir. Amy Heckerling

Clueless (Fuera de onda)

Una visión de la moda desde la cabeza de una adolescente de los años ochenta, que ve la moda como indicador del status quo y herramienta para adquirir popularidad. Si hay algún fan de Jane Austen le gustará saber que la película es una adaptación moderna de su novela Emma. ‘Cluelesses todo un hito del cine adolescente en la que dos amigas de un instituto estadounidense deciden adoptar a una nueva alumna y transformarla, como si estuvieran realizando una obra social, para que encaje en los estándares de popularidad del  instituto, enseñándole cómo vestir en primer lugar pero también dónde ir, con quién juntarse y practicamente cómo pensar.

7.- Una cara con ángel. Dir. Stanley Donen

Una cara con ángel

Finalmente, uno de los grandes clásicos del cine hollywoodiense, dirigido por Stanley Donen. Se trata de un musical en el que Audrey Hepburn da vida a Jo, una librera que de pronto y por culpa de un fotógrafo, interpretado por Fred Astaire, se ve inmersa en una campaña de moda para la revista Quality, una de las más influyentes del sector, para ser la nueva imagen de la revista y de toda una nueva colección. La película es menos crítica que otras de las ya mencionadas con el mundo de la moda aunque si muestra su ritmo frenético y una cierta locura patente en todos los que forman parte de él. Obtuvo cuatro nominaciones a los Oscar: guión original, fotografía, diseño de producción y vestuario. Una de las últimas representaciones del Star System y de la época dorada del cine estadounidense.

Crítica: Desde allá

Luis Silva y Alfredo Castro en Desde allá

Luis Silva y Alfredo Castro en “Desde allá”. Fuente: Caramel Films

Desde allá‘, dirigida por el director de cine venezolano Lorenzo Vigas, viene avalada por el León de Oro que ganó en la edición de la Mostra de Venecia del 2015. Un reconocimiento insólito, ya que en las 72 ediciones de este prestigioso festival de cine nunca una película latinoamericana había ganado la máxima distinción. Méritos no le faltan a una historia que pone al descubierto lo enfermiza y dependiente que pueden ser las relaciones humanas.

Vigas refleja con acierto la historia de Armando, un hombre de mediana edad que busca, en medio de un espacio en crisis como Caracas, a chicos jóvenes para satisfacer sus fantasías sexuales. En este punto, hay mucho de voyerismo en la película, ya que en todo momento se subraya la importancia que tienen las miradas y el hecho de ver y no ser observado.

El director persigue con la cámara a sus personajes, llegando a filmar con pasión sus miradas, sus miedos, hasta conseguir arrebatarles lo más íntimo a los personajes. La interpretación de Alfredo Castro, memorable como cura en ‘El club’ de Pablo Larraín, es aquí digno de todos lo elogios. También el joven Luis Silva, que logra transmitir con mucha fuerza a ese delincuente callejero carente de afecto, de padre, y que nunca ha tenido cuidados ni amor.

Desde allá dirigida por Lorenzo Vigas

Escena de “Desde allá” dirigida por Lorenzo Vigas. Fuente: Caramel Films

Desde allá‘ analiza los deseos e impulsos de dos personas que luego se convierten en todo lo contrario de lo que anhelaban, no tanto por culpa del azar como de una serie de decisiones irreflexivas que construyen la verdadera razón de la película. Astuta la manera en la que se vale del amor y sus máscaras para presentarnos las contradicciones de Alfredo y Elder.

Por otro lado, se echa en falta que la relación de Armando con su padre no esté lo suficientemente explorada para llegar a identificarnos mejor con el personaje y entender su forma de actuar. Quizás estemos ante la historia de una venganza, pero con un trasfondo que deja muchos vacíos. Aún así, nos adentramos en el universo que nos propone el director y dotamos de credibilidad a una película con algunas zonas opacas. Aunque es evidente que el final por el que se opta no deja de ser de lo más oportunista, el cuál deja entrever las debilidades de un director primerizo.

Una ópera prima que pone en evidencia las fronteras entre deseo, amor y amistad a partir de las necesidades de los propios protagonistas. Con más virtudes que desaciertos, el filme logra transmitir desde una particular visión la sordidez, soledad y desesperación que existen a veces en las relaciones humanas. Para ser su primera película, Lorenzo Vigas apunta maneras. Es inevitable que deseemos ver ya su próximo trabajo, quizás más maduro.

Crítica: Las mil y una noches: vol. 3, El embelesado

Las mil y una noches: Vol.3, El embelesado

“Las mil y una noches: Vol.3, El embelesado” dirigida por Miguel Gomes. Fuente: Golem

Tras las dos primeras partes (‘El inquieto‘ y ‘El desconsolado‘, respectivamente), Gomes finaliza su titánico proyecto con ‘El embelesado‘, tercera y última parte de ‘Las mil y una noches‘. La película comienza contando la historia de Sherezade, quien deja de ser únicamente la narradora para convertirse en la protagonista, que duda de su capacidad de no complacer al rey con sus historias, y por ello, se escapa de palacio dispuesta a recorrer el reino en busca de placeres y embeleso.

Es posible que esta primera parte de película sea lo mejor que nos ha dado toda la trilogía. Es un despliegue visual y de inventiva ante el cual no es difícil caer embelesado. Como en las anteriores entregas, aquí Gomes vuelve a mezclar el pasado con el presente, logrando llegar a un nivel narrativo de muy alta calidad, que funciona a la perfección. Es curiosa la manera que tiene de relacionar la cultura oriental con zonas poco desarrolladas en el mundo occidental.

En el tiempo en el que se nos presenta a Sherezade una vez huye de palacio, la gente vive aparentemente sin preocupaciones, en un espacio idílico. Para conseguir esto, se hace un uso particular de la música, que dota a las imágenes de más magnetismo aún del que ya tienen de por sí. Imprescindible destacar la fotografía, que sabe adaptarse maravillosamente a cada una de las historias que se nos cuentan. Si lo que quiere lograr es que el espectador se encuentre en una sensación que haga honor al título de la película, lo consigue.

Las mil y una noches: Vol.3, El embelesado

“Las mil y una noches: Vol.3, El embelesado”. Fuente: Golem

La historia de Sherezade concluye cuando se sube con su padre, el gran visir, a la noria. A partir de ahí empezará a narrar el embeleso de unos hombres hacia sus competiciones de pájaros en un barrio de chabolas de Lisboa. Ponen todo su esfuerzo y dedicación en cuidar de los pájaros. Irónicamente, las competiciones de su canto se realizan al lado de un aeropuerto.

Es cierto la segunda parte del filme se nota al final un pelín alargada, pero no llega en ningún momento a resultar un lastre para la película. Se agradecen los cambios con respecto a las anteriores historias. En esta, Sherezade no narra a través de la voz en off, sino que aparecen en pantalla textos escritos por ella. Un recurso nada convencional que corre el peligro de cansar, pero no considero que llegue a hacerlo.

Por otro lado, es imposible obviar la importancia que Gomes da a los animales en casi todas las historias que forman ‘Las mil y una noches‘. Hace una representación simbólica de cada uno de ellos, y que sin ninguna duda, requerirá de una revisión completa de la saga para descubrir más detalles en profundidad respecto a este tema. Si en las anteriores películas los protagonistas habían sido camellos, un pollo, una vaca representada de manera teatral y un perro; en esta ocasión son los pájaros los que están presentes en la mayoría del metraje.

El realizador portugués termina su monumental proyecto con un capítulo a la altura de los anteriores. ‘Las mil y una noches‘ forma parte de un todo que es difícil separar. Es posible que nos encontremos ante la parte menos redonda de las tres aunque cuente con algunos momentos verdaderamente excepcionales, pero el conjunto es irreprochable. Miguel Gomes se consolida como uno de los cineastas más interesantes a tener en cuenta, aportando al cine con estas películas una experiencia insólita y que merece ser vivida. Cada película suya debería ser una cita obligada para cualquier cinéfilo.

Crítica: Mi “perfecta” hermana

Mi perfecta hermana (My Skinny Sister)

Escena de “Mi perfecta hermana” dirigida por Sanna Lenken. Fuente: Splendor Films

Mi perfecta hermana‘ es el primer largometraje de la directora sueca Sanna Lenken, que en esta película nos narra el conflicto de Stella, una chica preadolescente que descubre que su hermana mayor Katja, a quien admira enormemente, padece un trastorno alimentario. Katja se dedica al patinaje artísitico, y se exige demasiado, hasta el punto de dejar de comer, o comer y después vomitar. Cuando Stella se da cuenta de ello cree que debe contarlo, pero su hermana le obliga a no hacerlo.

La manera que tiene la película de plasmar el universo femenino de forma sensible y ponerse en el punto de vista de una niña de unos doce años y hacerlo tan creíble, es cuanto menos admirable. La cámara está siempre con Stella, y eso creo que es un gran acierto de la película, ya que si se hubiera narrado de manera omnisciente, habría querido abarcar más sin aportar absolutamente nada. Así, lo que consigue es meternos en el universo de Stella, y que comprendamos perfectamente el drama al que ella está sometida, y lo que es mucho más grave, que es el drama por el que está pasando su hermana. Si esto es posible es también gracias a una actriz que derrocha carisma y talento, que además está apoyada por un gran elenco de secundarios.

Mi perfecta hermana dirigida por Sanna Lenken

Amy Diamond y Rebecka Josephson en “Mi perfecta hermana”. Fuente: Splendor Films

Lenken, sin embargo, hace notoria su falta de experiencia tras las cámaras con algunos detalles que lastran considerablemente la narración. El uso del fuera de foco no está del todo logrado, ya que más que aportar algo, entorpece el trascurso de la película. Claramente es una decisión de estilo, que habrá a quien no le moleste en absoluto, pero que a mí particularmente lo único que consigue es distancia, cuando creo que el objetivo buscado es el contrario.

También, a la hora de tratar una enfermedad como la anorexia, lo hace de forma demasiado tosca. Al igual que la relación entre las hermanas es algo que está contado con mucha sensibilidad, para abordar este tema tan delicado falla, cayendo en tópicos y siendo a veces demasiado obvia.

Es una pena, que ‘Mi perfecta hermana‘ en ningún momento consiga que el espectador llegue a empatizar plenamente con Katja, porque creo que con otra visión, el resultado hubiera sido más positivo. No es hasta el final cuando el filme muestra su baza más perturbadora, pero llega tarde y ocurre rápido. Necesitaba más desarrollo, más complejidad y más corazón.

Aún así, es un debut interesante y que pone a su directora en el punto de mira para futuros proyectos. Espero que los siguientes sean más redondos. Confío en ello.

10 finales de películas que nunca olvidaremos

finales de películas

El momento crítico de una película llega con el final, ese temido desenlace que a veces funciona y a veces no. Es aquí donde un director de cine se la juega al todo o nada. Se trata de una responsabilidad que cae en manos del guionista e incluso del productor de la película, pero que puede echar por tierra toda la carrera cinematográfica de un director. La historia del cine está plagada de finales memorables y dignos de todos nuestros elogios. También hay finales de películas flojos y artificiales que no funcionan, una verdadera decepción en lugar de una inyección de adrenalina para el espectador.

¿Cuál es el mejor final de una historia? ¿Cómo se resuelve con eficacia? ¿Hay que dejar vivir al protagonista o matarlo? Lo normal es que se imponga el final cinematográfico más canónico posible que, por otro lado, muchos espectadores ansían. En nuestro caso, tenemos que confesarlo, nos encantan los finales con un buen estacato final, y nos resultan fascinantes los ‘unhappy ending’ que te obligan, por lo menos, a reflexionar.

En el siguiente video (no apto para quiénes no hayan visto las películas) pueden ver una lista de 10 grandes finales de película. A cada final se le otorga una categoría. Desde el remate simbólico en ‘2001: Una odisea del espacio’ de Stanley Kubrick o ese momento culminante con el giro al término de Inception de Christopher Nolan. Entre otras películas vemos los finales de ‘Un tipo serio’ de los hermanos Coen; ‘Gangs of New York‘ del maestro Scorsese; ‘El Club de la lucha’ de Fincher o el final tan sorprendente de la mítica ‘Casablanca’.

¡Que lo disfruten! Muy pronto hablaremos de la malsana costumbre de algunos cines de encender la luz con la aparición de los títulos de crédito, el verdadero final de una película y donde la banda sonora cobra un solitario protagonismo.

Crítica: Lobo (Theeb)

Escena de Lobo

Escena de “Lobo” dirigida por Naji Abu Nowar. Fuente: Film Buró

Lobo‘ es toda una sorpresa cinematográfica. Naji Abu Nowar, director británico de origen jordano, ha logrado con este trabajo el premio al Mejor Director en el Festival de Venecia en la sección Horizontes de 2014 y además su película estuvo nominada al Oscar de habla no inglesa en el año 2015. Un gran éxito teniendo en cuenta que se trata de su primer largometraje.

La película nos traslada a Oriente Medio del año 1916, cuando el Imperio Otomano estaba a punto de caer y ya era la sombra de lo que había llegado a ser. El maravilloso desierto de Wadi Rum en Jordania es un personaje más en esta historia reflejo de las costumbres y cultura beduina. Comunidad con los pies descalzos sobre la arena, conversaciones alrededor de una hoguera y comprometida con sus tradiciones. Una tribu en medio de un polvorín donde los hechos históricos se suceden.

Jacir Eid Al-Hwietat en Lobo

Jacir Eid Al-Hwietat en “Lobo”. Fuente: Film Buró

‘Lobo’ es una película mezcla de aventuras, Historia y naturaleza protagonizada por actores beduinos no profesionales donde destaca la mirada del protagonista Jacir Eid Al-Hwietat. Éste interpreta a Theeb (Lobo), un niño que aprende gracias a su hermano cómo ser un buen beduino. Enseñanzas que le permitirán ser un auténtico morador del desierto, orgulloso miembro de su tribu y que cuando surgen los problemas le permitirá salir adelante solo y por su cuenta.

La quietud de sus vidas desaparece cuando haciendo gala de la hospitalidad beduina, el hermano de Theeb debe guiar por el desierto a un Oficial del Ejército Británico que de repente aparece en su tienda. La travesía se sabe que es peligrosa debido a los bandidos y revolucionarios que transitan por el desierto. El pequeño protagonista no duda en seguirles en secreto hasta que los alcanza y se une a la expedición. Los problemas no tardan en aparecer y Theeb debe luchar por su supervivencia. Una odisea dramática realmente emocionante que le permite demostrar el honor y lealtad de un verdadero beduino.

La cuidada fotografía evoca a la de ‘Timbuktú‘ por su excelente utilización de los paisajes desérticos y su luz. Pese a sus muchas virtudes, quizás nos hubiera gustado que la película nos mostrara el conflicto dramático antes y que no tuviera un final tan precipitado. Aún así, ‘Lobo’ es una gran historia que merece ser vista. Testimonio de que no hay región tranquila en tiempos de guerra, de la pérdida de la inocencia así como de la lucha de un pueblo por la permanencia de sus costumbres.

Crítica: Las mil y una noches: vol. 2, El desconsolado

Las mil y una noches: Vol.2, El desconsolado

“Las mil y una noches: Vol.2, El desconsolado” dirigida por Miguel Gomes. Fuente: Golem

El desconsolado” es la segunda parte de la trilogía de Miguel Gomes sobre la crisis económica portuguesa inspirada en la estructura de la célebre obra anónima ‘Las mil y una noches’. Si en el volumen 1 hablaba de la inquietud que se apoderó del país con la llegada de la crisis, esta trata sobre el desconsuelo que invadió a la gente.

La película comienza con la historia de Simao el sin tripa, un hombre que ha cometido un crimen y huye recorriendo el país por zonas rurales. Se podría decir que es una especie de western en solitario. Prácticamente toda la historia pertenece por completo a Simao, y la voz en off de Sherezade nos irá narrando en algún momento, acontecimientos que el espectador necesita conocer. La realidad se entremezcla con sueños sobre hermosas mujeres que cocinan para él, creando una sensación cercana al realismo mágico. Todo está narrado con verdadera vocación poética, consiguiendo imágenes de gran belleza visual, sin abandonar nunca el entorno pobre y precario en el que se mueve el protagonista.

La segunda historia, probablemente la más inusual, viene precedida de una especie de prólogo en la que una hija tiene una conversación con su madre por teléfono tras haber perdido la virginidad. La madre resulta ser la jueza, la protagonista de este segundo bloque, que consta de una larguísima secuencia: un juicio de lo más surrealista, que no renuncia en ningún momento al humor absurdo y patético ni tampoco a hacer una crítica mordaz a la sociedad portuguesa. Ricos y pobres; buenas y malas personas, todos ellos quitándose las culpas y echándoselas a otro… Esto hará que la jueza termine por explotar. La historia se cierra con un epílogo impredecible y memorable.

Las mil y una noches: Vol.2, El desconsolado

“Las mil y una noches: Vol.2, El desconsolado” . Fuente: Golem

El tercer acto nos presenta las vidas de las personas que viven en un edificio a las afueras de la ciudad. Aquí es donde aparecen las más graves consecuencias de la crisis económica. El protagonista es un perro, Dixie, capaz de dar un amor incondicional a todos los dueños que ha tenido, pero también con capacidad para olvidarlos rápidamente. A través de Dixie, Gomes nos cuenta las miserias y las dificultades personales y económicas de los habitantes, explorando de manera sutil y brillante las relaciones humanas. Esta historia tiene la particularidad de que se desdobla en muchos otros cuentos, la mayoría meras anécdotas que aportan solidez al conjunto.

Miguel Gomes nos ofrece una de las mejores y más extrañas experiencias cinematográficas que se recuerdan. Películas dotadas de un talento inmenso, y que permanecen contigo, pues todo el mundo puede sentirse reflejado en ellas. Es imposible no rendirse ante la valentía del cineasta, capaz de sacar adelante un proyecto tan ambicioso y arriesgado, que rezuma vida y verdad. Una maravillosa sátira de nuestro tiempo, desesperanzada y esperanzadora. Puede parecer una contradicción, y en efecto, lo es, ¿pero acaso la vida no está repleta de contradicciones?

Crítica: Fatima

Soria Zeroual en Fatima

Soria Zeroual en “Fatima”. Fuente: Surtsey Films

Fátima‘ dirigida por Philippe Faucon cuenta las experiencias de una familia musulmana en Francia, una madre, que no conoce el idioma, y sus dos hijas. El guión se basa en la novela autobiográfica ‘Prière á la lune’ (Rezar a la luna) escrita por la marroquí Fátima Elayoubi y la película fue la clara ganadora este año de los premios Cesar del cine francés.

La historia se basa en el día a día de una madre que lucha por dar un futuro prometedor a sus hijas enfrentándose a la discriminación del país en que reside, los prejuicios de su propia cultura y la sociedad a la que pertenece. Fatima trabaja como limpiadora en múltiples empleos, tratando de ganar todo el dinero que puede para pagar las necesidades de sus hijas, la mayor acaba de entrar en el primer curso de medicina en la universidad, la pequeña está aún en el instituto.

Escena de Fatima de Philippe Faucon

Escena de “Fatima” de Philippe Faucon. Fuente: Surtsey Films

Ambas hijas tienen roles totalmente opuestos, la mayor apoya a su madre y es consciente del esfuerzo que esta hace por ellas, y trata de recompensárselo aplicándose en sus estudios. El hecho de que sea universitaria despierta la envidia de las vecinas del barrio que comienzan a acusarla de creerse superior y se inventan rumores sobre ella. Por el contrario, la hija menor odia la situación en que se encuentra su familia y lo paga con Fatima con peleas constantes llegando a tacharla de ignorante y de mula por el exceso de trabajo. Claro reflejo del choque entre las culturas musulmana y occidental y el drama inmigrante, algo que el cine francés ya nos tiene acostumbrado con obras como ‘Girhood‘ y la ganadora en 2015 de la Palma de Oro en Cannes, ‘Dheepan‘.

Fatima’ muestra las dificultades de adaptación de una familia musulmana en Francia de una forma, tal vez más suave de lo que cabría esperar, y con una visión muy optimista e inspiradora que invita a la acción. La propuesta abarca muchas pequeñas tramas, muchos aspectos que proyectan de forma amplia y concisa los problemas que se representan, pero que a su vez hacen que el filme pueda parecer inconcluso. Es admirable la sencillez y honestidad con la que se cuenta la historia, sin aditivos, un pedazo de realidad que servirá para que muchos hagan una primera toma de conciencia con el problema.

Crítica: Las mil y una noches: vol. 1, El inquieto

Las mil y una noches: Vol.1, El inquieto

“Las mil y una noches: Vol.1, El inquieto” dirigida por Miguel Gomes. Fuente: Golem

Las mil y una noches‘ es un proyecto enormemente ambicioso dirigido por el director portugués Miguel Gomes (‘Tabú‘) que consta en su totalidad de más de seis horas de metraje. Sin embargo, está dividida en tres partes de dos horas aproximadamente cada una. La primera de ellas se titula ‘El inquieto‘, y nos presenta a un director (el propio Miguel Gomes) decidido a rodar una serie de historias sobre la crisis económica que afectó a Portugal tras el acuerdo con la Troika en 2014 a llevar una política de recortes.

Incapaz de conseguir el resultado que busca, huye y deja a Sherezade como narradora, quien intentará no aburrir al rey con sus historias. La película no es una adaptación de Las mil y una noches, sino que se basa en su estructura, contándote una historia a partir de otra diferente, y mezclando el pasado con el presente con una agilidad magistral.

El prólogo comienza siendo una especie de documental sobre los astilleros, pero va evolucionando según Miguel Gomes intenta encontrar el significado para su película. Dura aproximadamente media hora, y es cierto que resulta de lo más desconcertante, pero una vez terminada la película te das cuenta de que era absolutamente necesario. Una vez que Gomes huye y Sherezade se apodera de la narración es cuando verdaderamente comienza el filme. A partir de aquí, asistimos a una sucesión de relatos, a cada cual más exótico y divertido, que plasman con pesimismo y mucho humor, las consecuencias de la crisis económica en Portugal.

Las mil y una noches: Vol.1, El inquieto

“Las mil y una noches: Vol.1, El inquieto” dirigida por Miguel Gomes. Fuente: Golem

Son historias que a veces incluso rozan el absurdo, pero que funcionan inmejorablemente, resultando algunas divertidísimas, pero siempre haciendo al espectador reflexionar sobre la grave situación del país y el porqué de ella. En uno de los relatos, se representa a políticos poderosos, que tras encontrarse con un brujo, se quedan con una erección permanente e imposible de disimular. Podemos escuchar frases como “El mundo gira alrededor de nuestros penes”, que no deja de ser una crítica mordaz y satírica de que los que nos gobiernan pueden hacer exactamente lo que les plazca sin preocuparse lo más mínimo por el bien del pueblo.

Y así, podríamos ir enumerando cada uno de los momentos de genialidad que tiene la película y no terminaríamos nunca. Es un filme lleno de ideas inagotables, de ingenio y de gracia. Y una de las propuestas más valientes y arriesgadas que se recuerdan, que si bien, no gustará a todos los públicos, ya que es probable que los espectadores menos pacientes puedan sentirse irritados durante su visionado, pero si conectas con la insólita puesta en escena de Gomes y te dejas llevar, saldrás recompensado.

Las mil y una noches: volúmen 1, El inquieto‘ es una de las grandes películas de lo que llevamos de año, de las que poseen tanta fuerza que es imposible quitárselas de la cabeza. Ganadora del Giraldillo de Plata en 2015 en el Festival de Cine Europeo de Sevilla, parece casi un milagro que haya llegado a nuestras carteleras, y como cinéfilos que somos, no nos queda otra que celebrarlo yendo al cine a disfrutar, a sorprenderse y a sentir nuevas y únicas sensaciones que nos llegan desde el país vecino.

Cine made in USA que no te debes perder este verano

Estrenos del verano 2016

Este verano viene cargado de películas estadounidenses que despiertan expectación, bien por la historia que cuentan, por sus actores o por esperar ver, de nuevo, un buen trabajo del director. Sea por la razón que sea, aquí va una selección de cinco estrenos muy esperados, al menos, por mí. Y como una imagen vale más que mil palabras, la descripción de la película viene acompañada de su correspondiente tráiler, para ir despertando aún más el interés.

1.- Demolición. Dir. Jean-Marc Valleé

El canadiense Jean-Marc Valleé cuenta con Jake Gyllenhaal para este drama llamado ‘Demolición’. Interpreta a un banquero que pierde a su esposa tras un trágico accidente de tráfico. En shock por este inesperado suceso establece una extraña relación epistolar con la empleada de atención al cliente de una empresa de venta automática, interpretada por Naomi Watts. Tras dirigir ‘Alma salvaje‘, Valleé vuelve a interesarse por el retrato de las emociones humanas extremas. ‘Demolición’ es algo así como una montaña rusa emocional que transita entre lo hilarante y la devastación.

2.- Captain Fantastic. Dir. Matt Ross

Captain Fantastic‘ del actor y realizador Matt Ross gustó mucho en Sundance y fue galardonado con el premio a Mejor Director de Cannes 2016 (Un Certain Regard). Cuenta con Viggo Mortensen como padre de seis hijos que ha pasado diez años viviendo en los remotos bosques del oeste de Estados Unidos. Un día la familia debe abandonar su paraíso para volver a la civilización y adaptarse a la sociedad moderna, algo que no les va a resultar nada fácil. Las dificultades surgen, no solo por su vida en aislamiento, sino también por la estricta formación en cuestiones no muy prácticas para vivir en la gran ciudad que los seis chicos han recibido.

3.- Money Monster. Dir. Jodie Foster

Jodie Foster regresa a la dirección cinematográfica después de la controvertida ‘El castor‘, con la que la niña prodigio del cine no dejó indiferente a nadie. La siempre efectiva Foster cuenta con una pareja de lujo que seguramente le proporcionará una de las mejores taquillas de este verano: George Clooney y Julia Roberts. Clooney es un famoso presentador de televisión conocido por ser un gran entendido en inversiones y Wall Street. Pero un mal consejo, en el cual un inversor pierde el dinero de toda su familia, desencadena su secuestro durante la emisión en directo de su programa.

4.- Jason Bourne. Dir. Paul Greengraass

Muchas ganas de ver la última secuela de esta maravillosa saga de acción. El británico Greengrass vuelve a ocuparse de las aventuras de Jason Bourne, de nuevo encarnado por Matt Damon, y contará con una de las estrellas del momento: Alicia Vikander. Tras su éxito con ‘El capitán Phillips‘, Greengrass deja muy clarito que es de los pocos que convierten un buen material de acción en un thriller trepidante y coherente.

5.- El caso Fischer. Dir. Edward Zwick

El caso Fischer‘ narra la historia de la preparación y del legendario enfrentamiento por el campeonato del mundo entre Bobby Fischer, campeón de ajedrez norteamericano, y el campeón soviético Boris Spassky. El duelo, que tuvo lugar en 1972, en plena Guerra Fría, fue mucho más que un conjunto de partidas para conquistar un campeonato; prueba de ello es que captó la atención televisada de todo el mundo. El director, Edward Zwick conocido entre otras películas por ‘Diamante de sangre’ y ‘Leyendas de pasión’, en esta ocasión cuenta con Tobey Maguire para interpretar al ajedrecista norteamericano y Liev Schreiber como su rival ruso.

 

Directores de cine contra la censura: Jafar Panahi

Jafar Panahi

Jafar Panahi

Jafar Panahi es uno de los directores de cine iraní más conocidos en la actualidad. Su talento ha sido internacionalmente reconocido en muchas ocasiones. Ganador en 1995 de la Cámara de Oro en Cannes por ‘El globo blanco’; León de Oro en Venecia en el año 2000 por su película ‘El círculo‘; y Oso de Oro en la Berlinale por ‘Taxi Teherán’ en 2015.

Panahi tiene una trayectoria cinematográfica que ha situado a Irán en el mapa y, sin embargo, unas convicciones políticas y sociales que le han situado en el punto de mira del gobierno de su país. Películas como la cruda ‘El círculo’ y la comedia crítica ‘Offside‘ fueron prohibidas por el Gobierno de la República Islámica al tratar de reflejar la situación de las mujeres en Irán. Pero lo peor estaba por llegar.

En las protestas electorales de Irán en 2009, un teléfono móvil graba la muerte de un disparo de la estudiante de filosofía Neda Agha-Soltan. Las fuerzas paramilitares Basij, quienes estaban a cargo de controlar a los protestantes, son las responsables de la muerte. El video rápidamente se vuelve viral y las protestas de los iraníes contra el presunto fraude electoral y el apoyo de los ciudadanos a los candidatos de la oposición, Mir Hosein Musaví y Mehdí Karrubí, acaparan minutos en los informativos de todo el mundo para fastidio de la República Islámica. Estábamos frente a la Revolución Verde Iraní, la semilla de La Primavera Árabe o el empoderamiento popular árabe a favor de la democracia y los derechos sociales.

Jafar Panahi's filmography

Filmografía de Jafar Panahi

La primera detención de Jafar Panahi se produjo precisamente mientras asistía al entierro en Teherán de Neda Agha-Soltan junto a un numeroso grupo de gente. Aunque más tarde sería liberado, se le retiró el pasaporte y se le prohibió abandonar el país. El 1 de Marzo de 2010 volvió a ser detenido junto a su mujer, hija y un grupo de amigos. Más tarde, un representante del gobierno iraní manifestó que Panahi estaba rodando una película contra el régimen, algo que la mujer de Panahi desmintió.

Tras 88 días entre rejas, y gracias al apoyo de organizaciones de derechos humanos y numerosos actores y directores de fama internacional, una declarada huelga de hambre y el pago de una cuantiosa fianza, sale en libertad. El 20 de diciembre de 2010 fue condenado a 6 años de cárcel y 20 de inhabilitación para hacer cine, viajar al extranjero o conceder entrevistas.

Pese a que Panahi apeló la sentencia, un tribunal de Teherán confirmó la pena. El delito que se le imputa es “actuar contra la seguridad nacional y hacer propaganda contra el estado”. Revelándose a esta prohibición de hacer cine, el ingenioso Panahi ha conseguido crear, desde la clandestinidad, trabajos como ‘Esto no es una película’ y ‘Taxi Teherán‘, Oso de Oro en Berlín en 2015. Trabajos que son reflejo de su actitud de insumisión ante la sinrazón y su lucha incansable por la creación cinematográfica, la libertad de expresión y los derechos ciudadanos. Todo un ejemplo para el mundo del cine.

El cine de Marvel y los cómics

En los últimos años ya es muy habitual que la cartelera se llene de películas basadas en cómics, un tipo de cine muy recurrente que tiene su público y sus detractores. Una fórmula un tanto repetitiva a la que reconocemos su mérito, sobre todo a nivel técnico, ya que en muchas de las ocasiones supone un auténtico reto transformar un cómic en una película interpretada con actores de carne y hueso, aplicándoles poderes mutantes y aspectos verdaderamente alucinantes.

A continuación pueden ver a 9 personajes del mundo del cómic en un increíble GIF, donde se muestra a simple vista las diferencias entre los personajes en los cómics y en el cine. Como se ve, en muchos casos el parecido es impresionante. ¿Cuál es tu preferid@?

Crítica: El hombre perfecto

Pierre Niney en El hombre perfecto

Pierre Niney en “El hombre perfecto” dirigido por Yann Gozlan. Fuente: Karma Films

El hombre perfecto‘, segunda película del realizador francés Yann Gozlan, es un thriller con reminiscencias al suspense de corte clásico que, a pesar de recurrir a lugares tan comunes del género, atrapa de manera perturbadora gracias a la atmósfera tan fascinante que desprende la película.

Narra la historia de Mathieu (Pierre Niney), un joven que aspira a convertirse en un escritor reconocido. Un sueño que parece inalcanzable para él, porque a pesar de todos sus esfuerzos, sus obras nunca han sido editadas. Su suerte cambia cuando se apodera de un manuscrito cuya historia se desarrolla durante la guerra de Argelia. Así, publicando el texto de otro, no solo se convierte en lo que siempre había deseado, sino que además conquista a la mujer que ama y que le parecía inaccesible.

El hombre perfecto‘ habla de las falsas identidades, de la mentira, del talento creativo, y también aporta una dimensión casi faustiana a la historia, donde el personaje está dispuesto a pactar con el diablo con tal de conseguir su sueño. Gestos como la quema de la novela o cuando destruye la foto del hombre fallecido al que roba el manuscrito es como, si en cierto sentido, se estuviera condenando. Un Fausto moderno, pero sin el componente de arrepentimiento que tiene la obra teatral de Marlowe. Lo que si comparte con el Doctor Fausto es que se trata de un hombre arrastrado por las circunstancias y envuelto en un torbellino del que sale como puede, siempre guiado por su ambición.

Pierre Niney y Ana Girardot en El hombre perfecto

Pierre Niney y Ana Girardot en “El hombre perfecto”. Fuente: Karma Films

Referencias a Chabrol con ‘El carnicero’, Jacques Deray con ‘La piscina’, Roman Polanski con ‘Cuchillo en el agua’ o la influencia de Hitchcock están presentes de algún modo en una película que se apodera de una dimensión de extrañeza y estupefacción que nos encanta ver en el cine. Una puesta en escena muy pausada y al servicio de la subjetividad de Mathieu, personaje interpretado con mucho talento por Pierre Niney. Los travellings en donde la cámara sigue a Mathieu de espaldas nos muestran siempre lo que él ve para hacernos sentir el estrés y la paranoia de un protagonista de una extraordinaria complejidad.

Y extraordinario también el conocimiento de la mecánica del suspense por parte de Yann Gozlan, ya que consigue crear un contraste entre el infierno que vive el personaje, la tensión que le mueve, y el esplendor de lo que le rodea. Una película donde el abismo entre lo posible y lo real resulta devastador. ¿Cuando sobrepasa Mathieu el punto de no retorno? Jamás estamos seguros, y es esta desasosegada incertidumbre la que hace tan insoportablemente trágica la historia que condena al protagonista.

Una reflexión sobre el misterio mismo de la creación, del miedo a la falta de ideas y de las consecuencias imprevisibles que provocan nuestros actos. Una película fascinante sobre la identidad que no aspira a la perfección a pesar de su refinado estilo.

5 películas que me gustaría ver en Cannes

Festival de Cannes 2016

Mientras escribo este post se está celebrando en la ciudad francesa de Cannes el festival de cine más importante del mundo (este año del 11 al 22 de mayo). Como no hemos podido asistir al Festival de Cannes, al igual que como hicimos con la Berlinale, os dejo cinco películas que de estar allí, vería sin duda, y que en cuanto tenga la oportunidad, veré.

1.- Toni Erdmann (Alemania) Dir. Maren Ade

Toni Erdmann dirgida por Maren Ade

La directora alemana Maren Ade presentó su tercera película este año en la tercera jornada del festival, causando verdadero furor entre la prensa especializada. Se trata de una cinta de una duración que se aproxima a las tres horas en la que se narra una relación paterno-filial. Al parecer, durante su proyección, hubo dos ovaciones y multitud de carcajadas. Algunos indican que casi seguro tendrá un hueco en el palmarés. Una propuesta diferente, y sorprendente que no ha dejado indiferente a nadie en la cita francesa. Casi con total seguridad llegará a España, lo que no sabemos aún es cuándo, pero estaremos atentos.

2.- Sieranevada (Rumanía) Dir. Cristi Puiu

Sieranevada dirigida por Cristi Puiu

Tras haber ganado en 2005 el premio a mejor película en la sección Una Cierta Mirada con la estupenda ‘La muerte del Sr. Lazarescu‘, y haber competido en dicha sección en 2010 por ‘Aurora’, el realizador rumano Cristi Puiu debuta en la Sección Oficial con ‘Sieranevada‘, una película de tres horas que ha despertado todo tipo de opiniones. Y aunque en general, la recepción ha sido muy buena, no han tardado en salir detractores alegando que se trata de una película de ritmo tedioso y excesivamente larga. Puiu narra la historia de un hombre de cuarenta años que se reúne con su familia en memoria de su padre que acaba de fallecer, pero el evento no se desarrolla como se había previsto. Por mi parte, expectación máxima por saber que nos deparan estas tres horas de incómoda reunión familiar.

3.- Loving (USA) Dir. Jeff Nichols

Loving dirigida por Jeff Nichols

Segunda película de Jeff Nichols en 2016 (la primera fue ‘Midnight Special’, presentada en la Berlinale) que supone su vuelta a la Sección Oficial de Cannes tras la maravillosa ‘Mud’, en 2012. En esta ocasión narra el caso real de un matrimonio interracial que se casó en Virginia en 1958, y que debido a ello fueron arrestados. Las primeras reacciones indican que estamos ante una película muy clásica en el mejor sentido de la palabra, y que además Nichols aporta su toque personal. También se destacan las interpretaciones de Joel Edgerton y Ruth Negga (la verdadera revelación, al parecer), que cualquiera de los dos suena con fuerza para ganar un premio interpretativo en este certamen. Hay quien habla incluso de opciones reales para los Oscar. De aquí a unos meses lo sabremos.

4.- After The Storm (Japón) Dir. Hirokazu Koreeda

After The Storm dirigida por Hirokazu Koreeda

Koreeda se ha convertido en un fijo del Festival de Cannes, sin embargo, este año no competirá por la Palma de Oro, sino que su película se podrá ver en la sección Una Cierta Mirada. El hecho de haber sido relegado a esta sección puede hacernos pensar que estamos ante una película menor del cineasta japonés. Aún así, mis ganas de ver su película no han disminuido, ya que de Koreeda me espero siempre lo mejor. La película nos cuenta la historia de un hombre que se ha divorciado de su mujer, que se gasta todo su dinero en apuestas y que no puede pagar la pensión alimentaria de su hijo de once años. A pesar de esto, intentará volver a acercarse a sus seres queridos y formar parte de la vida de su hijo. Un día, una tormenta provoca que toda la familia pase una noche junta.

5.- La Tortue Rouge (Francia) Dir. Michael Dudok De Wit

La Tortue Rouge dirigida por Michael Dudok de Wit

La Tortue Rouge‘ supone la primera producción del Studio Ghibli fuera de Japón. La dirección corre a cargo del holandés Michael Dudok De Wit (ganador de un Oscar en el año 2000 al mejor cortometraje de animación), y el guion ha sido supervisado por el propio Isao Takahata (co-fundador de Ghibli y director de ‘La tumba de las luciérnagas’ o ‘El cuento de la princesa Kaguya‘). El hecho de que Ghibli (sinónimo de calidad) haya mostrado tanto interés por este proyecto parece indicar que el filme merecerá la pena. Se trata de una película de animación muda sobre un náufrago que llega a una isla tropical plagada de tortugas, cangrejos y aves. La cinta competirá en la sección Una Cierta Mirada.

Crítica: Corazón gigante (Fúsi)

 Ilmur Kristjánsdóttir y Gunnar Jónsson en Corazón gigante

Ilmur Kristjánsdóttir y Gunnar Jónsson en “Corazón gigante”. Fuente: Surtsey Films

Corazón gigante‘ está dirigida por Dagur Kári, uno de los directores de cine más conocidos en un país poco prolífico en la producción cinematográfica como es Islandia, y que en 2003 se dio a conocer con la comedia de humor negro, ‘Noi, el albino’. En esta ocasión recrea la vida de Fúsi (Gunnar Jónsson), un cuarentón inadaptado y con sobrepeso que vive con su madre (Margrét Helga Jóhannsdóttir) y que se enamora de Sjöfn (Ilmur Kristjánsdóttir), una chica con problemas psicológicos que conoce en clases de baile. Entre ellos se entrabla una relación un tanto incómoda, llena de malentendidos y de altibajos, que rompen la solitaria vida del protagonista.

Lo que más sorprende de esta película es la extraordinaria sencillez con que se narra la historia y como su personaje es capaz de generar tanta empatía en el espectador. Mecanismos de identificación que se ponen en marcha nada más descubrir la ingenuidad que tiene Fúsi ante como funciona el mundo. Un aprendizaje tardío a la edad adulta donde los miedos e inseguridades incrustados durante su vida salen a relucir. El filme se convierte en un viaje lleno de descubrimientos íntimos, de pequeñas peripecias iniciáticas que transcurren casi sin palabras, a través de una fría fotografía que conecta con el tono de la historia.

Gunnar Jónsson en Fúsi (Virgin Mountain)

Gunnar Jónsson en “Corazón gigante” (Fúsi) dirigida por Dagur Kári. Fuente: Surtsey Films

Dagur Kári tiene una extraordinaria intuición a la hora de filmar los detalles y sabe combinar los elementos costumbristas con los poéticos, a la misma vez que es capaz de crear un mundo propio, el de Fúsi, de una sensibilidad arrebatadora que nos revela aspectos como la bondad del personaje y que hábilmente los enfrenta a una sociedad incapaz de comprender la diferencia.

Aquí no se nos presenta un hombre rudo como en otra maravillosa película islandesa como ‘Rams (El valle de los carneros)‘ pero si marcado por otra condición psicologica que determina la personalidad del personaje. La película no necesita indagar en el pasado de Fúsi, ni resaltar ningún transtorno alimenticio a tenor de su físico, sencillamente se limita a explorar su comportamiento ante los demás.

Quizás podría haber tomado otros caminos narrativos, pero la verdadera grandeza de ‘Corazón gigante‘  reside en el hecho de haber marcado con maestría los límites en la historia para no convertirse en un drama retorcido. Avalada por su triunfo en el Festival de Tribeca en 2015 y por el premio a mejor actor para Gunnar Jónsson en la Seminci del mismo año, ‘Corazón gigante‘ está llamada a ser recordada como una de las mejores obras de autor que nos ofrece el cine actual.

Concurso “X-Men: Apocalipsis”: Te invitamos al preestreno en Madrid

Concurso X-Men: Apocalipsis

En ‘X-Men: Apocalipsis’ el mutante más poderoso que ha existido nunca despierta en un mundo que no le gusta y recluta un equipo para acabar con toda la humanidad y crear un nuevo orden mundial, pero el Profesor X  luchará por evitarlo. Una franquicia Marvel con Michael Fassbender y Jennifer Lawrence que se estrena el próximo 20 de mayo.

En Macguffin007 y Sensacine os ofrecemos la posibilidad de ver la peli antes que nadie. Sorteamos 1 entrada doble para el preestreno, el jueves 17 de mayo a las 20 horas, en los cines KINEPOLIS-CIUDAD DE LA IMAGEN en Madrid.

Puedes concursar antes del 15 de mayo. Es muy sencillo. Pasos a seguir:

  1. Suscríbete por mail al blog de cine Macguffin007.
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    ¡ Mucha suerte a todos !

    Nos comunicaremos con el ganador el 16 de mayo por mail