En la historia del cine siempre ha habido, y seguirá habiendo, directores y directoras de todos los tipos, gustos y variedades. Algunos han triunfado con su ópera prima y no han vuelto a dirigir jamás, mientras que otros empezaron a rodar a una edad avanzada y, desde entonces, no han dejado de hacerlo. También los hay que, a pocos años de cumplir los 40, añadieron a su filmografía grandes películas que marcarían el cine del momento y que, desde su llegada a la gran pantalla, permanecería en la memoria de todos los amantes del cine. A continuación, profundizaremos en cinco directores de cine que realizaron obras maestras antes de cumplir 40 años. Afortunadamente, después de llegar a esta edad, estos reconocidos directores siguieron dedicando su vida al cine y a hacernos disfrutar con muchas otras películas que vendrían después.
Perdición (Billy Wilder, 1944)
Corría el año 1944 cuando Billy Wilder estrenó la película precursora del cine negro: ‘Perdición‘. El director tenía en el momento del estreno 38 años y esta era su cuarta película como director. La cinta fue una adaptación de la novela Pacto de sangre, del escritor James M. Cain, basada en un caso real del año 1927. Cuando una copia de la novela llegó a Hollywood, Billy Wilder se interesó enseguida en ella, con el objetivo claro de convertir esa historia en película. Para su realización quiso contar en todo momento con Cain y también con el famoso escritor de novela negra Raymond Chandler. Los tres artistas se inspiraron y ayudaron mutuamente, dando lugar a una gran película que marcó una época y sirvió como referencia a muchas películas del género film noir posteriores.
Sin embargo, no fue un filme muy reconocido por la Academia ya que en la 17ª Edición de los Oscar, la cinta no recibió ningún galardón pese a estar nominada a siete premios. El filme, sin lugar a dudas, gracias a los diálogos irónicos y llenos de metáforas, deja constancia de la esencia e inteligencia única de Wilder. Los actores elegidos para representar a los personajes protagonistas fueron Fred MacMurray, un actor especialista en musicales, y Barbara Stanwyck, que en un principio dudó en interpretar a un personaje tan fácil de odiar, pero que finalmente se convirtió en una de las femme fatale más recordadas del cine.
El bueno, el feo y el malo (Sergio Leone, 1966)
A Sergio Leone le faltaban solo tres años para cumplir los 40 cuando estrenó ‘El bueno, el feo y el malo’ (conocida como Il buono, il brutto, il cattivo en italiano). Este spaguetti western se estrenó en el año 1966 y fue una coproducción entre España, Alemania e Italia. Entre los años 60 y 70, se produjeron en Europa un gran número de películas de este subgénero, llamado también western europeo. Con una estética naturalista y la temática principal de la moral, ‘El bueno, el feo y el malo’ se convirtió tras su estreno en una de las películas cumbres del género. Además, fue la tercera parte de lo que se conoce la Trilogía del Dólar, precedida por las películas ‘Por un puñado de dólares’ (1964) y ‘La muerte tenía un precio’ (1965).
La cinta llegó a ser considerada por la crítica la mejor película del western europeo y no hay dudas de que su banda sonora, compuesta por el gran Ennio Morricone, es una de las más memorables de la historia del cine. Gran parte de sus escenas fueron grabadas en diferentes escenarios españoles, pasando por las ciudades de Madrid, Burgos, Granada y Almería. Otras fueron filmadas en los famosos estudios italianos Cincittà, situados en Roma. En el momento de su estreno, la película y por ende Sergio Leone, fueron muy criticados por la violencia mostrada en la película, a lo que Leone respondió indicando que lo que él pretendía era exagerar las muertes en sus películas para hacer una sátira de los demás westerns.
El color púrpura (Steven Spielberg, 1985)
A punto de cumplir los 40, en el año 1985, Steven Spielberg estrenó una de las películas más reconocidas de su carrera: ‘El color púrpura‘. Spielberg contaba con 39 años en el momento del estreno y en aquel entonces, ya había dirigido un total de diez películas, entre las que destacaban ‘Tiburón’ (1975), ‘E.T. El extraterrestre’ (1982) e ‘Indiana Jones y el templo maldito’ (1984). El director estadounidense traía a sus espaldas una trayectoria de mucho éxito, pero fue el estreno de ‘El color púrpura’ el que le consolidó como director, pues fue considerada su primera película “seria”.
El filme fue una adaptación de la novela con mismo nombre de la autora Alice Walker, por la que ganó un premio Pullitzer en el año 1983. La película se sitúa a principios del siglo XX y narra la complicada y difícil vida de Celie, una adolescente negra de 14 años, y su devenir durante los siguientes treinta años de su vida. En la película, Whoopi Goldberg fue la responsable de darle vida a Celie y gracias a esta interpretación se alzó con un Globo de Oro. En la gala de los Oscar de aquel año la película estuvo nominada a 11 categorías, pero finalmente no se llevó ninguno, por lo que esta obra maestra no fue reconocida como tal por la Academia en aquel momento.
El club de la lucha (David Fincher, 1999)
David Fincher nació en Denver en el año 1962 y 37 años después se lanzó a dirigir la que se convertiría en una de sus películas más reconocidas: ‘El club de la lucha‘. Era agosto de 1997 cuando el guion de ‘El club de la lucha’ llegó a sus manos y el director decidió encargarse de la dirección de esta adaptación cinematográfica de la novela que Chuck Palahniuk que se había publicado un año antes. El estreno oficial tuvo lugar en 1999 en el Festival de Venecia, y aunque en el fin de semana de su estreno comercial en Estados Unidos sí recaudó grandes cifras, lo cierto es que la película no llegó a estar a la altura de las expectativas que la Fox había puesto en ella.
La cinta recibió grandes críticas por su violencia y su ambigüedad moral, y sobre todo, causó temor entre los críticos a que el filme produjera un efecto imitación en el público que acudía a las salas a verla. Con el paso de los años, la recepción de la película se ha vuelto más positiva y se ha centrado principalmente en la buena valoración de las actuaciones de Brad Pitt y Edward Norton, la dirección de Fincher, los temas tratados en la cinta y el mensaje de crítica social que aporta. A día de hoy es considerada una de las películas más controvertidas de la década de los 90, a la vez que una de las más innovadoras en su forma y estilo cinematográfico.
Moulin Rouge (Baz Luhrmann, 2001)
El actor y director australiano, Baz Luhrmann, estrenó ‘Moulin Rouge‘ el mismo año que cumplía 39 años y resulta fácil detectar cómo dejó en este filme su sello como autor cinematográfico. Este musical fue su tercera película como director y se convirtió en su mayor éxito. ‘Moulin Rouge’ revolucionó y renovó un género que parecía que llevaba años pasado de moda: el género musical. La película está basada principalmente en dos obras: la ópera La traviata de Giuseppe Verdi y la novela La dama de las camelias de Dumas. Ambientada a principios del siglo XX en París, el tema principal que emana en cada escena de la película es el amor en todas sus formas y variedades, pero sobre todo el amor entre Satine y Christian, y entre estos y el arte.
Se trata de un musical, pero las canciones que aparecen en ‘Moulin Rouge‘ no son originales, ya que Luhrmann decidió utilizar como banda sonora los grandes éxitos musicales recientes de pop y rock, de artistas como Queen, Nirvana, Madonna o The Police. Además del espectáculo musical, ‘Moulin Rouge’ fue también una película que destacó por el espectáculo visual que ofreció a sus espectadores, con grandes y vistosos números musicales en llamativos escenarios, llenos de colores y luces, y que eran presentados con un montaje rápido y dinámico. El universo recreado del Moulin Rouge que aparece en la película se premió en la gala de los Oscar de aquel año, ya que la película se alzó con dos estatuillas: a Mejor Vestuario y a Mejor Dirección de Arte. La inalcanzable Satine y el sensible Christian, la pareja amorosa protagonista de la película, son interpretados por los ya entonces reconocidos Nicole Kidman y Ewan McGregor, lo que sin duda influyó en el éxito de la película.
